Iván Fernández-Dávila: “El Perú es un país totalmente fracturado. Es un país profundamente racista”

Cultura Iván Fernández-Dávila: “El Perú es un país totalmente fracturado. Es un país profundamente racista” El pintor peruano cuestiona el racismo que divide al país, la indiferencia del Estado frente a la cultura y las dificultades que enfrentan los artistas para sobrevivir en un mercado reducido…

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El pintor peruano cuestiona el racismo que divide al país, la indiferencia del Estado frente a la cultura y las dificultades que enfrentan los artistas para sobrevivir en un mercado reducido. A propósito de Vida de Pintor, su exposición en el Museo Metropolitano de Lima, Iván Fernández-Dávila reflexiona sobre el arte, la política, la censura y las heridas de una sociedad profundamente fracturada.

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34 segundos ago

15/10/2026

Edwin Cavello Limas

La pintura puede retratar una fiesta, una plaza repleta de gente o una escena cotidiana, pero también revelar las fracturas de una sociedad que prefiere no mirarse de frente. En sus grandes lienzos, Iván Fernández-Dávila convierte la vida urbana en un escenario donde conviven la celebración, la violencia y las contradicciones del Perú. En Vida de Pintor, su más reciente exposición, el artista propone una mirada que va más allá de lo estético para dialogar con la historia, la política y la realidad social.

En esta entrevista con Lima Gris, habla sin rodeos sobre el racismo, la censura, el conservadurismo político, el abandono de los artistas y el papel del Ministerio de Cultura. Su diagnóstico es contundente: «El Perú es un país totalmente fracturado. Es un país profundamente racista». Una conversación sobre el oficio de pintar, la libertad de crear y las heridas que todavía dividen al país.

Iván, Lima no es una ciudad de coleccionistas. ¿Cómo mantenerse en el circuito cultural tras una pandemia que ha golpeado a muchos artistas?

La verdad es que tenemos un mercado muy pequeño todavía y hay unas cuantas galerías que trabajan con pocos artistas. Es una vida difícil, pero uno, con persistencia y terquedad, va haciéndose un espacio. Por lo menos en el circuito de exposiciones, esta es mi exposición individual número 23.

Siempre veo la manera de mantenerme vigente y mostrar mi trabajo. He tenido la suerte de obtener el respaldo de algunos interesados en la pintura, que de vez en cuando visitan el taller y adquieren arte. Pero sé que es algo cada vez más difícil para la gran mayoría de artistas.

Si bien la situación está un poco complicada, el título de tu muestra es Vida de Pintor y lo que representas es festividad, alegría, una especie de carnaval urbano. Es decir, hay positivismo dentro de tu propia pintura.

Claro, igual hay que observar bien los cuadros para ver los detalles, porque en mi pintura básicamente trato de mostrar los diferentes aspectos de la vida. Quizás en algunas obras lo más notorio es la celebración, pero, cuando observas más, también hay personajes aislados y escenas, a veces, de violencia. Es lo que sucede en el mundo: la alternancia entre lo positivo y lo negativo, digamos.

Todo eso está reflejado. Pero, de por sí, yo trato de representar escenas sociales, mucha gente y espacios públicos. Para mí es una nueva forma de pintura de historia, de alguna manera, en la que los protagonistas somos los simples ciudadanos. Es decir, no los grandes temas, sino la vida del día a día. Y dentro de esa vida también se enmarca el artista, que sobrevive como puede en la ciudad.

Los formatos de tus trabajos son grandes. ¿Esto se debe más a la sala del Museo Metropolitano o estaba planteado así desde un inicio?

Yo también suelo pintar en formatos grandes. Como me dedico exclusivamente a pintar, con todo lo que eso implica, a veces hay temporadas muy malas, otras buenas y, a veces, golpes de suerte, pero estoy pintando todo el tiempo. Entonces, pinto en formatos gigantes y pequeños, pero siempre estoy trabajando. Cuando tengo una exposición individual, me gusta que sea en salas grandes para poder mostrar allí los formatos grandes. Y en el Museo Metropolitano, pues, qué mejor lugar para exponer esas dos plazas gigantes: una en la plaza San Martín y la otra en la plaza de Armas de Lima.

Además, me contabas que has tratado de reunir algunos cuadros que ya están en colecciones privadas. ¿Cómo es esa gestión?

Sí, felizmente hay coleccionistas que saben que la obra se valora más cuando se muestra y cuando entra en catálogos. En este caso, también contamos con el apoyo de la municipalidad, que pone un seguro para las obras. Entonces, esto a veces facilita que el coleccionista pueda prestarlas.

¿Vienes trabajando permanentemente con algún curador o con algunos críticos?

Eso va cambiando porque, por ejemplo, el curador de una exposición grande que tuve anteriormente fue Juan Peralta, en el Museo Amano de Miraflores, en 2024. En esta ocasión, el curador es Daniel Alfonso, que es cubano. Y, bueno, depende de dónde surjan las invitaciones y ahí se van formando los equipos. Pero sí me interesaría ir trabajando con la misma gente a través del tiempo. Hace unos años trabajé en varias muestras con la doctora Alba Choque, también historiadora.

¿Cómo has visto la reactivación pospandemia del circuito cultural, ya que varias galerías, como Enlace, que se ubicaba en San Isidro, han cerrado?

Sí, ahora han reabierto, pero en un segundo piso y en una parte más pequeña. Obviamente, eso golpeó a muchas empresas, porque, mal que bien, las galerías también son empresas. Imagínate: las que sobrevivieron, básicamente, fue porque eran dueñas del local. Mantener un local durante la pandemia y después de ella es complicado. Además, el mercado acá, en general, es muy pequeño y tampoco hay muchas opciones para exponer. Y las que hay, a veces, les cobran a los artistas. Es un poco difícil.

Recuerdo que, a inicios de los años 2000, había una gran cantidad de artistas jóvenes que estaban surgiendo. Incluso se creó una especie de círculo bastante masivo de artistas que empezaban a exponer. Había muchas exposiciones colectivas, pero ahora muchos de ellos han dejado de pintar. ¿Qué hacen los artistas que ya no pintan?

Ya se dedican a otra cosa porque, como tú mencionas, cada cinco años surgen nuevas generaciones de artistas, digamos. Exponen con mucha fuerza, se mueven bastante y surgen nuevos nombres: chicos de veintitantos años que aparecen con fuerza en la prensa y en los espacios de arte. Pero muchos de ellos, unos cinco años después, desaparecen porque es muy difícil sostenerse en esto.

La pintura implica tiempo; tienes que dedicarte a ella. Pero ¿cómo lo haces si, en términos económicos, no funciona para mucha gente? Entonces, se dedican a otra cosa y dejan de trabajar en el arte. La mayoría se dedica a la docencia, y eso también es muy cansado porque estás todo el día viajando. Llegas a tu casa y ya es difícil que quieras pintar. Se genera una desvinculación con la propia disciplina.

Hay muchos amigos con los que exponía hace años. Cuando nos conocimos, en 2006, hace veinte años, muchos de ellos todavía estaban activos. Ahora muchos ya no exponen. Había gente de mucho talento, pero la mayoría ya no está.

Regresando a la exposición, veía en una de las paredes los rostros de Humareda y Polanco. ¿Esto tiene que ver con tus referentes en la pintura peruana?

Exacto. Para mí, la pintura es un diálogo. Cuando el pintor trabaja en su taller, está conversando con toda la historia de la pintura que existió antes. Te insertas en esa conversación. A mí me interesa mostrar explícitamente en esta exposición mi relación con algunos de los maestros de la pintura peruana que más me han influenciado, como Humareda, Polanco y Alcalde. Tú sabes que Polanco y Alcalde fueron discípulos directos de Humareda. Yo también tengo esa influencia, como si me llegara a través de ellos. Hay una conexión con los maestros. Soy un pintor expresionista, claramente, o neoexpresionista. Tengo esa herencia.

También estoy muy influenciado por artistas como Herskovitz y Sérvulo Gutiérrez. Pero, en este caso, quise mostrar claramente esa afiliación, como una manera de enmarcarme en esa tradición.

En tu pintura también se nota que te interesan mucho la literatura y el cine. Es decir, un artista, al final, bebe de otras artes para conceptualizar sus ideas.

Sí, como artistas somos esponjas. No podemos ser tan básicos como para limitarnos a una sola forma de arte. Uno viaja, ve películas y lee libros. Yo todo el tiempo estoy leyendo algo, viendo algo, escuchando. No me cierro a nada. Me gusta conocer y apreciar la belleza, pero a veces es muy difícil dedicarle unas horas al cine o a la lectura. Para la mayoría de la gente, por ejemplo, es complicado porque está ocupada en sobrevivir.

En ese sentido, las nuevas generaciones se están alejando de la contemplación y de la observación. Ir a una galería implica, para ellas, forzar un poco esa conexión con cosas que no conocen. No están acostumbradas a hacerlo.

Por eso son importantes estos espacios públicos, como el Museo Metropolitano. Tú sabes que la ubicación es clave, porque justamente las personas que no están acostumbradas a ir a una galería o a un museo, cuando encuentran uno en su camino, en un lugar por el que transitan, por lo menos por curiosidad pueden entrar a ver. Así comienzan a descubrir que hay más cosas que la vida diaria o las tonterías que nos quieren meter a la cabeza a la fuerza.

Hace poco hubo un debate en redes sobre el uso de la palabra «artista». ¿Para ti qué es un artista?

Sabes, es curioso. Hay un libro clásico que se llama La historia del arte, de Gombrich, cuya primera línea dice: «En realidad, no existe el arte; solo existen los artistas». Entonces, quizás el artista es la justificación del arte. Es quien sostiene esa idea que tenemos del arte.

Porque el arte no surge de la nada. Hay seres humanos que producen imágenes, esculturas y obras arquitectónicas. Entonces, el artista es ese medio, creo yo, entre cierta sensibilidad y lo que los alemanes llaman Zeitgeist, el espíritu del tiempo y de la sociedad. Estos artistas crean formas, volúmenes y colores que reflejan lo que está pasando en la sociedad mediante un lenguaje distinto de las palabras. Por eso, a veces, los artistas incluso se adelantan a los acontecimientos: un artista pinta algo que todavía no ha sucedido, pero que, de alguna manera, ya está captando.

Ahora cuesta encontrar precisamente a estos artistas que avizoran lo que puede suceder o que, de alguna forma, cuestionan el poder y las situaciones que ocurren actualmente a través de su trabajo. Porque dicen: «Eso no vende».

Sí, o simplemente no te dan alas. Por ejemplo, ahora hay varias condiciones para exponer. No pueden ser desnudos ni tratarse temas políticos. Y, como no debemos dejar de mostrar nuestro trabajo, buscamos la forma de expresar nuestras ideas, pero adecuándonos un poco en ciertos casos. Eso también forma parte del trabajo del artista.

¿Qué faltaría, entonces, para corregir eso? Porque en el arte hay una libertad que forma parte del mensaje. Como mencionabas hace un momento, el artista tiene una visión.

Sí, depende del contexto. Hay épocas más liberales que otras. Todos los grandes artistas romanos estuvieron censurados. Recordemos que la Iglesia católica tenía un gran índice de obras prohibidas. Son épocas que se suceden, pero el artista se va adaptando. En la época cusqueña, por ejemplo, los artistas del Cusco tenían prohibido representar sapos. Entonces, ¿qué hicieron? Los representaron en las faldas de las vírgenes.

A mí, personalmente, me parece una decisión equivocada que el propio artista se cierre y diga: «No, si no me dejan exponer lo que quiero, no lo voy a exponer nunca». Hay que tener estrategias visuales también. Podemos enviar el mismo mensaje buscando la manera de hacerlo llegar.

Si bien eres una persona centrada actualmente en la producción artística y vinculada al circuito cultural, ¿cuál es tu mirada del país desde el ámbito político?

Me interesa como ciudadano, por supuesto. Veo que estamos en un medio bastante conservador. El Perú es parte del grupo de países latinoamericanos que han girado completamente a la derecha. Este nuevo gobierno recién ha comenzado, pero es algo que viene desde antes y creo que actualmente se va a sentir más.

En ese sentido, ¿eres un artista de derecha o de izquierda?

Yo estoy más a la izquierda. Si entendemos la izquierda como la idea de que el Estado debe garantizar ciertas condiciones básicas en materia de educación, salud y seguridad, me inclino por esa posición.

¿Alguna vez han dicho que Iván Fernández-Dávila es un pintor de izquierda?

No creo. Tampoco han dicho que sea un pintor de derecha (risas).

¿Pero representas el pensamiento de la izquierda?

Bueno, tengo cuadros tan explícitos como uno en el que aparece el Congreso quemándose, por ejemplo. Es de 2024, de aquella época…

Pero eso es más anarquista…

Claro. Y en ese cuadro, por ejemplo, hay sicarios. El cuadro se llama El tiempo de los asesinos. Creo que también hay que aclarar algunas posiciones. Tengo varios cuadros que muestran, digamos, una tendencia, pero no de extrema izquierda. Pienso que los modelos totalitarios fracasan, independientemente de su orientación. Por eso, la Unión Soviética fue un fracaso. Cuba, como estamos viendo, es otro fracaso. Cuando se cae en una dictadura, sea de izquierda o de derecha, creo que el desenlace es trágico.

Hablando de cosas que funcionan o no funcionan, hablemos del Ministerio de Cultura. Con un ministro como Beingolea, ¿cuál es tu mirada al respecto?

Sinceramente, escucho a amigos que me dicen que la persona no importa mucho, que lo fundamental es el equipo, los asesores. Pero yo sí creo que la elección de un ministro de Cultura demuestra el interés de un gobierno por ese sector. En este caso, pienso que Beingolea, hacia quien no tengo nada personal ni negativo, no es la persona adecuada para el cargo de ministro de Cultura.

Desde mi punto de vista, en un país como el Perú, el ministro de Cultura debería ser un antropólogo o tener un perfil más vinculado a las ciencias sociales y experiencia en gestión. Además, debería rodearse de un equipo ejecutivo adecuado. Esto sería una señal importante del gobierno. De lo contrario, no tiene mucho sentido. Actualmente, parece que el tema no les interesara.

Como artista, ¿cuántas veces te ha apoyado el Ministerio de Cultura?

Nunca. Tampoco lo he pedido, siendo sincero. No he solicitado apoyo al Ministerio de Cultura, la verdad. Sí he recibido apoyo alguna vez de Cancillería. El Ministerio de Relaciones Exteriores ayudó con una exposición colectiva que hicimos en México hace años.

¿Crees que una de las funciones de un ministro debería ser preocuparse por eso?

Sí, hay concursos. Sé que existen fondos concursables, pero personalmente no he postulado, no por falta de interés, sino porque se me ha pasado el tiempo. Sin embargo, sé que hay unos fondos llamados Estímulos Económicos.

Finalmente, ¿crees que hay interés del gobierno fujimorista por el sector cultural?

Yo creo que no. Lo vemos cada vez que surge el tema del Lugar de la Memoria (LUM), por ejemplo, que es como una obsesión que tienen. Si quisieran que nadie se enterara de ese museo, deberían dejar de mencionarlo.

Por otro lado, si el gobierno se acercara realmente a la cultura viva, de manera democrática y aceptando diferentes puntos de vista, sería algo más saludable. Incluso le reportaría beneficios políticos al propio gobierno.

Pero eso no sucede y nos damos cuenta de que el Perú sigue teniendo muchas heridas abiertas.

Sin duda, el Perú es un país totalmente fracturado, fragmentado. Es un país profundamente racista, sobre todo. Siento que uno de los grandes problemas, y hasta me animaría a decir que el gran problema del Perú, es el racismo, porque hay sectores que sienten que otras personas no merecen los mismos derechos.

Finalmente, me gustaría que invites al público. ¿Hasta cuándo va la muestra?

Estoy presentando la muestra Vida de Pintor, bajo la curaduría de Daniel Alfonso, en la Galería Limaq del Museo Metropolitano de Lima. El horario es de lunes a domingo, de 10 de la mañana a 7 de la noche, y estará abierta hasta el 8 de noviembre.

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Líneas de Nasca: cuestionan al Ministerio de Cultura y exigen transparencia en la gestión del patrimonio

Edwin Cavello Limas

Edwin Cavello Limas. Periodista y cinéfilo. Es CEO y director de la revista, radio y TV Lima Gris. Fue editor de la revista ONCE, y columnista del diario La Razón, Actualmente es Editor de Cultura de Diario UNO y conductor del programa Lima Gris que se transmite por Radio Planicie 91.5.FM.

Cultura

Líneas de Nasca: cuestionan al Ministerio de Cultura y exigen transparencia en la gestión del patrimonio

Durante el V Congreso Nacional de Derechos de los Pueblos Indígenas del Perú, que se viene realizando en el auditorio de Letras de la Universidad San Marcos, la abogada Noemy Castañeda, cuestionó la actuación de las instituciones responsables de conservar este patrimonio. Además, pidió esclarecer qué ocurrió con los recursos destinados al plan de gestión del territorio y planteó una mayor coordinación entre las autoridades.

Published

11 horas ago

14/10/2026

Redacción Lima Gris

Por Susan Acuña

Las Líneas y Geoglifos de Nasca y Palpa cuentan con reconocimiento internacional por su valor histórico y cultural. Sin embargo, su protección también depende de las decisiones sobre el territorio que comprende la reserva arqueológica y de las medidas que se adopten para conservarla.

Uno de los puntos que abordó Castañeda fue la extensión del territorio que debe protegerse. Las Líneas y Geoglifos de Nasca y Palpa fueron inscritos en la Lista del Patrimonio Mundial de la Unesco en 1994. Años después, en 2004, se aprobó una extensión mayor para la reserva arqueológica, de 5.633,47 kilómetros cuadrados.

La delimitación volvió a generar controversia en 2025, cuando el Ministerio de Cultura aprobó reducir el área protegida a aproximadamente 3.235 kilómetros cuadrados. La medida fue dejada sin efecto en junio de ese año y se restableció la extensión anterior. Además, el Ministerio Público abrió una investigación preliminar contra tres funcionarios por presuntos delitos relacionados con la protección del patrimonio. Esta investigación no determina por sí misma que los involucrados sean responsables.

En su exposición, Castañeda también planteó la necesidad de conocer los resultados del plan de gestión del territorio de Nasca y Palpa. Consideró necesario que se informe qué acciones se realizaron y cómo se utilizaron los recursos asignados. Entre sus propuestas, mencionó la creación de una mesa de trabajo con profesionales de distintas áreas y una mayor participación de las instituciones encargadas de velar por el patrimonio.

Por su parte, la fiscal Paulina Anchita, abordó otra problemática de la región Ica: la situación de la laguna de Huacachina y los riesgos vinculados con los paseos turísticos en vehículos tubulares. Durante su ponencia, señaló que más de 300 de estas unidades operarían de manera informal y cuestionó las dificultades para garantizar que cumplan con los requisitos de seguridad.

Anchita también se refirió a los accidentes registrados durante estas actividades y a las dificultades para aplicar las medidas de control. En ese contexto, sostuvo que los gobiernos locales y regionales deben coordinar acciones para supervisar el servicio, verificar las condiciones de los vehículos y prevenir nuevos accidentes.

Aunque sus exposiciones se centraron en problemas distintos, ambas pusieron en discusión la responsabilidad de las autoridades frente a la protección del territorio. En Nasca y Palpa, el desafío señalado por Castañeda es garantizar la conservación de los sitios arqueológicos y transparentar la gestión destinada a ese fin; en Huacachina, Anchita llamó la atención sobre la seguridad de una actividad turística que requiere mayor control.

En una breve entrevista con Lima Gris, la doctora Noemy Castañeda respondió nuestra preguntas tras su participación en el Congreso realizado en la Universidad San Marcos.

¿Cómo fue su experiencia al participar en el V Congreso Nacional de Derechos de los Pueblos Indígenas del Perú?

Bueno, definitivamente mi participación en este foro me deja muchas lecciones dentro de nuestra cultura originaria, nuestra cultura viva. Venir acá es como revivir a nuestros ancestros. Uno se lleva una emoción, un cariño y una sensibilidad básicamente por la vida. Mi participación aquí precisamente ha sido para llevar la voz del Patrimonio Mundial de la Humanidad, las Líneas de Nasca y Palpa.

Necesitamos revalorar nuestro patrimonio, esa es la verdad. Si bien es cierto, en los papeles, en las leyes y en las normas le damos un valor institucional, pero en la práctica no. Las Líneas y Geoglifos de Nasca están abandonados por el mismo Ministerio de Cultura, y lo he podido evidenciar en esta ponencia. Lo puedo demostrar con experiencias y con informes técnicos y científicos.

¿Qué acciones considera necesarias para enfrentar esta situación y combatir los problemas que afectan al patrimonio?

Considero que debemos implementar correctamente las leyes. Si bien es cierto, las leyes están, hay un control ético normativo que no se aplica en este gobierno. Es importante que las instituciones de gobierno, empezando por las locales y regionales, tomen de inmediato las acciones necesarias. Que implementen una mesa técnica de profesionales multisectorial para trabajar en esta problemática que nos atañe a todos.

¿Qué considera necesario esclarecer sobre la gestión del territorio de Nasca y Palpa?

No es posible que, hasta la fecha, después de 10 años, no transparenten si ejecutaron o no, o cómo lo ejecutaron. Y quién dio el dinero respecto al plan de gestión del territorio de Nasca y Palpa.

Es importante para nosotros haber llegado a este foro, a este congreso, para ser escuchados, para ser visibles respecto a la protección y conservación del patrimonio mundial, que son las Líneas y Geoglifos de Nasca y Palpa.

Catastro minero en las Líneas de Nasca y Palpa.

Aunque sus exposiciones abordaron problemas distintos, ambas pusieron sobre la mesa la responsabilidad de las autoridades. En Nasca y Palpa, Castañeda cuestionó la gestión destinada a conservar los sitios arqueológicos; en Huacachina, Anchita advirtió sobre los riesgos de una actividad turística que requiere mayor control.

Las Líneas y Geoglifos de Nasca y Palpa guardan parte de la historia de los pueblos que habitaron este territorio. Su conservación plantea una responsabilidad que va más allá de las autoridades actuales: evitar que este legado se pierda y permitir que las próximas generaciones también puedan conocerlo.

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Cultura

René Quispe presenta “Diafanización”, una mirada a la ciudad a través de la acuarela

La exposición del artista plástico peruano se inaugurará en el Museo Mario Vargas Llosa de Arequipa, bajo la curaduría de Juan Peralta. La muestra propone una aproximación al paisaje urbano y natural que rompe con la representación tradicional para explorar sus ritmos, tensiones y formas esenciales.

Published

2 días ago

13/10/2026

Redacción Lima Gris

La ciudad no siempre se revela en sus fachadas, sus edificios o sus detalles arquitectónicos. A veces, para comprenderla, es necesario despojarla de sus formas visibles y descubrir aquello que permanece oculto bajo su apariencia. Esa es la búsqueda que propone el artista plástico visual René Quispe Navarro con Diafanización, su nueva exposición, que se inaugurará en el Museo Mario Vargas Llosa de Arequipa.

A través de la acuarela, Quispe Navarro plantea una relación directa con el entorno urbano y natural. Su propuesta se aleja de la reproducción fiel del paisaje para convertir la pintura en una interpretación personal de la realidad, donde el gesto, el color y la materia adquieren protagonismo. La muestra, curada por Juan Peralta, invita a observar la ciudad desde una perspectiva que prescinde de los ornamentos para concentrarse en sus estructuras, movimientos y sensaciones.

El concepto de diafanización, tomado de una técnica anatómica que permite transparentar tejidos para observar las estructuras internas, constituye el eje de esta investigación artística. Trasladado al terreno de la pintura, se convierte en una operación de despojo visual: eliminar lo superficial para aproximarse a la esencia del espacio representado.

“Intento buscar una conversación transparente y sincera con la ciudad o el espacio que me rodea”, explica el artista al describir su proyecto. Para conseguirlo, evita detenerse excesivamente en las formas y los detalles. Su intención es mostrar el entorno tal como lo percibe, sin decoraciones ni idealizaciones, mediante pinceladas que responden a la espontaneidad y a una relación directa con aquello que observa.

Una acuarela que rompe con la tradición

Nacido en Lima, de padres descendientes de la región de Puno, René Quispe es egresado de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú. Durante sus primeros años de formación desarrolló una propuesta que combinaba conocimientos académicos clásicos con elementos como papel lustre, serpentina y pica pica, incorporados a su simbolismo pictórico.

Sin embargo, en 2015 inició una nueva etapa de investigación sobre las tradiciones de la pintura. En ese proceso reconoció dos grandes referentes: la tradición académica y la expresión espiritual. El estudio de ambas le permitió comprender que su propio lenguaje visual comenzaba a tomar una dirección distinta de los conocimientos adquiridos durante su formación.

De esa ruptura surgió la búsqueda de una identidad pictórica independiente, alejada de la obligación de reproducir modelos heredados. Las formas y la cromaticidad que aparecían en sus lienzos respondían a una sensibilidad propia, que encontró en la acuarela un medio para explorar nuevas posibilidades expresivas.

En Diafanización, esa exploración se manifiesta mediante una práctica que se distancia del virtuosismo técnico, la transparencia decorativa y la ilustración paisajística tradicional. La acuarela se convierte en un medio abierto al azar, a la intensidad de la percepción y a la huella del cuerpo durante el proceso creativo. Cada trazo registra el encuentro entre el artista y el espacio exterior.

El paisaje como experiencia

En el texto curatorial, Juan Peralta destaca que la pintura de Quispe no concibe la ciudad ni la naturaleza como escenarios pasivos, sino como espacios cargados de relaciones, tensiones y estímulos. La representación se transforma así en una interpretación activa de la experiencia visual.

Su propuesta también establece un diálogo con principios de la tradición oriental del sumi-e, especialmente con la concepción del trazo como expresión de la conciencia y la búsqueda de lo esencial. No se trata de reproducir literalmente esa tradición, sino de incorporar algunos de sus principios a una mirada contemporánea, atravesada por la velocidad, la fragmentación y la complejidad de la vida urbana.

La trayectoria de Quispe incluye selecciones en el 44 Salón Nacional de Acuarela del ICPNA, en 2016; el concurso Tláloc, en México; el International Watercolor Society Chile, en 2021; y la tercera bienal del International Watercolor Society India, en 2022. También participó en la bienal internacional de acuarela Leaving Memories, realizada en Lituania en 2021, entre otras convocatorias y exposiciones.

Con Diafanización, René Quispe propone una reflexión sobre la manera en que miramos y habitamos nuestro entorno. La acuarela deja de ser un recurso destinado únicamente a reproducir paisajes para convertirse en un lenguaje capaz de cuestionar las apariencias y revelar nuevas formas de percibir la realidad.

La exposición que es auspiciada por Lima Gris, se presentará el 3 de noviembre en el Museo Mario Vargas Llosa, ubicado en la calle San Francisco 308, en Arequipa.

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Cultura

Del flamenco a la danza contemporánea y la música clásica: el octavo día del Cervantino

La obra de danza flamenca Carmen, creada por Antonio Gades y Carlos Saura, llega al Festival Internacional Cervantino con una historia sobre la libertad. La programación también incluye Maldonne, de la coreógrafa francesa Leïla Ka, que explora la feminidad a través de la danza contemporánea; Tragùdia. El canto de Edipo, inspirada en la tragedia griega, y un concierto de la Camerata Salzburg junto a la violinista española María Dueñas, con obras de Mozart, Mendelssohn y Beethoven.

Published

2 días ago

13/10/2026

Redacción Lima Gris

Por: Susan Acuña

Carmen: El flamenco como expresión de libertad

El bailarín y coreógrafo español Antonio Gades y el cineasta Carlos Saura, recordado por películas como Cría Cuervos, unieron la danza y el lenguaje cinematográfico en Carmen, un ballet estrenado en París el 17 de mayo de 1983. La obra toma como referencia la novela de Prosper Mérimée y combina el flamenco con la música de la ópera de Georges Bizet para contar la historia de una mujer que defiende su libertad.

Gades, una de las figuras fundamentales de la danza española, encontró en Saura a un colaborador con quien llevó el flamenco a escenarios y pantallas de distintos países. Saura, reconocido por su trayectoria en el cine, recibió el Goya de Honor en 2023 por su aporte al cine español. La colaboración entre ambos dio lugar a una versión de Carmen que continúa formando parte del repertorio de la Compañía Antonio Gades.

En esta versión, Carmen no es solo una mujer atrapada en una historia de amor y celos. Para Gades, representa a una mujer que defiende su libertad y se resiste a vivir bajo las convenciones sociales. Esa mirada atraviesa el ballet y marca una diferencia frente a otras interpretaciones del personaje.

La propuesta combina el flamenco con fragmentos de la ópera Carmen, de Georges Bizet, y otras composiciones vinculadas con la tradición española. La coreografía se apoya en el movimiento, el ritmo y los gestos para desarrollar el conflicto, mientras las transiciones entre escenas incorporan recursos propios del lenguaje cinematográfico de Saura.

Su presentación en el Festival Internacional Cervantino recupera una creación que convirtió la danza española en una forma de narrar una historia sobre la identidad y la libertad.

Maldonne, de Leïla Ka

Estrenada en 2023, Maldonne es la primera creación grupal de la coreógrafa francesa Leïla Ka, quien inició su trayectoria artística en la danza urbana antes de acercarse a la danza contemporánea. En 2018 presentó Pode Ser, su primer solo, que obtuvo seis reconocimientos internacionales y marcó el inicio de una carrera que la ha llevado a escenarios de distintos países.

La danza contemporánea encuentra en Maldonne una mirada sobre las distintas formas de vivir la feminidad. La propuesta reúne a cinco bailarinas y alrededor de 40 vestidos, elementos con los que la coreógrafa Leïla Ka explora las contradicciones, la fragilidad y la rebeldía de las mujeres frente a las expectativas que la sociedad impone sobre ellas.

Tragùdia, El canto de Edipo

En 2024, el director y dramaturgo italiano Alessandro Serra presentó Tragùdia. El canto de Edipo, una creación inspirada en los textos de Sófocles y el mito griego de Edipo. Serra cuenta con una trayectoria reconocida en el teatro europeo y obtuvo el premio Ubu al mejor espectáculo en 2017 por Macbettu, una adaptación de Macbeth, de William Shakespeare.

La obra llegó al Festival Internacional Cervantino junto a la compañía italiana Sardegna Teatro, después de obtener cuatro reconocimientos en el Festival Internacional de Teatro MESS de Sarajevo, en 2024, entre ellos el Gran Premio al mejor espectáculo.

La historia sigue a Edipo, rey de Tebas, quien busca descubrir el origen de una desgracia que golpea a su ciudad y termina enfrentándose a una verdad sobre su propio pasado: sin saberlo, mató a su padre y se casó con su madre. A partir de esta tragedia, Alessandro Serra sitúa la obra en una Tebas en ruinas y recurre al grecánico, una antigua lengua de raíces griegas que aún se conserva en el sur de Italia. La puesta en escena conecta el mito clásico con una sociedad contemporánea marcada por la pérdida y la búsqueda de identidad.

A través de este mito, Alessandro Serra recupera una pregunta que atraviesa los siglos: cuánto puede soportar una persona cuando descubre una verdad que cambia todo lo que creía saber sobre sí misma. En Tragùdia. El canto de Edipo, la tragedia clásica vuelve a escena para hablar de la identidad, la culpa y las consecuencias de enfrentarse al propio pasado.

La recepción de Tragùdia. El canto de Edipo también ha generado distintas lecturas entre la crítica teatral. Mientras algunos reseñistas destacan su fuerza visual y musical, otros han cuestionado la combinación de elementos trágicos y grotescos. Estas diferencias muestran cómo la propuesta de Alessandro Serra reinterpreta un mito clásico desde un lenguaje escénico contemporáneo.

Camerata Salzburg con María Dueñas, violín

La Camerata Salzburg y la violinista española María Dueñas llegaron al Festival Internacional Cervantino con un programa que reúne obras de Mozart, Mendelssohn y Beethoven. El concierto, presentado en el Teatro Juárez, reunió a la agrupación austríaca y a una de las jóvenes intérpretes españolas con mayor proyección internacional.

Fundada en Salzburgo, Austria, en 1952, la Camerata Salzburg es una orquesta de cámara reconocida por sus interpretaciones de la música clásica, especialmente la de Mozart. Ha actuado en importantes escenarios internacionales y es agrupación residente del Festival de Salzburgo. Por su parte, María Dueñas ganó el Concurso Internacional de Violín Yehudi Menuhin en 2021 y recibió el premio Opus Klassik a Artista Revelación en 2024 por su álbum Beethoven and Beyond.

El programa reunió tres obras del repertorio clásico europeo: la obertura de Las bodas de Fígaro, de Mozart; el Concierto para violín en mi menor, de Felix Mendelssohn, y la Sinfonía nº 2 de Beethoven. En el concierto de Mendelssohn, María Dueñas asumió el papel solista, acompañada por la Camerata Salzburg, en una obra que exige precisión técnica y expresividad del violín.

El encuentro entre la Camerata Salzburg y María Dueñas puso en diálogo la experiencia de una orquesta con más de siete décadas de trayectoria y la interpretación de una violinista española reconocida internacionalmente. Con Mozart, Mendelssohn y Beethoven como parte del programa, el concierto sumó al Festival Internacional Cervantino una propuesta dedicada a distintas expresiones del repertorio clásico europeo.

El octavo día del Festival Internacional Cervantino dejó un recorrido por distintas formas de contar historias y despertar emociones. Desde la fuerza del flamenco en Carmen y las preguntas que plantea la danza contemporánea de Maldonne, hasta la tragedia de Edipo y las composiciones de Mozart, Mendelssohn y Beethoven, cada propuesta encontró su propia manera de conectar con el público.

Así, Guanajuato volvió a convertirse en punto de encuentro para artistas y espectadores, en una jornada que pasó del movimiento y la palabra a la música, sin perder de vista aquello que une a las distintas expresiones artísticas: su capacidad de conmover y permanecer en la memoria.

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Cultura

Pintar bajo el cielo de los caminantes

Alumno privilegiado del célebre pintor de Lampa, Alfredo Alcalde regresa a Lima con una serie poderosa de mimos, clowns, calacas, Quijotes, Pinochos y enmascarados. El rumor de los ausentes bajo el cielo de los caminantes se inaugura en la Galería Municipal de Arte Pancho Fierro.

Published

2 días ago

12/10/2026

Redacción Lima Gris

Todo empezó en los Barrios Altos. Cuadros vestidos de grises sordos y tierras oscuras. Claro, eran los tensos años ochenta saturados precariedad y violencia política. Pero con el tiempo su paleta se fue tiñendo de intensos amarillos, blancos como silencios y rojos extraídos de un incendio. El artista tuerce la anatomía. Y acentúa sus gestos hasta dejar al desnudo la hipocresía, el desamparo y la deshumanización que todos fingen no ver.

Alfredo Alcalde (Chimbote, 1961) estudiaba en la Escuela Nacional de Bellas Artes y se hizo amigo de Víctor Humareda. Le pagaba una cantidad simbólica al maestro de Lampa, de quien recibiría las lecciones más útiles de su vida: amar lo estrictamente pictórico, botar la anécdota por la ventana y dejar de creer que la inspiración baja del cielo. ¿El resultado? Un expresionismo de corte intimista y sin pretensiones de genio torturado.

Así, mimos, clowns, Quijotes, Pinochos, enmascarados y calacas componen un teatro callejero de Alcalde, cuya densidad conceptual profundiza en la inmensidad del ser. De su paleta brotan figuras trágicas suspendidas entre el drama y la ironía. Son actores que se quedaron atrapados en el ensayo general de la existencia. El teatro, el mimo y las fiestas populares le sirven de estructura para interrogar al espectador sin intermediarios. Un arte con sustancia moral y existencial.

Su alternancia entre Perú y México le amplió considerablemente el mapa simbólico. Se encontró con el muralismo. Con la literatura de Juan Rulfo, que le recuerda tanto a Arguedas, y se quedó con esa idea de que la identidad hispanoamericana, lejos de ser un pasaporte, es una conversación íntima y amerindia. Su pintura, entonces, también es un compromiso didáctico mediante el cual sensibiliza a las nuevas generaciones sin convertir el cuadro en un panfleto.

Su reciente entrega se llama El rumor de los ausentes bajo el cielo de los caminantes y la componen treinta obras edificadas entre 2025 y 2026. En cada una de ellas, pero especialmente en los ocho grandes formatos, el maestro despliega una monumentalidad que conspira con las urgencias del mercado. Frente a las catástrofes del presente y a la fugacidad digital, Alcalde defiende la experiencia física y ritual de la pintura. Sus lienzos mantienen a los ausentes frente al olvido.

Al final, transgredir la forma no es un capricho estético. Es, simplemente, la manera más honesta que encontró de nombrar la dignidad sin dejar que la verdad de lo humano se escape entre los dedos.

El rumor de los ausentes bajo el cielo de los caminantes

Galería Municipal de Arte Pancho Fierro

Hasta el 8 de noviembre de 2026.

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Cultura

2 Minutos vuelve a Lima: cuatro décadas de punk, barrio y pogo

La emblemática banda argentina se presentará el sábado 5 de diciembre en el Centro de Convenciones Festiva, junto a Los Ex Violadores y Tragokorto. Con clásicos que marcaron a varias generaciones, la agrupación liderada por Walter “Mosca” Velázquez prepara una noche de guitarras crudas, memoria y rebeldía.

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3 días ago

11/10/2026

Redacción Lima Gris

Hay canciones que no envejecen: sobreviven al paso del tiempo, atraviesan generaciones y siguen sonando como un grito de inconformidad. Basta escuchar los primeros acordes para regresar a las calles del barrio, recordar a los amigos de siempre y sentir aquella energía que convirtió al punk rock en una forma de expresión. Esa memoria colectiva volverá a sacudir Lima con el regreso de 2 Minutos, una de las bandas fundamentales del punk argentino y latinoamericano.

La agrupación llegará a la capital el sábado 5 de diciembre de 2026 para presentarse en el Centro de Convenciones Festiva, en una jornada que reunirá a seguidores de distintas generaciones. La noche contará también con Los Ex Violadores, que llevarán al escenario parte de su repertorio clásico, y Tragokorto, banda peruana que se sumará a esta celebración del punk rock.

De Valentín Alsina para el mundo

Formada en 1987 en Valentín Alsina, al sur de Buenos Aires, 2 Minutos construyó una identidad musical ligada a la vida cotidiana, las historias de barrio, el trabajo y las tensiones de una juventud que encontró en el punk una manera directa de expresar su inconformidad. Sin grandes artificios ni discursos adornados, la banda convirtió las experiencias de la calle en canciones breves, contundentes y cargadas de electricidad.

El punto de partida de su trayectoria discográfica fue Valentín Alsina, álbum que alcanzó una importante repercusión y llegó a vender alrededor de 50 mil copias. A partir de entonces, su música cruzó fronteras y encontró una audiencia que reconoció en sus letras una forma de contar experiencias propias.

Temas como Ya no sos igual, Barricada y Aeropuerto forman parte de un repertorio asociado a la historia del grupo y a la permanencia del punk en Latinoamérica. Con Walter “Mosca” Velázquez al frente, 2 Minutos ha mantenido una propuesta que privilegia la energía de sus presentaciones y la conexión directa con el público.

El regreso de Mosca a los escenarios

El regreso a Lima también llega después de un difícil capítulo personal para su vocalista. En marzo de 2025, Velázquez hizo público que había sido diagnosticado con un tumor maligno en uno de sus pulmones y que debía someterse a una intervención quirúrgica. Durante la operación le extirparon parte del pulmón derecho, tras lo cual inició su proceso de recuperación.

Su posterior retorno a los escenarios marcó una nueva etapa para la banda y para sus seguidores, que han acompañado su trayectoria durante décadas. La música, en ese contexto, vuelve a ser un punto de encuentro entre el artista y un público que ha hecho de sus canciones parte de su propia historia.

Una noche para volver al pogo

El próximo concierto promete guitarras estridentes, coros colectivos y ese pogo que convierte cada presentación punk en una experiencia compartida. No se trata únicamente de escuchar canciones conocidas, sino de reencontrarse con una escena que mantiene su vigencia y reivindica la libertad de expresarse sin pedir permiso.

La cita será el sábado 5 de diciembre, desde las 8:00 p. m., en el Centro de Convenciones Festiva, en Lima. Las entradas estarán disponibles en preventa a través de Teleticket, desde S/ 149.

Casi cuatro décadas después de su nacimiento en los barrios del sur de Buenos Aires, 2 Minutos vuelve a encontrarse con el público peruano. Y si algo demuestra la permanencia del punk es que algunas canciones no necesitan presentación: basta que suenen los primeros acordes para que el barrio entero vuelva a levantarse.

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Cultura

Así se desarrolló el quinto día del Festival Internacional Cervantino

El Cervantino llega a su quinto día con una programación que cruza música, cine, teatro y artes visuales, y que convierte calles, plazas y espacios alternativos en escenarios para la creación. Entre propuestas inmersivas, tecnología y participación del público, el festival continúa expandiendo su celebración cultural por distintas ciudades de México.

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7 días ago

08/10/2026

Redacción Lima Gris

Por Susan Acuña

Guanajuato no solo recibe al Cervantino: durante estos días, parece convertirse en parte de él. ¿Qué ocurre cuando una plaza, un teatro o una antigua iglesia se transforman en escenarios para contar nuevas historias? El 6 y 7 de octubre, el festival volvió a recorrer distintos caminos, desde la música y las tradiciones mexicanas hasta propuestas que cruzan el arte con la tecnología y relatos que hablan de migración, memoria y violencia. Dos jornadas que muestran cómo el Cervantino sigue buscando nuevas formas de encontrarse con su público.

Cuando el público también tomó la palabra

El martes 6 de octubre, el Cervantino encontró una de sus propuestas más particulares en “Se hará lo que el público quiera”, de Omar Córdova y la Sociedad de Impro Brutal. Esta vez, el público también tuvo algo que decidir: a través de un código QR pudo elegir distintos elementos de la música que se creaba en ese momento, desde ritmos y estilos hasta estados de ánimo y combinaciones entre los intérpretes.

La Sociedad de Impro Brutal presentó “Se hará lo que el público quiera”, una propuesta en la que el público decidió en tiempo real el rumbo de la música.

Las respuestas llegaban directamente a los músicos, quienes las convertían en una creación en vivo. La propuesta reunió al baterista japonés Reona Sugimoto con músicos mexicanos y de Guanajuato, en una experiencia donde cada decisión del público podía cambiar lo que ocurría sobre el escenario.

Pero el día también tuvo espacio para las raíces. En la Explanada de la Alhóndiga de Granaditas, la Orquesta Típica Yukalpetén presentó una Gala Yucateca con piezas del repertorio tradicional de Yucatán. La jornada continuó con la presencia de artistas michoacanos, entre ellos Rocío Vega, quien interpretó en purépecha la pirekua Flor de Canela, además de agrupaciones como Grupo Mezcal, Gran Banda Zurumucapio, Ballet Folklórico Corcovi y Los Cuarácuaros.

La lluvia amenazó con cambiar los planes de la noche, pero parte del público decidió quedarse. Entre música, baile y aplausos, la celebración continuó en uno de los espacios más representativos del festival.

Arte que también se mira en los museos

La jornada del 6 de octubre no se quedó en los escenarios. El Museo Iconográfico del Quijote abrió sus puertas a tres exposiciones que reúnen miradas muy distintas: Extrañar el mundo, dedicada a la fotografía europea del siglo XX; La noche que me tragué a mi abuelo, del artista francés Bruno Fourure; y En trámite, instalación del creador guanajuatense Ramsés Ruiz.

Así, mientras la música ocupaba las plazas, los museos sumaban otras formas de contar y observar el mundo.

La instalación “En trámite”, de Ramsés Ruiz, acompañó la ceremonia de inauguración de las exposiciones del Museo Iconográfico del Quijote.

El arte encuentra nuevas formas de contar

El miércoles 7 de octubre, una de las propuestas que marcó la jornada fue “México Multimedia”, del Ensamble A Tempo, en el Templo de la Compañía. La presentación reunió instrumentos acústicos, percusión, música electrónica y recursos audiovisuales para construir una experiencia en la que el sonido dialoga con las imágenes y la tecnología.

El programa incluyó ocho obras y dos estrenos, entre ellos trabajos de los compositores mexicanos Emmanuel Ontiveros y Rodrigo Sigal. La propuesta también puso en primer plano el talento de Guanajuato: más de la mitad de los compositores incluidos en el programa son originarios de ese estado.

Enrique Eskeda dirige al Ensamble A Tempo durante “México Multimedia”, propuesta presentada en el 54 Festival Internacional Cervantino.

En el Teatro Principal, Sea of Silence (Mar de silencio), de la uruguaya Tamara Cubas, reunió a artistas de distintos países para abordar la migración, el desplazamiento y las historias de quienes cruzan fronteras. La puesta en escena utiliza canciones, danzas, rituales y textos, con el escenario cubierto de sal como parte de la propuesta visual.

En otro escenario, el Teatro Juárez, Adriana Mater, de la compositora finlandesa Kaija Saariaho, llevó al público a un territorio marcado por la guerra y sus consecuencias. La ópera sigue la historia de Adriana y su hijo Yonas, y plantea una pregunta difícil: ¿es posible romper con la violencia heredada?

Guanajuato también se mira a sí mismo

Las artes visuales tuvieron igualmente un espacio importante. En el Museo Casa Diego Rivera se presentó Terra Nova. Pintura de paisaje en la Colección BBVA, con 23 obras de 18 artistas que recorren distintas miradas sobre el paisaje mexicano del siglo XX.

“Terra Nova” reúne distintas miradas sobre el paisaje mexicano del siglo XX en el Museo Casa Diego Rivera.

Mientras tanto, en Plaza San Fernando, la propuesta Escenario Plegable: entre bípedos y cuadrúpedos, del artista guanajuatense Cosa Rapozo, llevó el arte nuevamente al espacio público.

Una figura de “Escenario Plegable” transforma la Plaza San Fernando en un espacio para recorrer y contemplar.

El Cervantino no se queda en una sola ciudad

El alcance del Festival tampoco termina en Guanajuato. A través del Circuito Cervantino, algunas de sus propuestas llegan a otras ciudades mexicanas. Durante esta edición el programa se extiende a 32 ciudades de 16 estados, llevando espectáculos a públicos que no necesariamente tienen que desplazarse hasta Guanajuato para encontrarse con el Festival.

El arte cervantino llega a otras ciudades de México a través del Circuito Cervantino.

Un festival que todavía tiene historias por contar

El Cervantino todavía no termina. Y quizá esa sea una de las razones por las que resulta difícil resumirlo en una sola mirada: cada jornada cambia el paisaje, aparece una nueva historia y un espacio cotidiano puede convertirse, por unas horas, en el lugar donde algo sucede.

Más allá de Guanajuato, el festival también deja abierta una pregunta sobre la manera en que nos encontramos con el arte. ¿Tiene que estar siempre dentro de un teatro o de un museo? Estas jornadas han demostrado que también puede aparecer en una plaza, en una calle, en una iglesia o incluso a través de una pantalla, cuando la creatividad encuentra nuevas formas de acercarse al público.

Desde Lima, esta historia también encuentra una mirada. El Festival Cervantino seguirá desplegando sus propuestas hasta el 18 de octubre.

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Cultura

Papel barato. Un Premio Nobel para el policial y el noir: Vargas, Markaris y Padura

Mientras el Nobel de Literatura vuelve a mirar hacia el canon establecido, la novela negra permanece relegada a la periferia pese a su capacidad para retratar la corrupción, la violencia y las zonas grises de la condición humana. Autores como Leonardo Padura, Fred Vargas o Petros Markaris demuestran que el policial también puede ser gran literatura: incómoda, social y profundamente reveladora.

Published

1 semana ago

08/10/2026

Hans Herrera Núñez

Vargas, Padura y Markaris.

Seguramente hoy gane Cartarescu o Giorgi Gospodinov o alguna autora afrojudía asiática genérica; sin embargo, se puede desear. Los deseos de uno no se van a cumplir. Lo sé porque ya vi más o menos lo que sugiere que puede llegar a ser el premio. La Academia no puede aceptar que existan grandes escritores que hayan tenido éxito. Así que Stephen King o Murakami difícilmente serían una opción al galardón. El sesgo, sin embargo, es más amplio. ¿Se han dado cuenta de que ningún autor de fantasía, ciencia ficción y policial ha ganado alguna vez el Nobel? La academia es inclusiva no por compromiso, sino por ideología, por la ideología de las excrecencias de su conveniencia elitista. Así la lotería del premio Nobel se destinaría este año a una mujer, de preferencia no europea porque ese continente ya ganó el año pasado. Pero en el marco de esa inclusión forzada y de sonrisa hipócrita, convendría, aunque sea solo por interés, ameritar dar por ganador a un autor o autora del longevo género del policial.

Porque la gran literatura o la buena literatura o la literatura pura, como el policial, ofrece algo especial, algo que la literatura de élite es ya incapaz de ofrecer: te saca del lugar de comodidad y te arrastra atentísimo a una narrativa socialmente realista y moralmente inquietante.

¿Pero por qué novela negra? Porque son textos ligeros. Y por la temática. La corrupción. La corrupción de todo. Corrupción que viene no solo desde un punto de vista espiritual, desde un punto de vista social, económico, moral, ético, es decir, el problema del mal, sin caer en los términos de lo fantástico o no fantástico. La novela negra, como expresión madura del policial en su forma social más radical, no es otra cosa que la ausencia de brújula moral y ética que va carcomiendo lo esencial de la vida.

Es también el género consagrado en EEUU desde 1930, el ejemplo de una novela urbana sobre el desborde social. Del crimen individual al delito social. Es el resultado histórico del desborde de las ciudades que se sobrepoblaron con la llegada de emigrantes del campo. Siendo obras de entretenimiento, son más serias de lo que normalmente se acepta. Además, desde la técnica, son obras que están bien narradas. En primera instancia, la primera dimensión de la novela es la trama, es la historia. Si no la entendí, entonces está mal narrada. En el noir se esfuerza por ser comprensible sin llegar a infantil, cosa que no pasa con Proust o Perec o autores existenciales de alta literatura. Los autores del género son maestros de la narración y sorprende que muchos talleres de teoría literaria no trabajen la novela policial. Esto amerita ser denunciado.

Ciertamente, mucha obra de este género no requiere un masticado, un tiempo, un volver atrás, para descubrir una madurez narrativa. Sin embargo, hay autores y obras que sí poseen este encanto de la madurez, y uno puede descubrir ciertas elegancias. Y en este caso, autores referenciales son Fred Vargas, Padura o Markaris, nietos aventajados de Raymond Chandler y de Agatha Christie. En un mundo en que no puede resolverse nada, este género es un espejo negro que no cansa. Y no podemos resolver nada porque todo está tan intrincadamente corrupto.

Y sin embargo se exige justicia, la necesidad de que deba existir un cuerpo de justicia ante esto. No se puede eliminar la corrupción, pero lo que podemos hacer es reducir la impunidad. La corrupción está en el ser humano, está en todos. Está en Porrini, de quien tomo estas palabras, y en mí, que me hago eco de amanuense flojo que tiene que escribir para alguien que lee apurado. El Nobel, sin embargo, mantiene una visión de la literatura absolutamente minoritaria, pero en el peor sentido. Entonces, un Leonardo Padura con su Pasado perfecto, su narrativa periférica cubana es una opción; una Fred Vargas, mujer que escribe con rabiosa precisión forense de un sentimiento hacia tiempo tiroteado en una esquina, una pluma así se hace necesaria de reconocer; y un Markaris, narrador social que cuenta la historia política de un país a través de un policía que lucha por la justicia a pesar de sí mismo y enfrentado al congestionamiento de Atenas en hora punta, es un ejemplo de realismo policial, de un noir soleado en que Atenas puede ser también Lima o México DF.

Porque Padura es un noir a la cubana, Vargas la madurez del género en lengua francesa y Markaris la elevación a categoría de novela político-social. Un género menor que vende sus libros aunque no gane muchos premios que exijan vestir frac. Porque el género es propio del papel barato, de lo que se llamó los paperback, que en Estados Unidos y en Europa son ediciones muy económicas hechas con un papel muy barato de pulpa, o papel casi reciclado. De ahí viene Pulp Fiction. Emergida de las dos guerras mundiales, la Gran Depresión y del crimen organizado a partir de la Ley Seca, se convirtió en el género moderno por excelencia. Y es que una novela negra es una zona gris de moralidades.

La ambigüedad de personajes, incluido el del héroe, la ambigüedad de los métodos para hallar la verdad o incluso la ambigüedad de los objetivos. Como lectura, es una forma muy interesante de pensar la condición humana en términos morales, en términos éticos incluso, pero sobre todo morales, porque a diferencia del policial de enigma clásico, el detective, el protagonista, el policial negro es un personaje, no quiero decir derrotado, pero sí totalmente entregado a una cierta ausencia o difusión de los límites entre el bien y el mal, entre lo legal y lo ilegal. Y en ocasiones, un Quijote que se entrega a enfrentar al mal a sabiendas de que será destruido en el proceso, como Markaris en Noticias de la noche, cuando sentencia que todo el esfuerzo del teniente Jaritos solo ha significado cortarle un par de dedos a un gigante. Porque los peces gordos se escabullen de lo enormes que son, y es que son demasiado grandes como para que se les permita caer.

Ciertamente, hoy ganará cualquiera menos un autor de novela negra, porque simplemente no estamos preparados para reconocer que la literatura comercial es una mejor literatura que la cómodamente establecida.

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Cultura

Universidad de San Marcos será sede del V Congreso Nacional de Derechos de los Pueblos Indígenas

El encuentro se desarrollará del 12 al 15 de octubre y reunirá a investigadores, docentes, representantes de organizaciones indígenas y especialistas nacionales e internacionales para abordar temas como identidad, lenguas originarias, territorios, medicina ancestral y patrimonio cultural.

Published

1 semana ago

07/10/2026

Redacción Lima Gris

Por: Susan Acuña

¿Cómo evitar que una lengua, un conocimiento ancestral o una tradición desaparezcan? El lanzamiento del V Congreso Nacional de Derechos de los Pueblos Indígenas del Perú y del V Foro Internacional puso sobre la mesa estas preocupaciones, junto con la defensa de los territorios, la educación y la salud intercultural y la conservación del patrimonio.

El encuentro se desarrollará del 12 al 15 de octubre en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, con la participación de especialistas y representantes nacionales e internacionales.

El encuentro busca abrir un espacio de discusión sobre los principales retos que enfrentan los pueblos indígenas en la defensa de sus derechos y en la preservación de su identidad. Entre los temas anunciados están la protección de los territorios, el medio ambiente, las lenguas originarias, la educación y la salud intercultural, además de la conservación del patrimonio cultural.

Uno de los asuntos que tomó especial importancia durante la presentación fue la medicina ancestral. Los organizadores anunciaron talleres dedicados a estos conocimientos y a una propuesta para impulsar una ley que permita reconocerlos y protegerlos. La iniciativa busca, según lo expuesto, evitar que los saberes transmitidos por generaciones queden relegados y promover espacios donde puedan ser investigados y enseñados.

La ceremonia ancestral acompañó la presentación del V Congreso Nacional de Derechos de los Pueblos Indígenas.

La preocupación también alcanza a las lenguas originarias. Durante la presentación se planteó que su preservación debe comenzar desde los primeros años de formación y continuar hasta la educación superior. La propuesta apunta a fortalecer una educación que permita a niños y jóvenes mantener el vínculo con sus lenguas y su cultura, en lugar de que estas vayan perdiéndose con el paso de las generaciones.

El debate previsto no se limita a la educación y la salud. También se abordará el acceso a la justicia y la participación política desde una mirada intercultural. En la exposición se cuestionó que las lenguas indígenas tengan poca presencia en espacios donde se toman decisiones y se planteó la necesidad de que las personas puedan ser atendidas y representadas respetando su idioma y su contexto cultural.

Otro de los puntos anunciados será la situación del patrimonio cultural, con especial atención en las huacas de Lima. La organización señaló que existen alrededor de 400 sitios arqueológicos en la capital y destacó el papel que estos espacios pueden cumplir en la conservación de la memoria, las costumbres y la identidad de comunidades que mantienen vínculos con sus raíces andino-amazónicas.

La agenda tendrá además una presencia internacional. Durante la presentación se anunció la participación de especialistas procedentes de distintos países, entre ellos Chile, Colombia, México, Bolivia e India. Entre las exposiciones mencionadas figura una dedicada al pueblo mapuche y su experiencia histórica en materia de diplomacia indígena, así como otra investigación relacionada con la minería y sus impactos.

La programación combinará las ponencias con actividades culturales. Habrá presentaciones artísticas, ceremonias ancestrales, presentación de libros y una feria con productos artesanales y alimentos. También se han previsto talleres durante los días del encuentro, entre ellos los relacionados con medicina ancestral y propuestas educativas.

Ángel Sánchez Dueñas, presidente de la Federación de Periodistas del Perú.

De acuerdo con la programación presentada, el V Congreso Nacional de Derechos de los Pueblos Indígenas del Perú se desarrollará los días 12 y 13 de octubre, mientras que el V Foro Internacional de Derechos de los Pueblos Indígenas del Abya-Yala continuará los días 14 y 15. La actividad cuenta con respaldo académico de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, según la resolución presentada durante el lanzamiento.

El encuentro deja planteado un desafío que va más allá de cuatro días de actividades: mantener vivos conocimientos, lenguas y tradiciones que forman parte de la historia del país. San Marcos abrirá sus puertas para poner esas voces en diálogo y recordar que hablar de los pueblos indígenas no es mirar únicamente al pasado, sino también reconocer su presencia y sus derechos en el Perú de hoy.

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