Andrea Palomino: “El terror es una ventana para transmitir miedos y muchas cosas que nos molestan”

Cultura Andrea Palomino: “El terror es una ventana para transmitir miedos y muchas cosas que nos molestan” La directora del cortometraje La luna grita, seleccionado para la competencia nacional de INSÓLITO 2026, habla sobre las experiencias femeninas que inspiraron su historia, los desafíos de…

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La directora del cortometraje La luna grita, seleccionado para la competencia nacional de INSÓLITO 2026, habla sobre las experiencias femeninas que inspiraron su historia, los desafíos de llevarla a la pantalla y las dificultades que enfrentan los nuevos realizadores en el cine peruano.

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18 segundos ago

05/11/2026

Redacción Lima Gris

Por Susan Acuña

El cine de terror puede ser mucho más que una historia de miedo. Para Andrea Palomino, también es una forma de expresar emociones, incomodidades y experiencias que atraviesan a las mujeres. Su cortometraje La luna grita, realizado como proyecto final de carrera y seleccionado para la competencia nacional de INSÓLITO 2026, explora esas vivencias a través de una propuesta que combina fantasía, transformaciones personales y el mundo de la música electrónica. En esta entrevista, la realizadora cuenta cómo nació el proyecto y qué significa para ella abrirse paso en el cine.

El terror es una forma de expresión artística

¿Cómo nació tu interés por el cine y en qué momento decidiste dedicarte a la dirección audiovisual?

Bueno, estudié Comunicación Audiovisual en la Universidad Católica, donde empecé a realizar cortometrajes y desarrollé gran parte de mi formación. En cuanto a La luna grita, es un proyecto con una propuesta un poco más experimental, por lo que decidimos alejarnos de la estructura narrativa clásica que veníamos trabajando.

Después de haber seguido esa estructura durante varios ciclos de la carrera, queríamos explorar algo diferente. Sin embargo, teníamos claro que queríamos hablar sobre la feminidad y las experiencias que vivimos como mujeres, pero trasladándolas a un ambiente más fantasioso.

Gran parte del cortometraje fue un ejercicio de experimentación con las emociones y con la manera en que nosotras mismas nos sentimos.

¿Qué tipo de historias te interesan llevar a la pantalla y qué experiencias han marcado tu trayectoria como realizadora?

Me interesa mucho el cine de terror. He visto varios cortometrajes de este género y considero que es una ventana muy importante para transmitir miedos y abordar aquellas cosas que nos molestan, llevándolas a un contexto más fantasioso, pero sin perder la fuerza del mensaje que queremos comunicar. Por eso, me parece que el terror es un género muy importante como forma de expresión artística.

En cuanto a mi experiencia como realizadora, no he dirigido muchos cortometrajes. Durante la carrera tuve varias oportunidades de hacerlo, pero solo he dirigido dos. De hecho, esta es la primera vez que estamos intentando distribuir uno de nuestros trabajos de manera más amplia, con la intención de llegar a más personas.

Siento que La luna grita es el trabajo más sincero que hemos realizado, al menos desde mi perspectiva, porque es donde realmente he podido expresar lo que me gusta e incorporar aquellas cosas con las que me identifico. También he podido utilizar el género del terror de una manera más personal y artística.

¿Cómo nació la idea de realizar La luna grita? ¿Cuál fue la motivación que dio origen al cortometraje?

La historia la escribí junto a Maylene, quien también forma parte del equipo y participó en el guion. Ella fue quien me acercó un poco más al mundo de los raves, ya que conoce mejor esos espacios. Incluso grabamos en Casa Bagre, un lugar que ella conocía.

Yo suelo frecuentar otros ambientes, donde se presentan bandas de rock o música alternativa, así que no había tenido tanta experiencia con ese circuito. Maylene empezó a mostrarme ese mundo y me interesó mucho contar una historia sobre él y relacionarlo con las experiencias femeninas.

Me llamó la atención que estos espacios suelen tener una presencia mayoritariamente masculina. Hay muchos hombres que se presentan y también quienes asisten acompañados de sus parejas. Sin embargo, he visto que poco a poco están surgiendo más artistas mujeres que comienzan a presentarse en esos lugares.

Un ejemplo es Luxy, una artista DJ que también produce sus propias canciones y que formó parte del cortometraje interpretando un personaje. Además, nos prestó algunas de sus canciones y fue una de nuestras inspiraciones al momento de construir el universo de la historia, porque representa una figura femenina auténtica dentro de esta escena musical. Nos interesó mucho lo que representaba y la forma en que se desenvolvía en ese ambiente. Proyecta mucha seguridad en sí misma, y creo que esa es una característica que todavía hace falta en las representaciones femeninas dentro de este tipo de espacios.

Por otro lado, también hay una motivación más personal. Durante la carrera acumulamos muchos sentimientos y experiencias, así como situaciones que nos incomodaban respecto a la feminidad y a la manera en que era percibida. Por eso, aprovechamos la oportunidad de desarrollar un proyecto audiovisual con los recursos que nos brindaba la universidad para contar una historia que también recogía esas inquietudes personales.

¿Qué significa el título La luna grita y qué representa dentro de la historia?

Le pusimos La luna grita porque, dentro de nuestra historia, hemos planteado todo como un ciclo. Cada parte del cuerpo representa una etapa y está relacionada con los diferentes ciclos lunares. También quisimos vincularlo con el ciclo menstrual de las mujeres, porque estamos en constantes cambios y atravesamos distintas etapas. Queríamos representar esa transformación.

Las mujeres estamos en constante transformación. Este proceso no termina con la pubertad, sino que continúa también durante la adultez y en el paso hacia la vida adulta. Esa es una de las principales transformaciones que hemos querido mostrar en el cortometraje.

Lenia, la protagonista de la historia comienza a transformar su manera de pensar y a desarrollar una mentalidad más madura. Al principio está muy centrada en el mundo de los raves y no reflexiona demasiado sobre sí misma ni sobre cómo se percibe. Por eso, su recorrido representa el inicio de un ciclo de autoconocimiento.

¿Cuáles fueron los principales desafíos que enfrentaste durante la producción?

Creo que uno de los principales desafíos fue alejarnos de la estructura narrativa clásica, que suele dividir una historia en tres actos: inicio, desarrollo y desenlace. Estábamos bastante acostumbradas a trabajar siguiendo ese esquema y, como este era nuestro proyecto final de carrera, queríamos realizar un buen trabajo.

Sin embargo, esa estructura terminó limitándonos en cuanto al mensaje que queríamos transmitir sobre los ciclos y las diferentes etapas. No queríamos mostrar únicamente tres momentos, sino una transformación más completa o, al menos, el inicio de ese proceso. Cuando logramos desprendernos de esa estructura tradicional, pudimos avanzar con la historia y desarrollar mejor los elementos que queríamos incluir en el cortometraje.

Otro aspecto importante es que todas las integrantes del equipo somos mujeres. Compartíamos muchas frustraciones y, al principio, teníamos dudas sobre nuestra propuesta porque no seguía lo que habitualmente se hace. Nos costaba confiar en nuestra propia idea y eso también se convirtió en una dificultad que nos impedía avanzar.

Cuando empezamos a confiar más en nosotras mismas y en nuestra propuesta, entendimos que las mujeres también podemos crear historias dentro del cine, incluso cuando estas se alejan de lo convencional. Eso nos permitió seguir adelante. Además, hay que considerar que el ámbito audiovisual sigue siendo un espacio bastante masculino, donde todavía existen prejuicios hacia las mujeres, incluso hacia quienes estamos formándonos en esta industria.

¿Qué buscas provocar en el espectador a través de esta película? ¿Qué reflexión te gustaría que permaneciera después de verla?

Como mencioné, vivimos en un constante proceso de cambios y transformaciones personales. El mensaje principal que queremos transmitir es que nunca terminamos realmente un ciclo, sino que siempre estamos comenzando otros nuevos. Por eso, incluso al final del cortometraje, se puede ver cómo Lenia reflexiona sobre la necesidad de que algo cambie y de que algo continúe, porque el proceso de autoconocimiento nunca termina.

También queríamos mostrar esa incomodidad que sentimos cuando atravesamos cambios, cuando nos transformamos o cuando intentamos mejorar como personas. Es parte de ese proceso de conocernos y descubrirnos a nosotros mismos.

¿Qué representa para ti que La luna grita haya sido seleccionada para la Competencia Nacional de INSÓLITO 2026?

La verdad, estamos muy emocionadas porque sigo el INSÓLITO FEST desde hace mucho tiempo. Cuando pensamos en realizar este cortometraje, una de mis motivaciones era poder postularlo al festival. Por eso, estamos muy felices de haber sido seleccionadas para la competencia nacional y, sobre todo, por el apoyo que hemos recibido.

Lina, la directora del INSÓLITO FEST, también ha estado pendiente de nosotras. Su acompañamiento nos ha hecho sentir acogidas dentro del ámbito artístico y cinematográfico, y nos ha motivado mucho a seguir creando. Creo que era algo que nos hacía bastante falta.

¿Consideras que estos espacios están ayudando a dar mayor visibilidad a los nuevos realizadores peruanos?

Sí, bastante. El hecho de haber sido seleccionadas representa también un logro para nosotras, porque, como mencioné anteriormente, todavía no tenemos mucha trayectoria en el cine. Sentimos que el festival nos ha brindado un espacio para compartir nuestra historia y creemos que, así como nosotras, hay muchas otras propuestas que están comenzando y que, gracias al INSÓLITO FEST, tienen la oportunidad de mostrar sus proyectos.

Desde tu experiencia, ¿cuáles son las principales dificultades que enfrenta una realizadora independiente para producir, financiar y distribuir sus películas en el Perú?

Desde mi experiencia, creo que una de las principales dificultades está en el financiamiento. Generalmente, para acceder a este tipo de apoyo te piden tener una trayectoria, y se entiende, porque no es fácil invertir dinero en alguien que recién está empezando o que todavía no cuenta con muchos proyectos que permitan demostrar que su trabajo puede funcionar.

Por eso, comenzar desde cero es bastante difícil. Muchas veces tienes que producir con tus propios recursos y, poco a poco, ir mostrando tu trabajo para que las personas empiecen a confiar en ti.

En ese sentido, algo positivo del INSÓLITO FEST es que nos está dando bastante visibilidad. Hemos conocido a muchas personas nuevas y eso también representa una oportunidad para seguir creciendo.

¿Qué proyectos tienes en mente y qué nuevos retos te gustaría asumir en tu carrera cinematográfica?

Por el momento, me gustaría continuar vinculada al cine, aunque todavía no tenemos un proyecto en mente. Nosotras hemos estado un poco alejadas de este ámbito, pero recibir esta selección nos ha motivado bastante a seguir.

Ahora estamos conversando para ver si podemos volver a producir. Todas ya hemos terminado la carrera y, por eso, nos hemos alejado un poco del mundo audiovisual. Sin embargo, a todas nos sigue gustando mucho el cine, así que creo que el INSÓLITO FEST ha sido un buen espacio para reconectar con él.

Con 23 años, Andrea Palomino empieza a abrirse camino en el cine peruano con una propuesta que apuesta por la experimentación y por contar historias desde una mirada propia. La selección de La luna grita en INSÓLITO 2026 representa una oportunidad para mostrar su trabajo y, al mismo tiempo, un impulso para continuar desarrollando su carrera audiovisual. Su experiencia refleja el interés de una nueva generación de realizadores que busca espacios para expresarse, explorar otros lenguajes y aportar nuevas miradas al cine nacional.

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INSÓLITO 2026: el cine fantástico toma Lima con historias que desafían la realidad

Redacción Lima Gris

Cultura

INSÓLITO 2026: el cine fantástico toma Lima con historias que desafían la realidad

La novena edición del Festival Internacional de Cine Fantástico reúne producciones peruanas y extranjeras, competencias de cortometrajes y largometrajes, proyecciones especiales y conversatorios. Las actividades se desarrollan del 31 de octubre al 15 de noviembre, con ingreso libre.

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10 minutos ago

05/11/2026

Redacción Lima Gris

Por Susan Acuña

El terror, la fantasía y la ciencia ficción vuelven a ocupar las pantallas de Lima con la novena edición del INSÓLITO – Festival Internacional de Cine Fantástico. Desde el 31 de octubre, el encuentro reúne propuestas audiovisuales de distintos países y realizadores peruanos que buscan abrirse camino en el cine de género. La programación continuará hasta el 15 de noviembre y contempla competencias, muestras especiales, talleres y espacios de conversación con el público.

Organizado por El Último Cineclub SAC, la Biblioteca Miguelina Acosta y Pandemónium Editorial, el festival mantiene una apuesta por películas que se apartan de las narrativas convencionales y exploran otras maneras de contar historias. Su programación comprende terror, fantasía, ciencia ficción, animación y otras expresiones del cine fantástico.

Desde su creación en 2018, INSÓLITO se ha consolidado como una de las principales plataformas del Perú dedicadas a la difusión del cine fantástico y de género. Este año, el festival regresa con su novena edición, con una programación que reúne producciones nacionales e internacionales. La dirección general está a cargo de Lina Durán Martínez, gestora cultural, docente y realizadora audiovisual, quien también forma parte de la dirección y programación del encuentro.

Lina Durán Martínez.

Una apertura entre el metal y el terror

Aunque las actividades comenzaron el 31 de octubre con la muestra infantil INSOLIKITOS, que incluyó el taller Interviene tu monstruo, proyecciones de cortometrajes y actividades por Halloween, la inauguración oficial será el jueves 5 de noviembre, a las 5:00 p. m., en el Cine Club UCH, en Breña.

La jornada abrirá con la proyección del cortometraje peruano Parto Psíquico, de Aoki Delgado. También se realizará el conversatorio El metal en el terror: música, palabra e imagen del miedo, moderado por José Carlos Cabrejo, con la participación de Carla Penalillo y Carlos Carrillo Mora. La programación incluirá cortometrajes internacionales y una presentación musical de Paris Balenciaga.

El cine peruano comparte pantalla

Una de las apuestas centrales de esta edición es la Competencia Nacional de Cortometrajes, que reúne producciones de realizadores peruanos. Las funciones se realizarán el 6 y 7 de noviembre, desde las 4:30 p. m., en la sala Armando Robles Godoy del Ministerio de Cultura, en San Borja.

El primer bloque incluye El chalán Marcial, de Daniel Ballón; La mujer boa, de Miguel Araoz y Stephanie Boyd; Lilithium, de Almendra Freyre; La sospecha, de Luis Alonso Castañeda; La luna grita, de Andrea Palomino; y Sangre de plomo, de Totino Ríos. La segunda jornada presentará Despojo, de Roma Corrales; La suerte está echada, de Adrián Vergaray; Pishtaco, de Carleth Borjas; El hambre, de Mario García; y El cuerpo de Lili, de CamilaCámara Manrique. Ambas fechas contemplan conversatorios con los realizadores, una oportunidad para conocer los procesos y las propuestas detrás de las producciones nacionales

Historias internacionales para distintos públicos

La competencia internacional también ocupa un lugar importante en la programación. El viernes 6 de noviembre se proyectará Amor de madre, del mexicano Luis Urquiza, mientras que el sábado 7 llegará Donde estamos seguros, de los brasileños Thais Scabio y Gilberto Caetano. Ambas funciones se realizarán en el Ministerio de Cultura, a las 7:30 p. m.

El domingo 8, en el salón principal de Dalida, se presentará Las entrañas del infierno, producción brasileña dirigida por Gurcius Gewdner y Gustavo Vinagre. Antes de la función se proyectará un bloque de cortometrajes internacionales de Brasil, Chile y España. La programación continuará el martes 10 de noviembre en la Universidad de Ciencias y Artes de América Latina (UCAL), en La Molina, con una selección de cortometrajes de España, Estados Unidos, Chile y Andorra. La jornada incluirá la charla David Cronenberg: el anatomista de la mutación, a cargo del docente Raúl Ortiz Mory.

“El Cine es un espejo” Raúl Ortiz Mory Foto: Gestión.

Ese mismo día se proyectará Inferis Ostium: deja caer una moneda y haz realidad tus pesadillas, del director español Charli Sangar. Más adelante, el jueves 12, la Sala Secreta de Dálida recibirá The Demonatrix, de los estadounidenses Aurelio Voltaire y Jeff Ferrell, y El llanto del perro, producción argentina dirigida por Federico Venzi y Jano Piccardo.

El viernes 13, el Cine Club UCH presentará Alix, largometraje de Ana María Hermida, producción de Colombia y Estados Unidos que forma parte de la competencia internacional.

Conversatorios y actividades más allá de la pantalla

El festival también propone encuentros para acercar al público a otras expresiones del cine fantástico. Además de las conversaciones con los realizadores peruanos y la charla dedicada a David Cronenberg, la gala de clausura del sábado 14 de noviembre incluirá el conversatorio La música punk, la literatura y el cine cyberpunk, con Diana Guarderas, Qoriwayra y Carlos Torres.

La jornada, programada en el Cine Club UCH, también contempla la proyección del cortometraje español Polvo de ángel, la entrega de los premios oficiales y una presentación musical de la banda Fluffy.

Los premios de la novena edición

Las competencias entregarán tres reconocimientos principales. El Gato Negro distinguirá al mejor largometraje internacional; el Gato Blanco, al mejor cortometraje internacional; y el Gato Mestizo, a la mejor producción peruana. Este último reconocimiento incluye, además, asesoría especializada para el desarrollo del siguiente proyecto del ganador.

El jurado de la Competencia Internacional de Largometrajes está integrado por Carmen Bathory, conductora de Cine Infarto; Nataly Morales, creadora de Azelium; y Martín Velázquez, actor y productor.

En la Competencia Internacional de Cortometrajes, el jurado está conformado por Daniela Seguramo, actriz de cine y teatro; Andrea Llamosas, actriz y cantante; y Andrés Manco, creador en Cine Infarto.

Por su parte, el Premio Gato Mestizo será evaluado por Raúl Ortiz Mory, periodista y docente; Estefanía de Cara, docente e investigadora; y Walter Alonso Espinoza, director de actores.

La gala de clausura y premiación está programada para el sábado 14 de noviembre. Al día siguiente, el domingo 15, se proyectarán los cortometrajes ganadores de INSOLIKITOS y de las competencias internacional y nacional.

La jornada culminará con La Sebastiana, película peruana de Augusto Tamayo, seguida de un conversatorio con el director.

Un espacio para otras formas de hacer cine

Desde su creación, INSÓLITO ha buscado abrir espacio a películas que no siempre encuentran lugar en la cartelera comercial. Su novena edición vuelve a reunir propuestas nacionales e internacionales y ofrece al público la posibilidad de acercarse a historias que exploran el miedo, la imaginación y los límites de la realidad.

Con actividades programadas hasta el 15 de noviembre y funciones de ingreso libre, el festival todavía tiene varias jornadas por delante. La invitación sigue abierta para quienes disfrutan del cine fantástico y para quienes buscan descubrir nuevas voces y otras maneras de contar historias desde la pantalla.

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Cultura

Fredy Champi Vilca desafía los cánones de la belleza con su exposición “Dismorfia: La obsesión de la imperfección”

El artista arequipeño presenta diez obras que exploran la deformación de los rostros, las formas y las figuras a través de un lenguaje pictórico que apuesta por el desorden, la distorsión y la libertad creativa. La muestra individual se inaugurará este 6 de noviembre en el Complejo Cultural de la Universidad Nacional de San Agustín, con ingreso libre.

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2 días ago

03/11/2026

Redacción Lima Gris

El artista plástico arequipeño Fredy Champi Vilca vuelve a la escena cultural con Dismorfia: La obsesión de la imperfección, una propuesta pictórica que marca un punto de inflexión en su trayectoria y desafía las convenciones de la representación artística. Esta vez, deja de lado la exploración predominante de los planos de color para apostar por la espontaneidad del dibujo, la libertad del trazo y una composición en la que lo imperfecto adquiere protagonismo.

En esta nueva producción, las líneas, pinceladas y figuras de apariencia inicialmente caricaturesca se convierten en el punto de partida de un universo visual mucho más complejo. Los rostros y las formas se superponen, se mezclan y se confunden hasta construir imágenes dismórficas, exageradas y distorsionadas, en las que nada parece responder a un orden convencional. Lo que comienza como un trazo aparentemente sencillo termina convertido en una explosión de formas que invita al espectador a descubrir nuevas lecturas.

El desorden como lenguaje artístico

Dismorfia: La obsesión de la imperfección propone una suerte de grafismo semiabstracto en el que las líneas, los trazos y las figuras pierden sus límites para integrarse en una composición deliberadamente caótica. Se trata de una exploración artística que encuentra en lo extraño, lo fortuito, lo obsesivo y lo imperfecto sus principales recursos expresivos.

La propuesta nace de una confrontación permanente del artista con la imagen, el dibujo y el concepto de lo caricaturesco, cuestionando las estructuras de la composición tradicional. En ese proceso, Champi Vilca convierte la deformación en una herramienta de creación y abre un espacio donde la libertad formal prevalece sobre la representación convencional.

La muestra también dialoga con el contexto contemporáneo, marcado por la tecnología, la experimentación constante y las nuevas corrientes de la posvanguardia. Desde esa perspectiva, el artista busca ampliar las posibilidades de contemplación y plantear una aproximación diferente a las artes plásticas, especialmente dentro de la escena artística arequipeña y nacional.

La exposición estará integrada por diez lienzos de distintos formatos, desde 50 x 50 centímetros hasta 1.20 x 1.20 metros, elaborados mediante acrílico y técnica mixta.

Una trayectoria entre la figuración y la abstracción

Fredy Champi Vilca es artista plástico, ilustrador, caricaturista y muralista, además de escritor aficionado. Es egresado de la Escuela Nacional de Arte Carlos Baca Flor de Arequipa, donde obtuvo el título de artista profesional con especialidad en Pintura.

Desde 1996 ha participado en numerosas exposiciones colectivas en el ámbito local, nacional e internacional. Cuenta con cuatro exposiciones individuales y una bipersonal, además de haber sido finalista en diversos concursos nacionales de pintura. Parte de su producción integra colecciones particulares en España, Francia, Estados Unidos y Perú.

A lo largo de su trayectoria, su lenguaje pictórico ha experimentado diversas transformaciones: desde el realismo y el surrealismo de sus primeros trabajos hasta la pintura figurativa, el expresionismo abstracto y, posteriormente, la abstracción orgánica y figurativa. Actualmente, se desempeña como docente en la Escuela Nacional de Arte Carlos Baca Flor de Arequipa.

Una cita con el arte contemporáneo en Arequipa

La exposición individual Dismorfia: La obsesión de la imperfección será inaugurada el viernes 6 de noviembre de 2026, a las 6:30 p. m., en la Sala 5 del Complejo Cultural de la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa, ubicado en la calle Santa Catalina 101, en el Cercado de la ciudad.

La entrada será completamente libre, una oportunidad para que el público se acerque a una propuesta que rompe con las formas tradicionales de representación y encuentra en la imperfección una nueva posibilidad estética.

El dato

Exposición: Dismorfia: La obsesión de la imperfección.
Artista: Fredy Champi Vilca.
Fecha: Viernes 6 de noviembre de 2026.
Hora: 6:30 p. m.
Lugar: Sala 5 del Complejo Cultural de la Universidad Nacional de San Agustín.
Dirección: Calle Santa Catalina 101, Cercado de Arequipa.
Ingreso: Libre.

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Cultura

Arequipa: denuncian daños y desaparición de obras en una exposición inaugurada en la galería de arte municipal

Milko Torres, curador del primer Salón Regional de Arte Contemporáneo, cuestiona la gestión de los espacios culturales de la Municipalidad Provincial de Arequipa. Una obra fue destruida y otra desapareció durante una exposición que debía durar cinco semanas, pero que fue retirada a las dos semanas.

Published

2 días ago

03/11/2026

Redacción Lima Gris

Por Susan Acuña

La exposición Integración Intergeneracional – Intersección 1, Salón Regional de Arte Contemporáneo reunió a 31 artistas y fue inaugurada el 25 de septiembre en un espacio cultural de la Municipalidad Provincial de Arequipa. La muestra debía permanecer abierta hasta el 30 de octubre, pero fue retirada antes de cumplir la mitad del tiempo previsto, luego de que una obra resultara dañada y otra desapareciera.

Milko Torres, curador de la exposición y presidente de la Asociación Cultural Construye, sostiene que lo ocurrido no es un hecho aislado, sino parte de una serie de problemas que afectan a los artistas visuales de la ciudad. Cuestiona la seguridad de las galerías municipales, el trato que reciben los creadores y la falta de respuesta de las autoridades. En conversación con Lima Gris, cuenta cómo se desarrollaron los hechos y explica qué cambios considera necesarios para mejorar la situación de las artes visuales en Arequipa.

Milko, cuéntanos ¿qué ocurrió con la exposición y por qué tuvieron que retirarla antes de lo previsto?

La exposición se inauguró el 25 de septiembre y debía permanecer abierta durante cinco semanas. El Salón Regional de Arte Contemporáneo reunió a 31 artistas. Soy el curador y, aproximadamente entre la segunda y tercera semana, comenzaron los problemas. En realidad, todo empezó desde el primer día, porque durante la inauguración el personal de limpieza rompió una obra.

Para salvar el evento, porque ese día se inauguraba y no había otra opción que seguir adelante, intenté llegar a un acuerdo. La artista hizo un cobro simbólico por su trabajo y la persona que administra el espacio expositivo se ofreció a pagar ese monto para que el proyecto pudiera continuar. Seguimos adelante, aunque la artista no quedó muy contenta con lo ocurrido.

Después desapareció otra obra. Ante la falta de garantías de seguridad, tuvimos que retirar la muestra durante la segunda semana.

¿Qué obras fueron afectadas y quiénes son las artistas?

La obra dañada por el personal de limpieza pertenecía a la artista Marita Chávez. La otra obra, cuya desaparición denunciamos, era de Cristal Luque.

Foto el día de la inaguración de la exposición, De izquierda a derecha: Milko Torres, la artista Duina Rodríguez, gestora del proyecto; Marilyn Mendoza encargada de la Casa Museo, la artista expositora Gabriela Vargas y al final la artista Cristal Luque, a quien le robaron su obra.

¿Qué ocurrió cuando intentaron resolver el caso de la obra desaparecida?

Intentamos llegar a una solución con la administración del espacio cultural. Sin embargo, la propuesta económica que se planteó era menor a la que la artista consideraba correspondiente por su obra.

El personal de seguridad nos dijo que podía pagar 100 soles. La artista se sintió ofendida y consideró que esa cantidad era un insulto. La administradora tampoco ofreció otro apoyo económico, así que les dimos un plazo para que conversaran y resolvieran el problema.

Al cumplirse ese plazo sin llegar a un acuerdo, la artista decidió enviar una carta notarial a la alcaldesa de la Municipalidad Provincial de Arequipa para exigir una respuesta formal sobre lo ocurrido. Hasta ese momento, todo se había tratado verbalmente.

¿Pudieron revisar las cámaras de seguridad para esclarecer la desaparición de la obra?

Cuando ingresamos al espacio para montar el proyecto, vimos que había numerosas cámaras y un circuito de vigilancia. Sin embargo, cuando solicitamos revisar las grabaciones, nos dijeron que no tenían las claves para acceder a ellas y que pertenecían a otra entidad.

No pudimos obtener un vídeo de lo que ocurrió dentro del espacio. Nos ofrecieron conseguir las imágenes de las cámaras exteriores para identificar a las personas que habían ingresado, pero hasta el momento tampoco habíamos recibido una respuesta.

¿Qué respuesta han recibido de la municipalidad y de sus funcionarios?

Lo único que han ofrecido es realizar una investigación interna para establecer responsabilidades. Sin embargo, no sabemos si han presentado una denuncia ni qué acciones están tomando para averiguar quién se llevó la obra.

El gerente municipal le escribió a la artista por WhatsApp para pedirle una tasación. Esa ha sido una de las comunicaciones que hemos recibido, pero seguimos sin una respuesta formal de la Subgerencia de Educación y Cultura. Tampoco hemos recibido disculpas ni un pronunciamiento oficial de esa dependencia. Como organizadores, vamos a presentar una carta a la alcaldesa, porque consideramos que no se ha dado una respuesta adecuada a lo ocurrido.

Más allá del daño a las obras, ¿qué revela este caso sobre la situación de los artistas y la gestión cultural en Arequipa?

El problema es que la municipalidad tiene una gran infraestructura dedicada a la cultura, pero no cuenta con personal capacitado para manejarla. Se necesitan curadores, museólogos, montajistas, personal de seguridad preparado para cuidar obras de arte y personal de limpieza que sepa cómo trabajar en estos espacios.

También nos preocupa el trato que reciben los artistas. Hemos escuchado comentarios negativos de parte del personal de limpieza y de seguridad sobre nuestro trabajo y el valor de las obras. Hay un menosprecio hacia el aporte cultural de los creadores visuales.

Esto ha generado comentarios y burlas en redes sociales contra los artistas y la exposición. Considero que la municipalidad debería reconocer el valor de nuestro trabajo, en lugar de permanecer en silencio. La crisis se debe, en buena medida, a que no hay personas capacitadas para gestionar, producir y sostener los espacios culturales.

¿Estos problemas vienen de la actual gestión municipal o se arrastran desde administraciones anteriores?

La municipalidad tiene este problema desde hace mucho tiempo. No es solo de esta gestión. Los alcaldes cambian, pero muchos trabajadores permanecen en sus puestos y las dificultades continúan.

Hace tres o cuatro años, durante una bienal de grabado en Arequipa, vino el maestro Quintanilla, invitado a realizar una muestra. Cuando se acercó a visitar un grabador Torres Vilar en la galería de la municipalidad provincial, no le quisieron dar acceso y no sabían quién era. Es un problema relacionado con los trabajadores, los funcionarios y los mandos medios que permanecen en sus puestos, así como con el personal que se designa para dirigir las áreas culturales.

¿Qué cuestionamientos tiene sobre el funcionamiento de la Subgerencia de Educación y Cultura?

La actual subgerenta de Educación y Cultura es personal de planta. Aunque deje el cargo, seguirá trabajando en la municipalidad. Nos preocupa que no haya una respuesta sobre lo sucedido y que el problema no se discuta con la importancia que merece.

El gremio de las artes visuales está muy golpeado, especialmente por instituciones que no comprenden la crisis económica que atravesamos desde la pandemia. El mercado del arte ha muerto totalmente, no existe, y lo que más necesitamos son espacios de exposición para llegar al público, sobre todo al extranjero que visita el sur del Perú. No tenemos el mismo mercado que existe en Lima.

Usted también ha mencionado al sindicato de trabajadores de la municipalidad. ¿Qué relación considera que tiene con estos problemas?

La mayoría de los trabajadores de la Subgerencia de Educación y Cultura son nombrados y cuentan con protección sindical. Considero que eso puede dificultar la evaluación del personal que no está preparado para trabajar en el sector cultural.

No se trata de que todos los trabajadores sean iguales, sino de que quienes administran estos espacios tengan los conocimientos necesarios. No hay empatía con los artistas ni una comunicación abierta. Presentamos proyectos y las respuestas suelen ser negativas.

¿Qué ocurre cuando presentan propuestas para realizar exposiciones o actividades artísticas?

Se nos ha dicho que nuestros proyectos podrían afectar a los negocios formales de arte que existen en la ciudad. Sin embargo, en Arequipa no existe un circuito comercial de galerías comparable al de Lima.

Tenemos centros binacionales, centros culturales de universidades y espacios vinculados al gobierno regional o a la municipalidad, pero no un circuito comercial que permita a los artistas desarrollar su trabajo de manera permanente. Cuando finalmente nos dan espacios para exponer, muchas veces están en malas condiciones.

¿Cómo afecta la falta de galerías comerciales a los artistas visuales de Arequipa?

No hay galerías particulares ni suficientes entidades privadas que fomenten las artes visuales. Las galerías públicas tampoco están cumpliendo adecuadamente esa función, y eso afecta laboralmente al gremio.

Nuestro proyecto debía durar cinco semanas y contaba con compromisos de apoyo por parte de la municipalidad. Sin embargo, no se realizó la recepción ofrecida, no se imprimió el catálogo, no se colocaron afiches ni se hizo la promoción prevista. Además, no se garantizaron las condiciones necesarias para cuidar las obras.

¿Qué cambios considera necesarios para mejorar la gestión cultural de la ciudad?

Propondría una reorganización total de la Subgerencia de Educación y Cultura. Educación y Cultura son áreas muy amplias y deberían evaluarse como dependencias separadas.

También considero necesario que el personal que trabaja en cultura esté calificado y que se evalúe si cuenta con la preparación necesaria.

Arequipa tiene universidades, escuelas de arte, carreras de literatura y diseño gráfico, e incluso una maestría en artes. Sin embargo, muchos de esos profesionales no llegan a trabajar en las entidades públicas, especialmente en la municipalidad. Tenemos una subgerencia con mucho personal administrativo, pero necesitamos profesionales que comprendan el trabajo cultural.

Arequipa es promocionada como una ciudad cultural y recibe eventos internacionales. ¿Cómo convive esa imagen con las dificultades que usted describe?

Desde que comenzaron a realizarse eventos como el Hay Festival y el Encuentro Internacional de la Lengua Española, se promociona Arequipa como un centro cultural a nivel nacional. Pero la realidad para quienes vivimos aquí es distinta. Se vende una imagen hacia afuera, mientras que internamente hay muchos problemas.

Por ejemplo, la municipalidad se unió a otras entidades culturales para impulsar una iniciativa llamada Ruta del Arte. Incluyeron el nombre de nuestra exposición en su folleto, aunque nosotros no quisimos formar parte del proyecto porque considerábamos que algunas de las instituciones participantes dejaban fuera a muchos artistas locales y priorizaban a artistas que traían de Lima.

Pese a nuestra posición, nos incluyeron en el itinerario. Al final, eso sirvió para promocionar la iniciativa, pero la municipalidad no cumplió con el apoyo que había ofrecido a nuestra exposición, ni siquiera con la impresión del catálogo.

Considero que en Arequipa se promociona mucho la imagen cultural, pero no se atienden suficientemente las necesidades de quienes producen arte. Además, el acceso a los eventos culturales sigue concentrado en un sector reducido de la población, mientras que buena parte de la ciudadanía tiene pocas oportunidades de participar.

¿Han considerado llevar sus reclamos ante el Ministerio de Cultura?

Durante los últimos dos o tres años hemos pedido apoyo a la Dirección Desconcentrada de Cultura y a la Dirección de Artes del Ministerio de Cultura para reclamar por las negativas de la municipalidad a permitirnos utilizar espacios públicos para exposiciones.

Después de la pandemia, las ferias y las exposiciones en espacios públicos funcionaron bien, pero la municipalidad comenzó a negar permisos para estas actividades. La Subgerencia de Educación y Cultura y la gerencia del Centro Histórico empezaron a rechazarlos, pese a que existe una ordenanza municipal sobre patrimonio cultural inmaterial que, según nuestra interpretación, contempla el apoyo a las expresiones artísticas.

Hemos solicitado ayuda a las instituciones culturales, pero no hemos obtenido la respuesta que esperábamos. Ahora, ante lo ocurrido con esta exposición, estamos considerando volver a dirigirnos a las autoridades nacionales.

Para terminar, ¿qué espera que ocurra ahora y qué mensaje quisiera dejar a las autoridades y a la ciudadanía de Arequipa?

Es preocupante la situación laboral del gremio de las artes visuales en Arequipa. El Estado invierte dinero en mantener dos escuelas de arte en la ciudad, la Escuela de Arte de la UNSA y la Escuela de Arte Carlos Baca Flor, pero no existen suficientes oportunidades laborales para sus egresados.

Las entidades públicas y privadas no están apoyando adecuadamente la promoción de las artes visuales. No tiene sentido que se considere a Arequipa una ciudad con muchos artistas si la sociedad no contribuye a sostener su trabajo.

El arte y la cultura son pilares del desarrollo sostenible. Podríamos generar una gran oferta cultural que también impulse el turismo y la economía. Sin embargo, no se está reconociendo el valor del trabajo de los artistas.

Lo más grave es el maltrato que recibimos desde algunas entidades públicas. No se está entendiendo la importancia del trabajo cultural ni la responsabilidad de quienes administran estos espacios.

Lo ocurrido con esta exposición deja una pregunta pendiente sobre el lugar que ocupan las artes visuales en la gestión cultural de Arequipa. Una muestra que reunió a 31 artistas terminó siendo retirada antes de lo previsto, en medio de reclamos por una obra dañada, otra desaparecida y la falta de respuestas que, según Milko Torres, aún esperan los organizadores.

Para el curador, el problema va más allá de una exposición. También tiene que ver con las condiciones en las que trabajan los artistas y con las oportunidades que encuentran para mostrar sus obras en su propia ciudad. Arequipa cuenta con espacios culturales y una importante actividad artística, pero eso pierde sentido si no existen las condiciones necesarias para cuidar las obras y garantizar que los creadores puedan exponer con confianza.

La muestra terminó antes de tiempo, pero las preguntas que dejó siguen abiertas: ¿qué medidas tomarán las autoridades para evitar que una situación similar vuelva a ocurrir y qué lugar tendrán los artistas locales en la política cultural de la ciudad?

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Cultura

Amparo Brambilla y Stefano Bermellón encienden la pasión y el humor en «El Inquilino»

Los martes de noviembre, el Teatro Barranco acogerá una comedia que explora, entre enredos y carcajadas, los inesperados caminos del deseo y la soledad.

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2 días ago

02/11/2026

Luis Felipe Alpaca

El amor no siempre llama a la puerta, a veces llega con las maletas, alquila una habitación y termina poniendo la vida patas arriba. Esa es la premisa de El Inquilino, la nueva comedia con la que el Teatro Barranco cerrará su última temporada de 2026, protagonizada por la experimentada actriz Amparo Brambilla, de extensa trayectoria sobre las tablas desde los años ochenta, y el joven actor Stefano Bermellón.

La historia tiene como protagonista a Emilia, una abogada que se las sabe todas, acostumbrada a mantener cada aspecto de su existencia bajo control. Sin embargo, la llegada de un apuesto inquilino despierta en ella una inesperada y apasionada atracción. Lo que parecía una tranquila convivencia terminará removiendo sentimientos que creía dormidos y desatando fantasías que la llevarán a descubrir que el deseo no entiende de edades ni de vidas perfectamente organizadas. Brambilla encarna maravillosamente a esta mujer que, de pronto vuelve a sentirse vulnerable ante los misterios del amor.

La dramaturga y directora Helen Hurtado, quien actualmente cursa la Maestría en Dramaturgia en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), en Argentina, explica que para ella es fundamental seguir creando historias, tanto para el teatro como para la literatura. Con esta nueva puesta en escena busca explorar el deseo y la soledad desde el humor, a través de una mujer madura que, pese a llevar una vida aparentemente estructurada, descubre que todavía puede enamorarse, ilusionarse y fantasear como una adolescente.

Hurtado considera que Emilia es un personaje con el que todos podemos identificarnos, porque «¿quién no ha perdido alguna vez la cabeza por alguien? ¿Quién no ha confundido una mirada, una sonrisa, o un gesto amable con una declaración de amor? Al final, todos hemos sido un poquito Emilia, aunque nos cueste reconocerlo».

El Inquilino se estrena el martes 3 de noviembre, a las 8:00 p. m., en Teatro Barranco (Av. Grau 701, Barranco-Lima). Las funciones continuarán los martes 10, 17 y 24 de noviembre, como parte de la programación de ‘Kortas Martes’, que incluye otras tres propuestas teatrales: «Yo soy la muñeca rota»; «Exceso de fe»; y «Lima, potencia mundial».

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Cultura

Ministro Beingolea designó a un contador como director de DDC de Tumbes

El nuevo jefe de la sede regional no tiene experiencia en el sector cultural y asumirá la protección de Cabeza de Vaca y del resto del patrimonio tumbesino cuando se acerca la temporada de lluvias. Su designación en la Dirección Desconcentrada de Cultura de Tumbes, es otra muestra de la pésima gestión del comentarista deportivo como titular del Mincul.

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2 días ago

02/11/2026

Redacción Lima Gris

Por Giovanna Ríos

El Ministerio de Cultura designó a Carlos Daniel Gonzales Urbina como director de la Dirección Desconcentrada de Cultura de Tumbes. La Resolución Ministerial N.º 000398-2026-MC, firmada por el ministro Alberto Beingolea Delgado, se oficializó el 23 de octubre de 2026.

Lo que dicen los registros

Gonzales Urbina tiene estudios registrados en la Sunedu. Es bachiller en Ciencias Económicas, Contabilidad, desde el 26 de octubre de 2001, y contador público, con diploma del 3 de febrero de 2009. Ambos grados los obtuvo en la Universidad Nacional de Tumbes. En esos registros no hay estudios en gestión cultural, patrimonio ni arqueología.

Las funciones del cargo

Las direcciones desconcentradas son la cara del Ministerio de Cultura en las regiones. En Tumbes, les toca supervisar los bienes arqueológicos e históricos, coordinar las medidas para conservarlos y responder cuando el patrimonio está en riesgo.

Es el director quien define qué intervenciones van primero, cómo se reparten los recursos y qué hace la sede si un monumento sufre algún daño. También le corresponde coordinar con las autoridades y organizaciones de la zona.

Cabeza de Vaca y las lluvias

La Zona Arqueológica Monumental Cabeza de Vaca, en el distrito de Corrales, fue declarada Patrimonio Cultural de la Nación en el año 2000. Es un testimonio de la historia prehispánica del norte peruano y cuenta con un museo arqueológico. Las lluvias intensas y los eventos asociados al Fenómeno El Niño figuran entre sus principales riesgos.

El 16 de septiembre, Beingolea supervisó las acciones preventivas en el sitio y anunció una inversión de 80 mil soles para mantenimiento y mejoras. En esa fecha la dirección regional estaba a cargo de Rafael Mariano Díaz Montalvo.

La prevención ante El Niño

A fines de agosto, el ministro informó que el sector destinó 4 millones de soles a acciones de prevención frente al Fenómeno El Niño. Se identificaron 536 puntos críticos vulnerables en distintos lugares del país, entre ellos espacios arqueológicos y monumentos del norte, Tumbes incluida.

La coordinación de esas acciones en cada región corresponde a las direcciones desconcentradas.

Otra dirección regional, otro nombramiento: el caso de Ucayali

El Ministerio de Cultura designó a un ingeniero forestal como director de su sede en Ucayali. La Resolución Ministerial N.º 000384-2026-MC, firmada por Beingolea y publicada el 15 de octubre de 2026 en El Peruano, nombró a Jonathan Cristian Zúñiga Ramírez al frente de la Dirección Desconcentrada de Cultura de esa región. Ocurrió ocho días antes del nombramiento en Tumbes.

Zúñiga Ramírez se tituló en la Universidad Nacional de Ucayali el 28 de septiembre de 2016, en una carrera ligada a los recursos forestales y a la conservación de los ecosistemas. La resolución no menciona experiencia suya en gestión cultural, patrimonio, promoción artística ni trabajo con comunidades indígenas. Al Día Pucallpa reveló que el Buscador de Proveedores del Estado registra 32 órdenes de servicio a nombre del funcionario con el Gobierno Regional de Ucayali desde 2016.

El nombramiento llega mientras el ministro enfrenta un juicio oral por presunta colusión agravada, por una asesoría legal de S/ 30.000 contratada en 2019 por el Gobierno Regional del Callao. La Fiscalía pide diez años de prisión, trece de inhabilitación y 550 días multa, y la Procuraduría una reparación civil de S/ 50.000.

Beingolea rechaza las imputaciones, asegura que el trabajo sí se realizó y que tiene informes que lo respaldan, y calificó la acusación de «patraña». El caso aún espera sentencia.

Sin respuesta del Ministerio

El Ministerio de Cultura no ha publicado la hoja de vida de Gonzales Urbina ni ha explicado los criterios que se tuvieron en cuenta para su designación. Tampoco ha respondido a los cuestionamientos que circulan sobre su formación.

Lima Gris solicita desde hace aproximadamente dos meses una entrevista con el ministro Beingolea para abordar la gestión del sector. Hasta el cierre de esta nota no se concretó la conversación ni se recibió respuesta a los pedidos.

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Cultura

Néstor Larico sobre el ministro Beingolea y los bots de Machu Picchu: «Los bots seguirían operando» [VIDEO]

El periodista Edwin Cavello cuestionó las respuestas del titular de Cultura frente al acaparamiento de entradas a Machu Picchu mediante bots. En entrevista con el periodista cusqueño Néstor Larico, se revelaron las dudas que persisten sobre el funcionamiento del sistema de venta, los posibles perjuicios económicos al Estado y la falta de acciones legales contra las empresas involucradas.

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3 días ago

01/11/2026

Redacción Lima Gris

El ministro de Cultura, Alberto Beingolea, parece haber convertido una frase en su principal argumento frente a las preguntas incómodas: «Yo no miro para atrás, miro para adelante». Así lo comentó el periodista Edwin Cavello en el programa Lima Gris, por Radio Planicie 91.5 FM, al abordar la polémica actuación del titular de Cultura frente a las denuncias sobre el acaparamiento de entradas a Machu Picchu mediante sistemas automatizados o bots.

Durante el programa, Cavello conversó telefónicamente con el periodista cusqueño Néstor Larico, autor del video que se viralizó en redes sociales y que muestra el tenso intercambio que sostuvo con Beingolea. Larico contó que esperó aproximadamente una hora para conseguir la entrevista y relató cómo el ministro intentó esquivar las preguntas sobre las empresas que habrían concentrado miles de reservas de boletos para ingresar a la ciudadela inca.

Pero el problema va mucho más allá de una respuesta incómoda. Larico explicó que las colas continúan en Machu Picchu y que muchos visitantes todavía prefieren comprar sus entradas presencialmente por la desconfianza en la plataforma virtual. También señaló que los bots seguirían operando y que las medidas anunciadas por el Ministerio no habrían resuelto el problema de fondo.

Uno de los datos más preocupantes es el reporte técnico de la Gerencia Regional de Comercio Exterior y Turismo del Cusco, que identifica cerca de 260 mil boletos reservados, devueltos o cuya venta no llegó a concretarse. La información fue remitida a las instancias legales para evaluar las acciones correspondientes.

Cavello cuestionó que el Ministerio de Cultura no impulse las denuncias contra las empresas involucradas y recordó que el propio ministro terminó trasladando la responsabilidad al ciudadano.

«¿Para qué es ministro? ¿Por qué está en ese cargo?», preguntó el periodista. Y remató con ironía: «Él gana treinta mil soles mensuales, imagínate, no quiere hacer su chamba». Una crítica directa a una gestión que, frente a las interrogantes sobre el patrimonio cultural más emblemático del Perú, todavía tiene muchas explicaciones pendientes.

Aquí el video del programa.

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Cultura

Renato ChinChon: “El cómic puede despertar el hábito de la lectura y acercar a nuevas generaciones a nuestra cultura”

El impulsor de la cultura del cómic en el Perú plantea aprovechar el poder de las historietas para formar lectores, difundir nuestra historia y fortalecer la identidad nacional. Sostiene que el desafío también pasa por convertir el talento de los creadores peruanos en una industria sostenible.

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3 días ago

01/11/2026

Redacción Lima Gris

El cómic no es solamente entretenimiento ni un universo reservado para aficionados a los superhéroes. También puede convertirse en una puerta de entrada a la lectura, una herramienta educativa y un vehículo para transmitir la historia y la identidad cultural de un país. Esa es la propuesta de Renato ChinChon, uno de los principales impulsores de la cultura del cómic en el Perú, quien considera que las historietas tienen un enorme potencial para acercar a niños, adolescentes, jóvenes y adultos al hábito de leer.

La historia de la historieta peruana cuenta con personajes que forman parte de la memoria de varias generaciones. Desde el emblemático Super Cholo, creado por Francisco Miró Quesada Cantuarias, y el pícaro Sampietri, de Julio Fairlie, hasta El Cuy, de Juan Acevedo, y los entrañables personajes de la revista Avanzada, como Coco, Vicuñín y Tacachito. Estas creaciones demostraron que el lenguaje de las imágenes también podía narrar nuestra realidad, representar nuestras costumbres y construir personajes con identidad propia.

A partir del año 2000, la historieta nacional ingresó en una nueva etapa, marcada por publicaciones independientes, fanzines, novelas gráficas, superhéroes peruanos y propuestas digitales. Iniciativas como El Carboncito, Capitán Leo, La Gran Sangre y Rupay, así como personajes como La Chola Power, Guachimán y Tupacman, ampliaron el panorama creativo y demostraron la diversidad de temas y estilos que puede desarrollar la producción nacional. Entre estas propuestas destaca también Los Hermanos Ayar, obra inspirada en nuestro pasado ancestral que busca proyectar la riqueza cultural peruana hacia nuevos públicos.

Para ChinChon, sin embargo, el principal problema no es la falta de talento, sino la ausencia de condiciones que permitan desarrollar una industria sólida y sostenible. La creación de historietas requiere financiamiento, editoriales comprometidas, una remuneración justa para los artistas y mejores canales de distribución. El mercado peruano movilizaría alrededor de 60 millones de dólares anuales en ventas de cómics nacionales e importados, según las estimaciones mencionadas por el organizador. Una cifra todavía distante de mercados como Francia, Estados Unidos y Japón, que alcanzan aproximadamente los 1.000, 2.000 y 4.700 millones de dólares, respectivamente.

Pero más allá de las cifras, el promotor cultural pone especial énfasis en el valor educativo de este lenguaje narrativo. “Sí, los cómics son una herramienta muy valiosa para impulsar la lectura, especialmente entre niños y adolescentes, pero también entre jóvenes y adultos”, sostiene.

La combinación de ilustraciones y textos permite que el lector siga secuencias, interprete situaciones, reconozca emociones y desarrolle habilidades de comprensión lectora. Además, constituye una alternativa para despertar el interés por asuntos que muchas veces parecen lejanos a las nuevas generaciones, como la historia nacional, las leyendas, las culturas andinas, las tradiciones amazónicas y la literatura peruana.

En ese sentido, ChinChon considera que las historietas pueden cumplir un papel importante en los colegios y centros de formación. Su incorporación a las estrategias educativas permitiría acercar los libros a quienes todavía no han desarrollado el gusto por la lectura. La experiencia internacional también ofrece referencias, como el Free Comic Book Day, celebrado en Estados Unidos el primer sábado de mayo, iniciativa que sirvió de inspiración para impulsar el Día del Cómic Festival en el Perú, encuentro del que es productor.

El cómic también puede contribuir a fortalecer la identidad nacional. Super Cholo representa la posibilidad de crear héroes propios; Los Hermanos Ayar recupera elementos de nuestro pasado ancestral, mientras que Rupay aborda episodios complejos de la historia reciente. Son distintas formas de contar el Perú a través de personajes, imágenes y relatos capaces de conectar con lectores de diferentes edades.

Para ChinChon, la diversidad cultural peruana constituye una fuente inagotable de historias. Las lenguas originarias, las tradiciones populares, las costumbres de la costa, la sierra y la Amazonía, así como los personajes de nuestra historia, ofrecen materiales para construir un universo de historietas con identidad propia.

El reto, por tanto, es doble: formar nuevos lectores y crear las condiciones para que los historietistas peruanos puedan vivir de su trabajo. Promover concursos, fondos de financiamiento, publicaciones y espacios de difusión resulta fundamental para alcanzar ese objetivo.

La historieta puede ser mucho más que una sucesión de dibujos y diálogos. Puede ser el primer acercamiento de un niño a un libro, una forma distinta de aprender historia y una oportunidad para descubrir la riqueza cultural del país. En un contexto en el que fomentar la lectura sigue siendo una tarea pendiente, el cómic tiene mucho que aportar.

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Cultura

Edwin Cavello sobre pedido de censura a los huacos eróticos: «Si seguimos así, pronto la senadora Jáuregui pedirá censurar a los perros calatos» [VIDEO]

El periodista criticó la pretensión de la senadora Milagros Jáuregui de censurar las representaciones eróticas de la cultura Mochica y advirtió sobre el peligro de imponer prejuicios personales al patrimonio histórico del Perú.

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3 días ago

01/11/2026

Redacción Lima Gris

La historia milenaria del Perú vuelve a encontrarse con los prejuicios de la política. Esta vez, el escenario es el Congreso de la República y el motivo de controversia son los huacos eróticos de la cultura Mochica. En su programa Lima Gris, por Radio Planicie 91.5 FM, el periodista Edwin Cavello cuestionó las declaraciones de la senadora Milagros Jáuregui, quien expresó su rechazo a estas piezas arqueológicas y solicitó al ministro de Cultura que se evalúe su censura por considerar que podrían ocasionar afectaciones neurológicas y psicológicas en los niños.

Con su habitual tono crítico, cargado de ironía y sarcasmo, Cavello dedicó un comentario a la polémica y puso sobre la mesa una pregunta que resume el sentido de su intervención: «Senadora Jáuregui, ¿el tamaño importa?». El periodista sostuvo que las representaciones eróticas mochicas no pueden ser examinadas desde prejuicios personales ni reducidas a una cuestión de pudor, pues forman parte de las expresiones simbólicas, culturales y espirituales de una civilización ancestral.

Durante su intervención, recordó que estas piezas están vinculadas con concepciones sobre la fertilidad y la regeneración de la vida, por lo que consideró que pretender censurarlas supone desconocer su valor histórico y patrimonial. También cuestionó que, mientras el país enfrenta problemas urgentes como la inseguridad ciudadana y las amenazas del fenómeno de El Niño, desde el Parlamento se promuevan debates sobre la exhibición de cerámicas milenarias.

«Lo verdaderamente pequeño sería reducir una civilización milenaria al tamaño de un prejuicio», señaló Cavello en su columna, donde también lanzó una recomendación irónica a la senadora: leer el Kama Sutra, no para asustarse, sino para emocionarse.

Aquí el video completo:

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