Cultura
Alessandra Durand lleva el arte kené de la Amazonía peruana al mundoLa fundadora de Kené Kaya representará al Perú en Washington D.C. y participará en un foro internacional en la India, donde promoverá el reconocimiento de las artistas Shipibo-Konibo, la autoría indígena y una nueva mirada sobre la moda como herramienta de diplomacia cultural.
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11 segundos agoon
12/11/2026By
Redacción Lima Gris
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La diseñadora peruana Alessandra Durand, fundadora y directora creativa de Kené Kaya, llevará durante noviembre el arte textil kené del pueblo Shipibo-Konibo a importantes escenarios internacionales de intercambio cultural, diseño y moda. Su agenda incluye presentaciones en la Embajada del Perú y la Organización de los Estados Americanos (OEA), en Washington D.C., además de una participación virtual como ponente en el Tribal Design Forum de la India.
Más que una propuesta vinculada a la moda, la presencia internacional de Durand busca abrir espacios para visibilizar la creatividad amazónica y reconocer el trabajo de las artistas indígenas que mantienen vivo el conocimiento ancestral del kené. Su propuesta plantea un diálogo entre tradición y diseño contemporáneo, pero también pone sobre la mesa temas como la autoría, la compensación justa y la autonomía creativa de las comunidades.
El kené llega a la Embajada del Perú
El 10 de noviembre, entre las 6:00 p.m. y las 9:00 p.m., la Embajada del Perú en Washington D.C. será escenario de “Amazonia: Culture in Motion”, una velada dedicada al arte, la moda, la música y el cine de la Amazonía peruana.
El encuentro, ofrecido por el encargado de Negocios a.i. de la Embajada del Perú, Alberto Gonzales, y Marilú Gonzales, contará con la participación de Alessandra Durand y de la reconocida artista, cantante y activista Shipibo-Konibo Olinda Silvano.
Durante la jornada, Kené Kaya presentará una pasarela retrospectiva con piezas de archivo de anteriores colecciones, mostrando la evolución de su propuesta y el trabajo colaborativo que desarrolla desde hace siete años junto con artistas Shipibo-Konibo de la Amazonía peruana.
La programación también contempla la interpretación en vivo de un ícaro, canto tradicional amazónico, a cargo de Olinda Silvano; una presentación de arte kené y la proyección del tráiler del documental “El viaje al origen del kené”, dirigido por Rodolfo Arrascue.
Ambas creadoras participarán, además, en un conversatorio en el que compartirán sus procesos artísticos y reflexionarán sobre la preservación de los conocimientos y expresiones culturales de sus comunidades.
Una nueva colección en la OEA
La agenda internacional continuará el 14 de noviembre, cuando Alessandra Durand represente al Perú en Global Couture USA, desfile internacional que se realizará en la sede de la Organización de los Estados Americanos (OEA), en Washington D.C.
En esta ocasión, la diseñadora presentará la colección “Ríos de mi Alma”, una nueva propuesta de Kené Kaya que profundiza en el diálogo entre el arte textil ancestral de la Amazonía y la moda contemporánea.
La participación busca ampliar las plataformas internacionales para la difusión del arte kené y, al mismo tiempo, fortalecer el reconocimiento de las creadoras indígenas que participan en su elaboración. Para Kené Kaya, la colaboración artística debe estar acompañada por el reconocimiento de la autoría, una compensación justa y relaciones sostenibles a largo plazo.
De la Amazonía peruana a la India
El recorrido internacional de Durand continuará el 26 de noviembre con su participación virtual en el Tribal Design Forum de la India, plataforma interdisciplinaria dedicada al intercambio de conocimientos en torno al diseño, el patrimonio cultural y el futuro de las comunidades indígenas.
La diseñadora participará como ponente en el conversatorio “Designing for Impact: Authorship, Agency and Social Responsibility in Artisan Communities”, donde expondrá la experiencia desarrollada por Kené Kaya junto con artistas Shipibo-Konibo.
A partir de siete años de trabajo colaborativo, Durand compartirá reflexiones sobre autoría, compensación justa, autonomía creativa y la necesidad de establecer relaciones sostenibles con las comunidades artesanas.
El encuentro permitirá poner en diálogo la experiencia peruana con otras realidades indígenas y creativas de la India, explorando cómo los conocimientos ancestrales pueden convertirse en fuentes de innovación sin perder su identidad ni desvincularse de las comunidades que los preservan.
Moda, identidad y diplomacia cultural
Las tres participaciones internacionales forman parte de una misma visión: utilizar el arte y la moda como herramientas de intercambio cultural y como espacios capaces de conectar comunidades, instituciones y públicos de distintos países.
Para Kené Kaya, llevar el arte kené al escenario internacional no significa únicamente presentar prendas o diseños inspirados en la Amazonía. Supone también reconocer a las artistas que producen estos conocimientos, valorar su identidad cultural y garantizar que su participación en la industria creativa se traduzca en oportunidades concretas.
En ese camino, Alessandra Durand plantea una práctica de diseño que busca articular preservación cultural, colaboración ética y desarrollo económico. El objetivo es que el conocimiento ancestral no sea reducido a una tendencia estética, sino reconocido como una expresión cultural viva y como parte de una industria creativa con capacidad de proyectarse internacionalmente.
Una trayectoria vinculada al desarrollo sostenible
Alessandra Durand es diseñadora peruana, directora creativa y fundadora de Kené Kaya, marca y empresa social que integra el arte textil kené del pueblo Shipibo-Konibo en propuestas de moda contemporánea.
Graduada de Stanford University y con una maestría en Desarrollo Sostenible de la Universidad de Oxford, inició su trayectoria profesional como científica social, investigando los impactos de las industrias extractivas sobre comunidades indígenas de la Amazonía peruana. Esa experiencia contribuyó a definir su visión de la moda como una herramienta para la preservación cultural y la transformación social.
En 2025 fue reconocida por la revista ¡HOLA! como una de las 100 Latina Powerhouses, distinción que destacó su influencia en el panorama de la moda peruana y su impulso a propuestas vinculadas con la moda amazónica y el impacto social.
Su trabajo también ha llegado a escenarios internacionales como el calendario oficial de New York Fashion Week, Coachella y NPR Tiny Desk, donde ha desarrollado propuestas creativas junto con Los Mirlos y artistas Shipibo-Konibo.
Con esta nueva agenda internacional, Alessandra Durand vuelve a colocar el arte kené en el centro de una conversación global sobre identidad, creatividad, patrimonio y responsabilidad social, demostrando que la tradición amazónica también puede convertirse en un poderoso lenguaje de intercambio cultural.
Próximos eventos
10 de noviembre | Amazonia: Culture in Motion
Embajada del Perú, Washington D.C.
Presentación retrospectiva de Kené Kaya junto a la artista Olinda Silvano.
14 de noviembre | Global Couture USA
Organización de los Estados Americanos (OEA), Washington D.C.
Presentación de la colección Rios de mi Alma de Kené Kaya, representando al Perú.
26 de noviembre | Tribal Design Forum, India
Conversatorio: Designing for Impact: Authorship, Agency and Social Responsibility in Artisan Communities.
Comentarios Related Topics:Alessandra Durandamazoníakené Don't MissAmanda Portales reúne generaciones de la música andina en el Gran Teatro Nacional
Redacción Lima Gris
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Cultura
Amanda Portales reúne generaciones de la música andina en el Gran Teatro Nacional“La Novia del Perú” presentará “Arte Puro II” este 12 y 13 de noviembre, acompañada por Jhonny Campos, Javier y Jasa Sauñe, Karla Sofía y Facundo Sanz Barcelli, en un espectáculo que celebra la tradición, la memoria y las nuevas voces de la música peruana.
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22 horas agoon
11/11/2026By
Redacción Lima Gris
Este jueves 12 y viernes 13 de noviembre, Amanda Portales reunirá diferentes sonidos y generaciones de la música peruana en “Arte Puro II”, espectáculo que presentará en el Gran Teatro Nacional. La cantante compartirá el escenario con el arpista, autor y compositor Jhonny Campos, “El poeta del arpa”; con Javier y Jasa Sauñe; con Karla Sofía, “La voz dulce de Ayacucho”, joven exponente de la música ayacuchana; y con el joven cantautor Facundo Sanz Barcelli. Todos ellos se sumarán a “La Novia del Perú” en distintos momentos de ambas funciones.
La selección de los artistas invitados ha sido concebida por Amanda como una forma de reconocer y poner en valor su trabajo, talento y esfuerzo por mantener vigente la cultura peruana desde distintas generaciones y expresiones musicales. Cada uno interpretará junto a la Excelencia Artística temas especialmente seleccionados para estos encuentros.
Entre ellos estarán Javier y Jasa Sauñe, integrantes de una familia estrechamente vinculada a la música tradicional peruana. Javier es hijo del recordado Orlando Sauñe, quien fue primera voz de Estudiantina Perú, mientras que Jasa, su nieto, representa a una nueva generación de esta tradición familiar.
“Me emociona compartir el escenario con artistas de distintas generaciones y que el público pueda conocer y valorar el trabajo que cada uno de ellos viene realizando. Hay mucho talento y mucho esfuerzo detrás de quienes siguen llevando nuestra música y nuestra cultura hacia adelante. Para mí es una alegría poder cantar juntos”, señala Portales.
Para ampliar la propuesta sonora, la intérprete estará acompañada por su marco musical Selección Fiesta Andina y por la prestigiosa orquesta Amigos del Mantaro, formación de amplia trayectoria, considerada una de las mejores agrupaciones típicas del Perú y dedicada a preservar y difundir la música del valle del Mantaro. Su historia familiar se ha transmitido de generación en generación y constituye uno de los pilares de su trabajo musical y cultural.
Repertorio renovado
Además de reencontrarse con las canciones que han acompañado sus seis décadas de trayectoria, Amanda Portales estrenará nuevos temas. Entre ellos figura “Que viva el amor”, composición del fallecido autor y compositor Juan Arana, quien entregó personalmente la canción a la intérprete en vida.
El programa ha sido preparado como un recorrido que enlazará obras reconocidas por el público con nuevas composiciones y versiones especialmente trabajadas para el escenario del GTN. La puesta contará también con la participación del elenco de danzas Hawkayari Perú, además de coros, coreografías y un despliegue especial de iluminación y sonido.
“Quiero que el público vuelva a encontrarse con las canciones que ha hecho suyas a lo largo de mi carrera, pero también que descubra lo nuevo que seguimos preparando. No será únicamente una mirada al camino recorrido; quiero que estas funciones reflejen que sigo cantando, creando y aprendiendo con el mismo amor de siempre”, expresa Amanda.
Las presentaciones llegan después de un año dedicado a conmemorar sus 60 años de trayectoria artística. Más que plantearse únicamente como una retrospectiva, “Arte Puro II” mostrará una etapa activa de su carrera, marcada por nuevos repertorios, colaboraciones y proyectos.
A lo largo de seis décadas, Amanda Portales ha llevado la música andina a escenarios del Perú y el mundo y ha trabajado por su preservación y difusión. Gestora del Día de la Canción Andina, fue condecorada por el Estado peruano con la Orden al Mérito por Servicios Distinguidos en el grado de Comendador y recibió de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos la distinción “La Excelencia Artística 2004 del Folklore Andino”. Asimismo, el Ministerio de Cultura la nombró Personalidad Meritoria de la Cultura.
“Regresar al Gran Teatro Nacional siempre despierta en mí una emoción especial. Quiero reencontrarme con las familias que me han acompañado durante tantos años y también con los jóvenes que están descubriendo nuestra música. Los espero para cantar, recordar y celebrar juntos”, invita la artista.
EL DATO
Espectáculo: Amanda Portales – “Arte Puro II”
Fechas: jueves 12 y viernes 13 de noviembre de 2026
Hora: 8:00 p. m.
Lugar: Gran Teatro Nacional
Entradas en Teleticket: https://teleticket.com.pe/evento/amanda-portales-arte-puro-ii-gran-teatro-nacional
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Gianine Tabja: «La Tierra también tiene una memoria que debemos aprender a escuchar»La artista visual presenta Escuchar a la Tierra, una instalación que recoge las vibraciones de un vacío geológico en Canta y las convierte en una experiencia sonora. Su propuesta forma parte de NOVTEC 2026 y busca acercar al público a una relación distinta con la naturaleza y el territorio.
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1 día agoon
11/11/2026By
Redacción Lima Gris
Por Susan Acuña
¿Alguna vez nos hemos detenido a escuchar la Tierra? Para la artista visual Gianine Tabja, las rocas también guardan una memoria que va más allá del tiempo humano. A través de Escuchar a la Tierra, una instalación que combina arte, tecnología e investigación, la artista propone acercarnos a esas vibraciones que normalmente pasan inadvertidas. Su trabajo invita a mirar nuestro entorno desde otra perspectiva y a reflexionar sobre la manera en que habitamos el planeta.
En conversación con Lima Gris, la artista visual Gianine Tabja nos acerca al proceso creativo y de investigación detrás de Escuchar a la Tierra.
¿Podrías contarnos un poco sobre tu trayectoria y cómo nace tu interés por el arte?
Soy artista visual. Estudié en la Facultad de Arte y diseño de la pontificia Universidad Católica y posteriormente realicé una maestría en la Universidad de Glasgow. Me desempeño como artista desde que ingresé a la universidad, trabajando en distintos medios. También he participado en colectivos de artistas, porque creo mucho en la práctica colectiva y en la creación de proyectos colaborativos e interdisciplinarios.
En los últimos años, mi trabajo se ha enfocado principalmente en los procesos extractivos que transforman la manera en que habitamos el territorio, recordamos y nos vinculamos con nuestro entorno. Trabajo en la intersección entre arte, ecología, territorio e investigación interdisciplinaria.
¿Cómo nace la idea de desarrollar Escuchar a la Tierra y qué te llevó a investigar los sonidos y las vibraciones del territorio?
Venía investigando sobre el tiempo, el territorio y su relación con el cuerpo, a partir de las preguntas sobre el impacto de nuestra presencia en la Tierra y las consecuencias ecológicas de las industrias extractivas.
En ese proceso me encontré con un texto de un geólogo escocés que habla sobre la edad de la Tierra, lo que en geología se conoce como tiempo profundo. A partir de la observación de las rocas, él plantea que no hay vestigios de un inicio ni perspectivas de un final.
Es un tiempo mucho más grande, que no podemos calcular desde la concepción humana y cultural que tenemos del tiempo.
Esa idea me pareció muy poética y despertó mi interés por entender la memoria de la Tierra a través de las rocas. Para ello comencé a conversar y trabajar con geólogos y geólogas, primero en el Instituto Geológico del Perú y luego en la Universidad Católica. Con ellos busqué un lugar en el territorio, cerca de Lima, en Canta, donde pudiera realizar grabaciones y escuchar a la Tierra.
Lo que hago es registrar sus vibraciones utilizando diferentes equipos tecnológicos. Luego traduzco esos registros y elevo un poco los decibeles, porque las vibraciones y los movimientos de la Tierra ocurren en una velocidad y un tiempo muy distintos a los del ser humano.
Me interesaba hacerlos perceptibles para las personas y poner en relación nuestra manera de habitar el presente con esa memoria de la Tierra.
A partir de ese registro realizo una composición sonora junto al músico Omar Cachay. Esta acompaña una instalación de piezas elaboradas con cerámica y biomateriales, que incluyen extractos de algas, gelatina, conchas y restos de palta. Los visitantes pueden recorrer los espacios creados con estos elementos que, de alguna manera, también nos remiten a los componentes de la Tierra.
En tu proyecto aparece el concepto de tiempo profundo. ¿Cómo lo explicarías y cómo lo llevas al lenguaje artístico?
El tiempo profundo es el tiempo de la Tierra, el tiempo geológico. En realidad, no se trata de trasladarlo directamente al arte, sino de encontrar una manera de sentir las vibraciones de la Tierra a través del sonido.
Cuando una persona ingresa a la instalación, encuentra una composición que se reproduce mediante tres parlantes y que traduce esos sonidos. Es una traducción especulativa, pero desde el arte tenemos la posibilidad de trabajar con esas interpretaciones y llevarlas a una experiencia que nos permita cuestionar nuestras relaciones con el tiempo y el espacio, tanto con la Tierra como con nosotros mismos.
¿Qué fue lo más sorprendente de registrar las vibraciones de este espacio geológico en Canta?
Creo que fue la experiencia de trabajar con ingenieros y geólogas, y poder realizar ese registro en el territorio. Era una especulación que, de alguna manera, tenía una correspondencia real.
Si bien existe una traducción y toda traducción termina siendo especulativa, hay una confirmación de que la Tierra está viva y en constante cambio y transformación.
En un contexto de crisis global, donde los territorios están constantemente en disputa y se justifican a partir de esas disputas situaciones como genocidios y guerras, considero importante poder tomar cierta distancia como seres humanos y acercarnos a aquello que no se escucha o no se ve. Eso hace que esta experiencia tenga relevancia.
Arte, tecnología y naturaleza
Vivimos rodeados de pantallas, ruido y estímulos constantes. ¿Qué busca generar en el visitante la experiencia de escuchar estas vibraciones?
No sé si necesariamente se trata de calma. Es una relación inmediata con el cuerpo, porque puedes sentir esas vibraciones y eso te acerca a una experiencia corporal distinta de la que tenemos cuando estamos constantemente frente al teléfono o la computadora.
En esos espacios nuestro cuerpo puede estar un poco más adormecido por las imágenes y los estímulos. Sentir las vibraciones permite relacionarnos de otra manera con nuestro cuerpo y con la Tierra.
Tampoco diría que es una experiencia completamente tranquila, porque las vibraciones son bastante graves. Es una relación un poco intensa, pero interesante desde mi manera de entenderla.
¿Consideras que la tecnología está cambiando nuestra manera de crear y experimentar el arte?
La tecnología siempre ha estado presente de distintas formas. Hoy contamos con herramientas digitales que nos permiten tener otros acercamientos a investigaciones que parten del arte y la ciencia.
También facilitan las colaboraciones interdisciplinarias y permiten desarrollar propuestas diversas, quizá más complejas, para tratar de entender el mundo en el que vivimos.
¿Qué significa para ti presentar este trabajo en la décima edición de NOVTEC?
Me parece interesante entrar en diálogo con diferentes tipos de proyectos. El festival reúne arte, tecnología e imaginación y, este año, aborda aquello que está oculto, lo que no se ve o los sistemas que están debajo de lo que percibimos.
En mi caso, la tecnología me ha ayudado a evidenciar otras formas de conectarnos con nuestro entorno y desarrollar sensibilidades que nos permitan sentirnos parte de la naturaleza, algo de lo que muchas veces nos sentimos ajenos.
También me parece interesante que Escuchar a la Tierra pueda dialogar con otras propuestas del festival, como las que trabajan con realidad virtual, realidad aumentada, inteligencia artificial y experiencias sonoras.
Mi proyecto parte de una realidad más tangible, de un entorno rocoso, mineral y natural como es la Tierra, y creo que resulta interesante ponerlo en conversación con esas otras formas de explorar la tecnología.
Los desafíos de crear desde el arte
Desde tu experiencia como artista e investigadora, ¿qué desafíos encuentras para desarrollar propuestas que vinculen arte, ciencia y tecnología en el Perú?
Creo que uno de los principales desafíos es el financiamiento. Sin embargo, también hay muchas sorpresas y oportunidades en las colaboraciones interdisciplinarias, así como en las redes que se pueden construir para desarrollar proyectos que nos vinculen con nuestro presente y con nuestra vida en la Tierra.
Cuando uno trabaja de manera interdisciplinaria también encuentra nuevos aprendizajes y otras formas de colaboración. Hay que estar dispuesto a aprender de distintas disciplinas y maneras de trabajar.
Frente a estas dificultades, ¿qué te impulsa a continuar investigando y creando propuestas que salen de los formatos artísticos tradicionales?
Soy una persona curiosa y una amante del arte. Creo que esa curiosidad es lo que me impulsa a seguir investigando, experimentar con nuevas formas de creación y explorar otros caminos. Me interesa descubrir cómo el arte puede relacionarse con distintas disciplinas y permitirnos mirar nuestro entorno desde otras perspectivas. Siempre hay algo nuevo por aprender, investigar y experimentar.
¿Alguna vez has sentido que tus propuestas pueden resultar difíciles de comprender para el público? ¿Cómo buscas acercar a las personas a este tipo de experiencias?
Me interesa generar espacios de diálogo y conversación alrededor de mis proyectos. También trabajo en programas públicos mediante visitas comentadas, talleres y actividades que permitan acercar la obra al público. Además, me desempeño como docente.
Si bien detrás de cada proyecto existe una investigación y muchos componentes conceptuales, también hay una experiencia que tiene que ver con el cuerpo y con la relación que cada persona establece con la instalación.
Creo que eso es algo que cualquiera puede experimentar e interpretar. Después vienen las conversaciones sobre las investigaciones y los puntos de partida de cada trabajo.
Una invitación a escuchar la Tierra
Después de todo este proceso de investigación y creación, ¿qué te gustaría que el público comprenda sobre nuestra relación con la Tierra?
Creo que es importante detenernos y tener una escucha más profunda y cuidadosa para pensar nuestras relaciones con el territorio, con nuestros entornos, con otras especies y con los ritmos a los que nos enfrentamos.
La propuesta es relacionarnos de formas distintas con todo lo que nos rodea. Que el sonido y las vibraciones nos atraviesen y que también podamos experimentar visualmente las piezas que forman parte del espacio.
¿Qué nuevos caminos de investigación te gustaría explorar a partir de este proyecto?
Ahora estoy bastante interesada en el tema de la escucha. En este caso fue Escuchar a la Tierra, pero estoy pasando a procesos de escucha a nivel más humano y social, y también hacia otras especies.
Trabajo investigando nuevos materiales y las relaciones que podemos generar con los biomateriales. Es un proceso que desarrollo con el colectivo Fibra, con el que tenemos un laboratorio de investigación de materiales llamado Fibra Biolab. Allí buscamos crear materiales sostenibles y mantener una escucha constante con otros entornos, no solamente con la tierra o las montañas, sino también con espacios donde existe algún tipo de impacto humano, sobre todo relacionado con las actividades extractivas.
¿Qué esperas que el público se lleve después de experimentar Escuchar a la Tierra en NOVTEC 2026?
Espero que puedan experimentar un poco de desaceleración y encontrar formas distintas de relacionarse con el entorno. Que tengan una mayor conexión con su cuerpo y con lo que los rodea, que puedan experimentar el presente e imaginarlo de otra manera, y no solamente desde un sistema que nos pide acelerar y consumir todo el tiempo.
Si pudieras transmitir un solo mensaje a través de tu obra, ¿qué te gustaría decirle al ser humano sobre la Tierra?
Que escuche, que aprenda a escuchar. Creo que muchas veces estamos tan concentrados en nuestro propio ritmo de vida que dejamos de prestar atención a lo que sucede a nuestro alrededor. La Tierra también tiene sus propios tiempos, sus movimientos y sus formas de expresarse. Me gustaría que las personas pudieran detenerse un momento, conectar con su entorno y reconocer que somos parte de él, no algo ajeno a la naturaleza.
Para finalizar, ¿qué les dirías a nuestros lectores que aún no conocen tu propuesta y quisieran acercarse a vivir esta experiencia?
Los invito a sumergirse en Escuchar a la Tierra y permitirse experimentar algo diferente: escucharla no solamente a través de los oídos, sino también a través del cuerpo. Es una oportunidad para acercarse a esas vibraciones que normalmente no percibimos y descubrir otra manera de relacionarnos con la Tierra y nuestro entorno.
Una experiencia para escuchar con todo el cuerpoQuienes deseen acercarse a esta propuesta podrán visitar Escuchar a la Tierra del 13 al 20 de noviembre de 2026, en el Espacio Libertad, ubicado en el segundo patio de la Alianza Francesa de Miraflores. La instalación forma parte de la programación de NOVTEC 2026 y ofrece al público la oportunidad de experimentar las vibraciones de la Tierra desde una perspectiva diferente
Con Escuchar a la Tierra, Gianine Tabja nos recuerda que el planeta tiene sus propios tiempos, movimientos y formas de expresarse, aunque muchas veces no sepamos percibirlos. Su propuesta va más allá de una experiencia sonora: nos invita a detenernos, escuchar con el cuerpo y reconocer que somos parte de un entorno que también merece nuestra atención y cuidado. Quizá, como plantea la artista, el primer paso para cambiar nuestra relación con la Tierra sea aprender, sencillamente, a escucharla.
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Las Aulas celestes, una carta de amor del teatro a la novelaMariana de Althaus lleva al teatro peruano parte de la novela El principio del mundo, de Jeremías Gamboa. La obra ha sido un éxito en taquilla, en su última semana no hubo ya entradas disponibles. La obra aborda la educación peruana y la identidad en el marco simbólico del mandato del padre.
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1 día agoon
11/11/2026By
Hans Herrera Núñez
Como dicen en Chorrillos, ¡Yara! Porque realmente te agarra de sorpresa. No es usual en el teatro de Lima encontrarse, no únicamente con una adaptación del relato o la novela, sino que además el suceso en sí resulte en una conmovedora carta de amor de un género literario a otro. No hablamos de una adaptación de un autor muerto hace años, hablamos de una escenificación de la obra de alguien con todavía muchos años de vida y obra por delante (aunque escriba lento, muy lento).
Aulas celestes es una reflexión sobre la educación estatal entroncada con la educación paterna y la autoformación de los estudiantes en el marco de horizonte de escasas posibilidades y muchos complejos alrededor. Extraída de la novela de Jeremías Gamboa, una obra de dimensiones bolañescas (unas mil páginas), la obra nos arroja al mundo escolar, a una obra de teatro, en este caso la remembranza escolar de la traumática batalla de Arica, del significado del deber y su cuestionamiento, de la naturaleza del héroe y de la lucha de muchos profesores peruanos por dar color a una educación estatal sumida en la más gris y amarga dictadura del desaliento. Es también una carta de amor a los profesores que llevan a cabo su propia batalla de Arica todos los días en colegios que se caen a pedazos y ante alumnos que, al acabar sus estudios, son arrojados, en la mayoría de los casos, al conformismo más aplastante.
Alegra el amor que su directora y responsable de esta adaptación, Mariana de Althaus, hija del patriarca del periodismo peruano Jaime de Althaus, ofrece a la historia escénica peruana. No solo es una adaptación y aproximación a una novela recientemente publicada; es sobre todo darle cuerpo y sangre, sudor y aliento a lo que una novela peruana puede ofrecer, sobre todo cuando se trata de la educación en Perú. Una educación tirada en el abandono es también una reflexión sobre la educación paterna, el cuestionamiento de los hijos y del peso del mandato del padre.
En la tradición andina, el mandato del padre es la exigencia típicamente hispana de provincias y de clase trabajadora por la lucha por salir adelante, por ser mejor, luchar para que tu hijo sea alguien en un mundo inherentemente cruel. A veces choca esto con la incomprensión de los hijos que ven en este mandato una renuncia o acomplejamiento de sus padres. Nada de eso; el mandato del padre es el sacrificio del padre, la exigencia de mejorar, de progresar y evitar las amarguras de la postergación y de la postración. No todos los que pasaron por esas aulas celestes salieron de la pobreza; la mayoría acabó como chófer de taxi, lavaplatos en Madrid, a veces en la cárcel o vendedor de call center. Algunos benditos por el mandato del padre y también por la generosa y caprichosa suerte lograron salir de esa casa de techo de calamina, viajaron, estudiaron, hicieron contactos y se casaron con alguien de un entorno social radicalmente diferente.
Entonces, a la vista de esa gleba que es la mayoría de esos egresados de la educación estatal, esos benditos del esfuerzo y del mandato del padre se vuelven consuelo de clase y también de inspiración para sus hijos. Porque todo el sacrificio del padre involucra en el hijo una serie de renuncias que Jeremías sabe retatar en su novela. Postergar iniciaciones sexuales, perder oportunidades de felicidad en el vecindario, es un costo que en retrospectiva puede resultar muy amargo, pero que desde otras perspectivas más maduras por la inmediatez de la cruda realidad latinoamericana, resultan más que aceptables, loables.
Llevar a una novela y además que esta llegue a teatro es la mayor reivindicación de toda una clase social en un país lleno de injusticias, de que al menos uno de la promoción lo logró. Y lo más hermoso viene cuando una mujer de la otra clase social reivindica esa bandera de Arica. La convierte en telón de fondo para ver y tocar los problemas del Perú sintetizados en el tiempo de lo que dura la espera cuando estás en la sala y esperas que ella baje para ir al teatro. Entonces, ¿podrías crearme cuando te digo que Mariana hizo historia con su carta de amor, porque a diferencia de la archi exitosa Pulmones, Aulas celestes es una historia real, tan real que da envidia y alegría a la vez. Un final feliz todos lo merecen, pero pocos lo tienen.
Jeremías Gamboa es autor de Contarlo todo y de El principio del mundo, un escritor profetizado por el mismo Vargas Llosa como promesa literaria de su generación en que figuran otros autores del país andino como Gabriel Dumett, Wiener, Roncagliolo, Yrigoyen, Rimachi, Francisco Ángeles y la misma Althaus.
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Lindo Perú, porqué te quiero tanto, te adoro tantoUn artículo de Roland Forgues
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1 día agoon
11/11/2026By
Redacción Lima Gris
Por Roland Forgues
El día de ayer terminé la lectura de la cronivela “La tarde que regresó el Huáscar” (Ed. Sideral, Lima 2026 ) del escritor, poeta, narrador y yatiri peruano, ensayista y crítico literario: José Luis Ayala.
Al voltear la última página del libro, la número 467, se apoderó de mi mente el obsesivo estribillo del hermoso huayno “Linda andahuaylina” con una ligera alteración de la letra original:
Lindo Perú
Porque te quiero tanto
Te adoro tanto
Así me puse a pensar en lo que iba a escribir sobre esa obra monumental de casi quinientas páginas sobre el país de mis sueños: el Perú. Cómo iba a hacerle el pago que se merece a la Pachamama a través de mis palabras.
I-CRONIVELA Y GÉNERO
En distintas oportunidades, entrevistas periodísticas y artículos publicados en diarios y revistas o en su blog personal, en defensa de la “cronivela” José Luis Ayala ha señalado lo que entendía por esta nueva forma de narrar, concebida como el resultado de la fusión entre crónica y novela.
Así la define :
“La novela es fundamentalmente una narración literaria, cuenta un tema de carácter ficcional. Aparecen varias historias que ocurren en determinados lugares y tiempos. El novelista narra hechos que ocurren en el tiempo para dar vida a los personajes. La novela tiene por objeto narrar una serie de hechos que los actores deben seguir, para retratar a una determinada sociedad…La crónica es un texto que relata acontecimientos y hechos relevantes, se refiere a sucesos reales en forma cronológica. El cronista usa recursos literarios y estilo propio, narra un hecho real no ficcional.”
Y el autor concluye : “La cronivela es un término híbrido, otorga al narrador la máxima libertad para usar toda la información posible para configurar una historia creíble…”
Estas precisiones no carecen de interés a la hora de leer su reciente publicación “La tarde que regresó el Huáscar”, narración enciclopédica, provocadora y polémica. A través de una exposición sólidamente argumentada por una increíble cantidad de documentos de variada índole, aborda uno de los momentos probablemente más controvertidos y traumáticos de la historia peruana de los siglos XIX y XX: la guerra con Chile, la pérdida y recuperación de los territorios del sur: Arica y Tarapacá en sus fronteras postcoloniales.
II-REIVINDICACIÓN DE LA CULTURA AMERICANA ORIGINARIA
La estructura de la narración empieza y termina con la referencia al general Juan Velasco Alvarado, autor del golpe de estado del 3 de octubre de 1968 contra el presidente constitucional Fernando Belaúnde Terry. Un militar fuera de norma, considerado por el autor y muchos de sus compatriotas como héroe de la patria y del pueblo.
Dicha estructura remite simbólicamente a la visión circular cósmica del tiempo y de la historia de la antigua civilización quechua-aimara que constituye la propia esencia del Perú moderno y contemporáneo.
No se trata de un simple rescate de la cultura ancestral como se podría pensar a primera vista, sino de una verdadera afirmación de la presencia de la cultura andina quechua-aimara en la civilización moderna.
Y desde este punto de vista me parece realmente elocuente y digno de subrayar el papel que juega la naturaleza antropomorfa que encabeza casi todos los capítulos del libro. Una naturaleza dinámica que ritma el protagonismo de la historia en marcha, acompañando a los actores humanos, anticipando los acontecimientos, los momentos de victorias y derrotas en las guerras fratricidas, las traiciones y los actos heroicos, la vida de las poblaciones en sus momentos de luces y tinieblas.
La naturaleza es el guardián de la ética humana en la vida del cosmos:
“El tiempo siguió su cósmico curso, pero las aves migratorias no regresaron nunca más. La primavera que antes cantaba con los niños de los parques, se suicidó y no volvió nunca más. Los poetas que solían cantar bajo la luna llena, no regresaron para besar a sus novias. Los historiadores timoratos y falsos, durante muchos años repitieron argumentos derrotistas, debido a la cobardía de decir la verdad de los hechos. No hubo lo que la historia oficial llama Guerra del Pacífico. Fue una invasión premeditada de la armada del País del sur al territorio peruano, preparada con muchos años de anticipación”. (p.51-52)
Mas adelante es la naturaleza del país agresor la que manifiesta su desaprobación:
“Esa noche cayó una hedionda granizada que nunca antes se había visto en ninguna parte del mundo. Todas las esclusas quedaron inundadas, las gaviotas del sur, huyeron para nunca más regresar. Un toro blanco que ardía como un aerolito al atardecer, regresó a su cueva abierta entre el tiempo y la soledad. Después de siete días y siete noches de agonía Patricio Lynch, no pudo morir, preguntó sumamente angustiado a los médicos que lo atendían: “-Díganme por amor a Dios ¿-Qué tengo?-” Los tres galenos que lo atenían le contestaron: “-Nada y todo-”. “-¿Cómo es eso?-” “-Pregúntese qué ha hecho, cada uno tiene la muerte que se merece-”. Recién comprendió que lo que se hace se paga.” (p.147)
Una y unívoca, la naturaleza es un todo que aprecia y califica las acciones humanas vengan de donde vengan;
“Una noche fría sin luna ni estrellas fugaces, cuando parecía que el tiempo iba a terminar de circular, la esfinge del camino hizo varias adivinanzas a inocentes viajeros. Quien no respondía era decapitado. De pronto vino al mundo el niño llamado Miguel, la partera dijo: “-Jesús, María y José, ya no, este niño traerá desgracias, mejor no hubiera nacido. Vivirá hasta viejo para vergüenza de su familia. Todo el mundo lo despreciará, pero a él no le importará nada de nada-“. Efectivamente después de varios años de ese vaticinio, sucedió que siendo general Miguel Iglesias se autoproclamó como: “Presidente regenerador de la República”, según las directivas de Patricio Lynch”. (p.169)
Notemos de paso cómo a través de la ceremonia mágica de la adivinanza y vaticinio se amalgaman en esta descripción las dos culturas: la ancestral americana y la colonial occidental, que caracterizan la cultura amestizada del Perú moderno y contemporáneo.
Después del triunfo peruano sobre las huestes chilenas en la guerra de recuperación de los territorios de Arica y Tarapacá, la naturaleza expresa su satisfacción y solidaridad:
“Todas las mariposas que migraron desde 1790, regresaron para volver a volar en los jardines de Lima y capitales de las provincias del interior, igual sucedió con los toros de fuego que huyeron de los andenes del cerro Poqopaka y Peqosani. El gobierno del general Juan Velasco Alvarado, después de haber firmado los Tratados de Paz y Perpetua Amistad con la República del sur y Bolivia, se dedicó a la reconstrucción de las ciudades de Arica y Tarapacá. Inmediatamente las comunidades aimaras, manifestaron que por tratarse de territorios suyos trabajarían sin recibir remuneración alguna, realizarían las labores de minqa, ayni y yapana, para reconstruir los barrios que fueron bombardeados por la aviación peruana.” (p.335)
III- EL TEMA CONTROVERTIDO DE UNA GUERRA NEOCOLONIAL
Acerca de su libro, el escritor afirma:
“En el libro “La tarde que regresó el Huáscar”, la cronivela tiene su máximo esplendor, debido a que es posible ilustrar el argumento o contenido, sobre todo con documentos y otros recursos extra literarios. El tema es la guerra del Perú contra Chile, contienda que provoca ese país para sobrevivir a una crisis espantosa y recurre al apoyo de Henrry Kissinger, el pretexto es detener el avance del comunismo en América y la presencia de Cuba.”
En seguida aclara las fuentes de información que permiten dilucidar los hechos relatados y argumentar su interpretación:
“Ahora es posible tener acceso a documentos desclasificados y, tener información fehaciente de la guerra de Inglaterra contra el Perú. Chile tuvo un gran ejército con los préstamos de la banca inglesa. Menos mal que no han desaparecido los documentos pertenecientes a James G. Blaine, secretario de Estado de los Estados Unidos, quien en 1881, ante el Senado, durante el mandato del presidente James A. Garfield, dijo: «Chile jamás habría entrado una sola pulgada dentro de la guerra, si no hubiera sido por el respaldo del capital inglés» y agregó: “era un completo error hablar de dicho conflicto como de una guerra entre Chile y Perú.”
“Es una guerra de Inglaterra contra el Perú, con Chile como instrumento. Asumo la responsabilidad de esta afirmación», insiste José Luis Ayala.
De hecho toda la narración se dedica a demostrar la validez de dicha afirmación desarmando los mecanismos económicos del conflicto, la acaparación de las riquezas naturales de la región, guano y salitre y metales preciosos oro y plata, y los intereses estratégicos de Inglaterra, potencia colonizadora e imperialista que busca controlar y dominar la región, intereses que se verán retomados más tarde por los Estado Unidos de Richard Nixón y Henry Kissinger que fomentan los golpes fascistas de América Latina como el golpe militar de Pinochet contra Salvadotr Allende en Chile.
IV- ENTRE VILLANOS Y HÉROES: TRAICIONES Y LEALTADES
Pero nada hubiera sido posible en la guerra del Perú con Chile Insiste el cronivelista sin la traición de las victimas peruanas al servicio de los invasores, como fue el caso en el momento de la guerra de independencia de José de la Riva Agüero ”el más canalla de todos ”, “el primer más grande traidor abyecto del Perú” (p.13) según lo califica el escritor, que “se alió con los españoles para asesinar a Simón Bolívar”.
“¿Cuántos Riva Agüeros hubo en el transcurso del tiempo?” pregunta el narrado, evocando algunos de los más recientes episodios trágicos o carnavalescos de la historia política del Perú: “Muchos de ellos no han sido debidamente procesados, salvo Toledo, Fujimori, Humala, Kusinski, Vizcarra y Keiko Fujinori, Alan García Pérez se suicidó para no afrontar 30 años de carcelería.” (p,18-19)
En el tratamiento del tema de la traición es donde el cronivelista se arriesga por un terreno resbaladizo contradiciendo gran parte de la historia oficial del Perú, afirmando que algunas de sus más conocidas figuras históricas consideradas con héroes nacionales no fueron en el fondo sino traidores, disfrazados o no, de su propia patria.
El caso más notorio es el de Mariano Ignacio Prado, presidente de la República -al que Ayala le dedica un análisis detallado- quien huyó del país en lugar de asumir sus responsabilidades:
“La declaración de guerra al Perú, no le sorprendió en absoluto a Mariano Ignacio Prado. Lo que le preocupó mucho másfueron sus empresas como inversiones en varios negocios. En ese momento era a la vez general honorario, presidente del Perú y general del Ejército Peruano. De producirse una guerra tenía que decidir ser militar peruano o no. En un momento pensó renunciar al hecho de ser un militar con alto grado. Pero no lo hizo debido a ser militar y al mismo tiempo, tener que preservar sus cuantiosas inversiones”. (p.116)
Mientras, nombres como el de Nicolas de Piérola autoproclamado dictador después de su golpe de estado o el de Miguel Iglesias Pino de Arce, “el más grande traidor del Perú” con el tratado de Ancón, suenan negativamente en la mente del lector. Otros nombres, en cambio, como el de Ugarte, Bolognesi, Caceres o Velasco Alvarado suenan positivamente.
Sobre el tratado de Ancón escribe José Luis Ayala:
“Qué asco, qué indignación tan grande, qué sensación tan horrenda, escribir acerca de una acción increíble, no solamente indigna a cualquier ser humano, sino que además degrada la condición de ser un bípedo inteligente, consciente de haber nacido. Hablar acerca de una de las traiciones más viles, provoca no solamente nauseas sino una indignación infinita, una angustia insoportable. El nefasto documento llamado Tratado de Ancón, fue la más alta traición de Miguel Iglesias y sus familiares al Perú, obedeció las directivas expresas de Patricio Lynch y del presidente Aníbal Pinto Garmendia.” (p.126)
La permanente insistencia en la traición sirve de contrapunto para la celebración de la lealtad de los héroes como Miguel Grau y la aventura del Huáscar, esa misma lealtad al pueblo que será la propia obsesión de Salvador Allende y de su muerte en el combate contra el fascismo pinochetista:
“No hay en la historia de la humanidad un hecho similar heroico, ejemplar y límpido como la acción ejemplar de Miguel Grau. Se enfrentó a la fuerza naval asesorada por el la Marina de Guerra del imperio británico. El ejército así resultó ser moderno y dotado con armas de última generación, la desventaja entonces resultó ser enorme. La armada tenía modernos barcos de guerra, dotados de un armamento mortal superior al Huáscar. El Huáscar tenía dos cañones de poco alcance, los fusiles eran prácticamente obsoletos.” (p.53)
Y más aún la lealtad al pueblo del General Juan Velasco Alvarado frente a la lealtad formal de las fuerzas armadas a los intereses de la burguesía en el poder y de las clases dominantes.
La mitificación del General Juan Velasco Alvarado, tomado como ejemplo de ética y moral, conduce a una nueva interpretación de la historia.
Después de Juan Velasco Alvarado, “El Perú nunca será el mismo”, afirma José luis Ayala:
“De pronto el viento cósmico borró todos los caminos y aparecieron otros. El pasado empezó a rodar de nuevo y todas las vertientes renovaron sus aguas. El histórico y legendario presidente del Perú, general E.P. Juan Velasco Alvarado, desde que asumió el más alto cargo político, puso interés en solucionar un hecho pendiente que había que resolver desde 1879.” (p.432)
V-EL ROL DE LOS HISTORIADORES
“Ningún historiador peruano, ha encarado la agresión de Inglaterra al Perú, todo por falta de ética y valentía, debido al temor de ser censurado o ser castigado por la cultura oficial”, escribe José Luis Ayala, antes de afirmar:
“Los historiadores oficiales peruanos, no se han ocupado de este tema,
no porque desconozcan los hechos, sino por temor a ser censurados.
Han hecho mucho daño a la memoria colectiva como a la formación de la razón histórica de muchas generaciones. Han formado un espíritu derrotista, conformista y mediocre, cuando defender al Perú debió ser un acto de patriotismo colectivo. Es verdad que hubo traidores como en toda guerra, pero nunca fueron juzgados, para que nunca más se repitan las acciones de cobardes y traidores, que no merece escribir sus nombres.” (p. 64)
Lo que José Luis Ayala cuestiona en el caso de los historiadores que se han ocupado de la guerra del Pacífico es, entre otros motivos, su falta de objetividad, su falsedad y mala fe, su formación ideológica y su pertenencia al oficialismo:
“Muchos historiadores peruanos mediocres y cobardes, han negado o no han tenido la convicción de denunciar hechos graves contra la dignidad humana. Llaman Guerra del Pacífico a un hecho heroico como fue la captura del heroico Huáscar y la inmolación de Miguel Grau. Fue un combate desigual, debidamente determinado por la Armada Inglesa durante la guerra.” (p.75)
Un poco más adelante cita el ejemplo del tratamiento por ellos de la figura controvertida de Piérola:
“Muchos historiadores no se atrevieron a escribir la verdad sobre Piérola, no porque no supieran cuál era la verdad, sino por el temor que siempre han tenido los intelectuales oficiales, como los historiadores adscritos al poder de las clases dominantes. Sabían que callando los hechos más graves podían mantener sus puestos de trabajo y ser reconocidos como hombres ilustres.” (p.101)
Si las menciones a los historiadores “oficialistas”, “mediocres” ,”timoratos y cobardes”. “mentirosos y falsarios” son particularmente abundantes en el libro conviene señalar también que en varios momentos el autor rinde homenaje a los historiadores inteligentes y honestos, como el italiano Tomás Caivano, o el boliviano Alcides Arguedas:
“La historia del Perú, ha sido escrita sin duda con una evidente expresión de colonialidad, humillación, falsedad y derrotismo. Los historiadores académicos y oficiales han escrito textos de acuerdo a los intereses de una burguesía al servicio de un permanente saqueo de las riquezas naturales. Quienes se han atrevido a cuestionar la colonialidad han sido silenciados o desterrados para que lo que digan no sea conocido porque la verdad es siempre muy peligrosa.” (p.356-357)
El escritor, afirmará José Luis Ayala en otro momento “debe tener convicciones éticas y morales al servicio de la reconstrucción de la verdad de los hechos, analizar y asumir un acto de ética y pedagogía. Cuando se repiten los mismos argumentos falsos, no hacen más que traicionar a la memoria social de un pueblo cansado de falacias.”
El deber de los futuros historiadores es restaurar la memoria colectiva de sus orígenes, para afirmar su identidad borrada por siglos de opresión y negación de la persona humana. Así exclamará: “Que vengan nuevos historiadores que se ocupen de descolonizar una mentalidad derrotista y humillante. Es necesario la llegada de jóvenes historiadores, que analicen el pasado y no teman en decir la verdad histórica. Solo la verdad nos hará libres para reconstruir una memoria plagada de falsedades, mentiras e imposturas”.
El autor procede a una desmitificación generalizada de la historia oficial, llamando a una revisión global de la historia del Perú, Mirándolo, no desde el punto de vista de la élites involucradas en el conflicto, sino desde la perspectiva de la gente del pueblo, victimas a pesar suyo de los intereses superiores de las potencias imperialistas.
La narración diseña una línea ficcional que avanza en un proceso dialéctico que opone el bien y el mal, los héroes y los villanos. Inclusive en la descripción de los ejércitos en presencia funciona esta dialéctica: mientras los invasores son vistos como hordas de delincuentes, ladrones, asesinos, violadores, mendigos y borrachos, gente de baja estofa sin honor ni moral, los componentes del ejercito agredido son gente con dignidad y honor.
El mejor ejemplo es sin duda el del batallón de Huancané y sus combatientes anónimos que se sacrifican para la defensa de la patria:
“El Poqo paka amaneció regado por una menuda lluvia. Los achachilas empezaron a descender para hacer florecer los sembríos de habas, cebada, papas, cañihua y ocas. Ellos le dieron sabor desde miles de años para que los frutos sean más nutritivos y sabrosos. Desde Moho, Inchupalla, Rosaspata, Cojata, Conima y Taraco, acudieron muchos jóvenes a Huancané para formar un ejército a cargo del comandante E.P, Félix Olazával Romero. Sin embargo, nunca se sabrá cuantos huancaneños cuyos nombres no se conocen, se inmolaron en los campos de batalla para defender al Perú de una invasión imperdonable. Pero el tiempo y las nuevas generaciones les harán justicia.” (p.140)
Más allá de la verdad histórica, se podrá ver en este elogioso fragmento un guiño del autor a su pueblo de nacimiento.
VI-LA MUJER INVISIBLE COMO SAVIA SIMBÓLICA DE LA HISTORIA
Si hay poco sitio consagrado al papel de la mujer en general, notaremos sin embargo el homenaje final a las mujeres aimaras, “inolvidables heroínas” de la gesta creadora del Perú moderno y a Micaela Bastidas la valiente y lúcida esposa de Túpac Amaru:
“Todo cambia, todo sucede, nada es eterno. El tiempo no es el mismo, todo se renueva y el curso de los días nunca se parecen a los que han pasado. Muy distinta hubiera sido la historia y la realidad del Perú, si José Gabriel TúpacAmaru II, hubiera escuchado a su esposa Micaela Bastidas Puyucahua, en referencia a diferentes temas, acciones y sobre todo a las batallas durante el proceso revolucionario, destinado a liberar al Perú, de un estado colonial criminal como insoportable. Micaela Bastidas Puyucahua, como consejera principal, desempeñó un papel estratégico en la organización y coordinación de la acción.” (p.449)
El sacrificio de una mujer anónima al final del libro, tal vez rescate la importancia de todas las mujeres silenciadas en la historia oficial del Perú:
“Esa tarde una extraña melancolía sin que nadie lo percibiera recorrió los laberintos de la memoria colectiva. Una mujer cantó una canción de amor y ternura antes de suicidarse arrojándose a los abismos de la melancolía. ¿A qué se debe el hecho de que hubiera tantos presidentes traidores, farsantes, ladrones, mentirosos y deshonestos?” (p.444)
Este acto no es puramente gratuito, sino una clara reivindicación del rol y sacrificio de la mujer y de su invisibilización en el desarrollo de la historia de las sociedades patriarcales.
VII-CON JUAN VELASCO ALVARADO, LOS NUEVOS Y LA REESCRITURA DE LA HISTORIA
Ellos son los heroicos símbolos de la noción de ética y moral que constituye el meollo de toda la narración y de la visión omnisciente del cronivelista. Este interviene permanentemente en la narración para expresar su conformidad o disconformidad con las acciones de los actores, su horror, reprobación y disgusto frente a las bárbaros actos de violencia, al fusilamiento de los corajudos patriotas, al tratamiento inhumano de las poblaciones, las violaciones de mujeres y masacres de inocentes.
Aparecen dos figuras emblemáticas de las guerrillas peruanas de 1965, presentadas como antecedentes más o menos directos desde el punto de vista ideológico del pronunciamiento de Juan Velasco Alvadado: el “Negro” Lobatón y el “Chino “ Chang.
Estos dos personajes hacen su entrada en la narración bajo el signo del gran poeta universal César Vallejo, defensor de la “libertad de todos / del explotado y del explotador”, de la dignidad y de la conciencia humana en su expresión más alta y además en el templo de la libertad que es la Ciudad Luz que abriga a los grandes filósofos de las Luces a los cuales Ayala rinde homenaje:
“Bajo el esplendoroso cielo de París, cargado de celajes amarillos y rojizos, cuando las garzas iniciaban su retorno al fondo de la soledad, al pie de la tumba de César Vallejo, el 15 de abril de 1962, con ocasión de un aniversario de la muerte del poeta, ocurrida en 1938, una delegación de jóvenes peruanos, organizó una romería a la tumba del autor de “Los heraldos negros”. Todas las intervenciones se refirieron a la biografía y obra del poeta. Hasta que la concurrencia quedó paralizada cuando intervino un hombre joven afroperuano, llamado Guillermo Lobatón Milla, quien dijo entre otros conceptos:
Estamos aquí para celebrar la vida perpetua de un poeta que supo traducir en poesía la condición humana. Nunca hubo antes ni después alguien que hablara desde las raíces del tiempo, desde el fondo del dolor, desde la tragedia de ser seres humanos desamparados. Vivió para dar testimonio no solo de lo que le ocurría, sino para dejar un mensaje de gran poeta: Nos ha comprometido”. (p. 183)
En 1969, en su novela póstuma “El zorro de arriba y el zorro de abajo”, José María Arguedas confirmaría: “ Vallejo es el principio y el fin”.
En la reescritura de la historia será imposible “matar las ideas” y borrar la heroica resistencia de Salvador Allende frente a las hordas fascistas del general Pinochet.
La admiración que José Luis Ayala le tiene al presidente Allende es comparable con la que expresa hacia Velasco Alvarado.
Esta doble admiración de un peruano y de un chileno, es un claro indicio de que todo el repudio y odio que expresa hacia Chile y las hordas de soldados invasores durante la guerra del Pacífico, no concierne el pueblo chileno, sino las élites, agentes del imperialismo, que lo manipulan:
“Desde 1879 hasta la madrugada del 3 de octubre de 1968 cayeron muchas lluvias y algunas primaveras fueron cortas, pasaron muchos años de continuo desencanto y necesidad de reivindicar el orgullo nacional, lesionado por una guerra internacionalista de Inglaterra contra el Perú, teniendo como actor bélico al País del sur. Y sucedió que después de la última encuesta que señaló al médico Salvador Allende, como futuro presidente de la república, la derecha diseñó de hecho, un plan estratégico para realizar una intensa campaña de saboteo y desprestigio del nuevo régimen de izquierda. Por primera vez se instaló un distinto modelo político con la asunción del mando, de un presidente declarado marxista.” (p.203)
El Chile “ético” de la izquierda revolucionaria es para el escritor, un país no solo respetable sino hermano.
VIII-¿QUE MAS DECIR?
Qué más decir sobre esta singular cronivela, escrita con rabia y ternura al mismo tiempo, con amor y odio, una obra que se presenta como un tratado histórico de ética y moral reiteradamente invocadas a lo largo de la narración como guías de acompañamiento por el camino de la investigación y creación, de la interpretación de la Historia y elaboración de la Ficción, para construir la Utopía que nos permite vivir en el mundo “ancho y ajeno” que nos rodea y nos atrapa cada día más en sus redes privativas de libertad.
No me corresponde a mi en el marco reducido de este breve comentario determinar cuanto de realidad y de ficción, de verdad y de mentira, hay en esta nueva publicación del prolífico escritor peruano que por su vasto panorama da la impresión de un fresco artístico, tal vez detallista en exceso, sobre un episodio turbulento y trágico de la historia peruana visto en el marco global de la historia americana desde sus remotos orígenes hasta sus más recientes aportes occidentales.
Determinar eso, será tarea de los nuevos historiadores y ensayistas convocados por José Luis Ayala, y también de los poetas que siempre se adelantan a su época.
Lo que sí puedo afirmar, en cambio, sin temor a equivocarme, es que José Luis Ayala desarrolla en su libro toda una estrategia discursiva que consiste en tomar la defensa del Perú y de sus moradores más humildes, y más allá del territorio físico, geográfico y humano, americano la defensa de los pueblos sojuzgados e invisibilizados, y los valores esenciales de la especie humana.
De aquí probablemente que al finalizar la lectura de su obra se me impusiera el estribillo ligeramente modificado del huayno “Linda andahuaylina” que nunca he podido escuchar sin emocionarme en sumo grado.
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Lina Durán: “El cine de género es una apuesta importante para hablar de temas que nos horrorizan”La directora y fundadora de INSÓLITO habla sobre los desafíos de sacar adelante la novena edición del festival, el crecimiento del cine fantástico en Latinoamérica y el espacio que vienen ganando las mujeres en este género
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1 día agoon
11/11/2026By
Redacción Lima Gris
Por Susan Acuña
El cine fantástico no siempre habla de monstruos, criaturas o mundos imaginarios. Detrás de sus historias también pueden aparecer conflictos sociales, políticos y culturales que forman parte de nuestra realidad. Esa es una de las ideas que impulsa Lina Durán, directora y fundadora del Festival Internacional de Cine Fantástico INSÓLITO, que este año celebró su novena edición. En conversación con Lima Gris, la realizadora cuenta cómo ha cambiado el festival, las dificultades que enfrenta para mantenerse independiente y por qué considera importante abrir espacio a nuevas voces dentro del cine de género.
Lina, para comenzar, cuéntanos un poco sobre tu trayectoria y cómo se ha desarrollado tu camino en el mundo audiovisual.
Soy abogada de profesión, estudié Derecho y también soy diseñadora de moda y vestuario. Son dos profesiones distintas: una tiene una parte más conceptual y la otra es más técnica. Creo que de esa combinación nació mi gusto por el arte y, especialmente, por la dirección de arte.
He trabajado como utilera, decoradora de set y vestuarista. En largometrajes, principalmente, he participado como asistente de arte; mientras que en cortometrajes he tenido la oportunidad de asumir diferentes funciones: he producido, dirigido, trabajado en el área de arte, realizado producción ejecutiva y también asistencia de dirección. He experimentado distintos roles y todavía me interesa explorar otros. Actualmente, estoy estudiando una maestría en Guion.
Soy una persona multifacética, pero siempre dentro del ámbito cinematográfico. Le he apostado mucho al cine de género y por eso decidí crear el festival INSÓLITO. Considero que existe una necesidad de hablar y mostrar las miradas que actualmente propone este tipo de cine. Estamos viviendo una época de mucha represión y dificultades, y pienso que el cine de género es una apuesta importante para abordar los temas que nos horrorizan, así como para explorar la ciencia ficción y la animación.
INSÓLITO cumple nueve años ¿Cómo ha cambiado tu manera de dirigirlo y qué desafíos enfrentas actualmente?
Para hablar de la actualidad, hay que compararla un poco con el pasado. Durante varios años ganamos los fondos del Ministerio de Cultura, pero eso ha dejado de suceder. No es un tema personal, sino político. Como saben, en Latinoamérica, y particularmente en el Perú, hay una tendencia hacia la derecha, y esta no suele ser muy amiga de la cultura y el arte. Entonces, hemos tenido muchas dificultades desde que dejamos de recibir esos fondos, pero también hemos atravesado otras crisis.
Primero estuvo la pandemia y, además, está la crisis de las salas de cine y del contenido que se ofrece en la cartelera comercial. Nosotros no tenemos cabida en esos espacios, así que decidí que el festival volviera a ser gratuito. También empezamos a tocar algunas puertas y a buscar el apoyo de amigos, colaboradores, aliados y socios comerciales.
El festival nunca me ha dejado deudas porque siempre buscamos la manera de sostenerlo. Por ejemplo, las películas pagan para ingresar a través de plataformas como FilmFreeway y Festhome, mientras que las producciones peruanas participan mediante una convocatoria gratuita. Esa es otra forma de financiar el festival: cobrar por las inscripciones de las películas extranjeras.
Es difícil, porque tampoco es que nos sobre el dinero. Sin embargo, cada año recibimos alrededor de doscientos cortometrajes más. También hemos hecho un esfuerzo para que la imagen del festival sea atractiva. Antes, cuando teníamos más recursos, trabajábamos con una agencia de publicidad y contábamos con otros servicios. Ahora he ido asumiendo más responsabilidades en esa área, aprovechando mi experiencia en dirección de arte. Hacemos videos y contenidos que están bajo mi curaduría.
También ha cambiado la forma en que las personas participan. Hay muchas mujeres que colaboran porque les gusta el festival y se identifican con él. Antes eran personas a las que se les pagaba; ahora, como no tenemos los recursos suficientes, podemos darles algún reconocimiento, pero no una remuneración como antes. Aun así, es muy bonito porque se ha formado un grupo de personas que se identifica con el festival, con su estilo y con su marca, y que quiere hacer cosas junto a nosotros.
Dentro del festival se respira un ambiente de networking, de conversar y generar vínculos para desarrollar proyectos y mostrar el propio trabajo a través de los contenidos de INSÓLITO, que ya cuenta con muchos seguidores. La dinámica también ha cambiado en la difusión: antes teníamos una prensa mucho más tradicional y ahora se acercan amigos, influencers y aliados que quieren colaborar.
Incluso los propios directores generan contenido para convocar al público, invitarlo a sus funciones y contar que sus películas forman parte de INSÓLITO. No todo tiene que salir de nuestras propias plataformas. Nosotros podemos tener la primicia, pero los directores también participan en la difusión y se involucran para llevar más gente a las salas. Esa dinámica es muy chévere.
En esta edición hay películas de distintos países y propuestas muy variadas. ¿Qué obras o realizadores destacarías de la programación de este año?
Tenemos una programación bastante amplia. Contamos con una competencia de largometrajes, una competencia internacional de cortometrajes y una competencia nacional. Además, tenemos una muestra dirigida a las infancias, que se llama Insoliquitos. También presentamos otras muestras y películas especiales, como Panorama Peruano.
Este año, por ejemplo, tenemos una película muy interesante llamada Alix, que tuvo bastante repercusión en nuestras redes. Es una coproducción colombiana y estadounidense que presenta a una niña, como una especie de Alicia en el País de las Maravillas, en medio del conflicto entre la guerrilla colombiana y los grupos paramilitares.
La niña parece escapar de la realidad en una zona de conflicto. Es una película muy política y social, bastante compleja, pero que incorpora la fantasía en su narrativa. Me parece una propuesta muy bonita e importante.
Otra película que destacaría es El Llanto del Perro, una producción argentina protagonizada por dos actrices. Una de ellas es Clara Kovacic, quien actualmente es una de las figuras más importantes del cine de terror argentino y también se desempeña como productora. En esta película interpreta a una especie de guía espiritual que somete a otras personas.
También hay otra actriz, Miranda, cuyo trabajo me parece un gran descubrimiento. Su actuación es muy buena y, si no me equivoco, también participa en la producción de la película.
El Llanto del Perro es una película sencilla, desarrollada en una sola casa. Me parece un ejemplo interesante para los estudiantes de cine porque demuestra que se pueden contar buenas historias utilizando una única locación. Es una propuesta con un tema innovador y bastante actual.
También tenemos Demonatrix, una película que aborda la dominación a través de un personaje femenino con una personalidad muy dominante. Es otra propuesta que vale la pena destacar dentro de la programación de este año.
Has mencionado la presencia de más mujeres dentro del festival. ¿Qué importancia tiene para ustedes abrir espacios a realizadoras y a otras voces que no siempre encuentran lugar en el cine de género?
La mayoría de las personas que formamos parte del festival somos mujeres y hemos tratado de construir un espacio seguro para que ellas puedan participar. Por ejemplo, en la competencia nacional contamos con una presencia importante de realizadoras, y eso para nosotros es un gran logro.
Hay que tener en cuenta que el cine de terror ha estado históricamente marcado por una mirada patriarcal y machista. Muchas películas todavía reproducen esa perspectiva, y lo mismo ocurre en buena parte de los festivales dedicados a este género. Es una realidad que no se limita a Latinoamérica, sino que también está presente en otras partes del mundo. Por eso, para nosotros es importante seguir abriendo espacios para que más mujeres puedan contar sus historias y mostrar su trabajo.
INSÓLITO también cuenta con reconocimientos propios: el Gato Mestizo, el Gato Blanco y el Gato Negro. ¿Qué representa cada uno y cómo ha sido la respuesta de los realizadores este año?
El Gato Mestizo corresponde a la competencia nacional. Este año hemos recibido muchas más películas y ha sido un placer ver cómo las producciones peruanas han crecido tanto en cantidad como en calidad.
Por otro lado, el Gato Blanco reconoce a las películas de la competencia internacional de cortometrajes. En esta categoría también hemos recibido alrededor de doscientos cortometrajes más que en ediciones anteriores, una cifra impresionante. Hay propuestas de distintas partes del mundo, aunque damos especial importancia a las producciones latinoamericanas. También recibimos muchas películas de España y encontramos trabajos realmente interesantes.
La programación es muy variada: tenemos animación, terror, ciencia ficción y fantasía. Finalmente, el Gato Negro corresponde a la competencia internacional de largometrajes, en la que este año participan siete películas.
Además de las proyecciones, el festival desarrolla actividades formativas. Nos comentaste que tienes previsto realizar un taller en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. ¿En qué consistirá esta propuesta?
Además de dirigir el festival, también desarrollo talleres de formación que han tenido una buena acogida. En esta ocasión, voy a realizar un taller en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, que tendrá dos partes. Primero abordaremos la investigación y el análisis del cine fantástico desde una perspectiva conceptual; después, pasaremos a la parte práctica, en la que los participantes tendrán la oportunidad de realizar un cortometraje.
La propuesta busca combinar estos dos aspectos: conocer y reflexionar sobre el cine fantástico, pero también experimentar con su realización. El taller comprende seis sesiones y se ofrece a través del CERSEU. Hay una tarifa especial para los estudiantes de San Marcos y otra para el público general. No es un precio muy elevado y, si no me equivoco, las clases comienzan el 20 de noviembre.
Quienes estén interesados pueden ingresar a las redes sociales de INSÓLITO, donde encontrarán un enlace con toda la información. Allí podrán consultar y descargar el programa del taller, así como acceder a los detalles de inscripción.
También es importante mencionar que el festival recibe donaciones y cuenta con la venta de merchandising para ayudar a sostener sus actividades. Muchas personas colaboran de esa manera, ya sea mediante donaciones por Yape o adquiriendo nuestros productos. Es otra forma de apoyar la continuidad de INSÓLITO.
Lina, ¿qué te gustaría que el público recuerde de esta novena edición de INSÓLITO?
Me gustaría que el público recuerde las películas, que las vea y las disfrute. Creo que eso es lo más importante de una programación: la curaduría y la experiencia de descubrir estas historias juntos, tanto en los cortometrajes como en los largometrajes.
Pero también quisiera que se lleven ese espíritu punk y metalero que caracteriza a esta edición. Hemos organizado talleres y conversatorios en torno a la filosofía del hazlo tú mismo, que también está presente en propuestas como la ilustración y la intervención de peluches.
Además, tenemos una charla sobre Cronenberg, una figura fundamental del cine de terror, pero también por su aporte a los efectos especiales, la artesanía cinematográfica, las artes plásticas y la música. En la clausura tendremos un conversatorio sobre el punk y la presentación de una banda llamada Fluffy.
Me gustaría que el público se lleve ese sentimiento de hacer las cosas, de animarse a crear y compartir. Que siga asistiendo al festival, descubriendo películas y formando parte de este encuentro.
Para quienes nunca se han acercado al cine fantástico, ¿qué podrían descubrir en las películas que forman parte de INSÓLITO y que quizá no encuentran en el cine convencional?
Creo que el cine fantástico es una forma de expresar lo que muchas personas tienen por decir frente a las adversidades. A través del arte también podemos rebelarnos, cuestionar la realidad y hablar de aquello que nos preocupa. Actualmente, hay muchas problemáticas sociales y políticas que encuentran un espacio en el cine de terror y en el cine fantástico.
En nuestra programación abordamos temas como la gentrificación, el anticolonialismo, el antirracismo y la deconstrucción de los géneros. También aparecen reflexiones sobre la maternidad y las dificultades que enfrentan muchas mujeres, en una sociedad donde el sistema no siempre les permite criar a sus hijos sin tener que trabajar hasta el agotamiento. Son temas profundos que están presentes en muchas de las películas que forman parte de INSÓLITO y que también encontramos en producciones de distintas partes del mundo.
Por eso considero que el cine fantástico merece ser visto y explorado. Es un género muy cercano a las vanguardias artísticas, al surrealismo, al expresionismo alemán y a las propuestas experimentales. También recoge elementos de la estética gótica, que está muy presente en el cine actual y que permite abordar cuestiones como el capitalismo y las relaciones de poder.
Incluso los personajes fantásticos pueden representar conflictos de nuestra propia sociedad. Los vampiros, por ejemplo, pueden interpretarse como una expresión de la lucha de clases, de la ambición y del deseo de ejercer poder sobre los demás. Los zombis también pueden representar a quienes avanzan sin cuestionar sus actos, invadiendo y causando daño.
Detrás de esos monstruos y personajes hay muchas ideas que merecen ser descubiertas. Creo que esa es una de las riquezas del cine fantástico: nos permite acercarnos a otras realidades, cuestionar lo que sucede a nuestro alrededor y encontrar nuevas formas de hablar sobre el mundo en el que vivimos.
A nueve años de su creación, INSÓLITO continúa abriendo espacios para nuevas miradas dentro del cine fantástico. Más allá de sus proyecciones y actividades, el festival apuesta por una cinematografía que se atreve a explorar otros lenguajes, cuestionar la realidad y dar visibilidad a historias que no siempre encuentran lugar en las salas comerciales. La conversación con Lina Durán deja una invitación: acercarse a este género sin prejuicios y descubrir que, detrás de la fantasía, el terror y lo extraordinario, también hay historias que hablan de nosotros y del mundo que habitamos.
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Úrsula Paz Zúñiga: la directora de Cultura de Cusco que prefiere el silencio ante las denuncias [VIDEO]La titular de la Dirección Desconcentrada de Cultura de Cusco evita responder a las preguntas de Lima Gris sobre las denuncias por presuntas irregularidades que involucran a trabajadores del Ministerio de Cultura y el caso del proyecto Chincana. Tras varios días de intentar obtener una entrevista, llegamos hasta sus oficinas en la Ciudad Imperial. Tampoco quiso atendernos.
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2 días agoon
10/11/2026By
Redacción Lima Gris
En la Dirección Desconcentrada de Cultura de Cusco, la directora interina, Úrsula Paz Zúñiga, parece que su objetivo es callar, encubrir y blindar las denuncias por presunta corrupción en la ciudad imperial.
Durante varios días, Lima Gris intentó obtener una entrevista con la funcionaria para conocer su posición frente a una serie de denuncias por presuntas irregularidades que involucran a trabajadores del Ministerio de Cultura en Cusco, así como del proyecto Chincana, un caso que viene generando cuestionamientos y enfrentamientos en torno a su desarrollo. Se enviaron mensajes, se realizaron llamadas y se insistió por distintos medios. No hubo respuesta.
Pero decidimos ir más allá. Viajamos hasta Cusco y llegamos personalmente a las oficinas de la Dirección Desconcentrada de Cultura para buscar a la directora y plantearle directamente nuestras preguntas. La respuesta fue la misma: Úrsula Paz Zúñiga no quiso atendernos.
El hecho resulta particularmente preocupante porque no estamos hablando de una funcionaria privada, sino de la máxima autoridad de la representación del Ministerio de Cultura en Cusco. Una institución que tiene bajo su responsabilidad la protección del patrimonio cultural y la conducción de importantes proyectos en una de las regiones con mayor riqueza histórica y arqueológica del país.
Ella debe responder y dar a conocer qué acciones está adoptando su despacho frente a las denuncias por presuntas irregularidades y cuál es su posición respecto del proyecto Chincana y los cuestionamientos surgidos alrededor de este.
La actitud de Paz Zúñiga resulta aún más llamativa porque su designación se produjo durante la gestión del cuestionado ministro de Cultura, Alberto Beingolea, quien también ha sido objeto de cuestionamientos por sus decisiones en el sector. Junto a ella permanece en la estructura de la DDC Cusco el subdirector Alfredo Mormontoy, excandidato del PPC y personaje que también ha recibido cuestionamientos y denuncias en Cusco.
Frente a este escenario, el silencio de una autoridad no resuelve las denuncias. Por el contrario, deja más preguntas abiertas. Si todo está en orden, ¿por qué no explicar públicamente las decisiones adoptadas? Si existen investigaciones o procedimientos administrativos en marcha, ¿por qué no informar sobre ellos? Y si las acusaciones carecen de sustento, ¿por qué no responderlas?
La transparencia no debería depender de la voluntad del funcionario de turno. Una oficina pública no es una fortaleza y una directora no puede convertir la puerta de su despacho en una barrera contra las preguntas de la prensa.
Aquí el video de nuestra visita a las oficinas del Ministerio de Cultura en Cusco.
Cultura
Presentando TrascendenciasArtista plástica, visual, docente y gestora cultural, Jeanette Villareal Kan presenta en el XIV Salón Internacional de Arte con Derechos TRASCENDERES una obra donde convergen sus raíces andinas y tusan. Desde la creación artística y la educación, impulsa además un arte comprometido con la identidad, la inclusión social y el reconocimiento de los derechos de los artistas.
Published
2 días agoon
10/11/2026By
María Luz Crevoisier
Jeanette Villareal Kan, es una múltiple artista tusan, porque aparte de artista plástica, es artista visual, docente y gestora cultural. Ella egresó de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, con la más alta distinción en la especialidad de Pintura de aquel 1992. Esta vez, forma parte de la interesante muestra del XIV Salón Internacional de Arte con Derechos TRASCENDERES, que se realiza en la Sala Nasca del Mincul, hasta el 26 de noviembre.
Esta variada muestra, se montó para homenajear al maestro pintor Luis Guardamino Villegas y en ella descubrimos nombres conocidos como a la pintora oroina Rocío Riesco, Dante Guevara, quien ha reactualizado el uso milenario de la tinta de guarango en sus creaciones y ya tiene seguidores, al maestro cusqueño, Oskar Olazo y sus bellos motivos surrealistas y andinos, artistas que en conjunto suman 13 y pertenecen a la Asociación de Artistas Plásticos del Perú.
Puntualizando sobre la obra de Jeanette , quien participó en la interesante exposición El Arte de la Tinta en el Salón II del Ministerio de Cultura y que acaba de finalizar; subrayamos que a partir de 1990 ha participado en importantes exposiciones colectivas, tanto nacionales como internacionales.
Su obra, de motivaciones intensas y colores diversos y múltiples en los que se mezclan los ancestros andinos y asiáticos, forma parte de colecciones foráneas en países como Chile, Colombia, México, Costa Rica Estados Unidos y Francia.
Pero nuestra artista también es profesora y esa vocación la llevó a fundar la institución educativa Ana María Kan (1994), además es directora de Yllamar Galería Arte y Destino que funciona en el distrito de Carabayllo desde el 2010 siendo también gestora cultural.
Teniendo como una de sus prioridades la inclusión social, ha montado talleres y organizados conversatorios inter escolares y realizado exposiciones en zonas marginales.
Entre los múltiples reconocimientos figura el que recibió del Congreso de la República en el 2023. Además de sumar otros tantos en Perú como en el extranjero.
Esta vez, tuvimos una aproximación a la excelente artista plástica a través de una ligera charla.
¿Cuál fue el objetivo de crear Trascenderes?
La Asociación de Artistas Plásticos del Perú TRASCENDERES fue creado para impulsar espacios de creación, diálogo y exposición que conecten el arte con las problemáticas reales de nuestro país. Trabaja por un arte con identidad nacional. Sus objetivos son:
Visibilizar a los artistas que trabajan desde el compromiso social y cultural, generar puentes entre el arte, la ciudadanía y las instituciones, y trascender a través de la creación de nuevas audiencias y defender los derechos de los artistas y el derecho al Arte como bien común.
¿Por qué se le hizo este homenaje a Luis Guardamino Villegas?
Luis Guardamino Villegas es artista fundador de la Asociación y actual socio honorario. Este homenaje público se realiza por su gran trayectoria, reconociendo su prolífico trabajo artístico, así como de la creación y restauración de Arte mural y religioso que forman parte de la fe y la tradición de nuestros pueblos.
Tu origen es mixto, tienes tanto de la cultura china como de la andina ¿Cuál de estás corrientes tiene mayor influencia en tu trabajo?
Mi madre partió muy joven y no creció con su padre que era Tusan. Fue mi familia paterna con quienes aprendí a amar mi tierra, su historia, su increíble riqueza natural y su cultura, y gracias a mi padre que nos hizo viajar mucho y conocer nuestra patria que formó en mi un profundo amor por nuestra identidad nacional. Sin embargo, siempre será especial mi cariño y respeto por la cultura China, una cultura tan extraordinaria.
¿Que significa un Arte con Derechos?
Arte con Derechos nace en el año 2005, al cumplirse los 100 años del día internacional del trabajador. Y con él la Asociación TRASCENDERES expone la belleza y trascendencia de su arte y su mensaje, y con ello, reclamar con toda justicia el derecho a ser reconocido como todo trabajador, a gozar de los beneficios básicos como un seguro de salud, una pensión digna y el reconocimiento a su labor fundamental para el desarrollo social de nuestro PAÍS. Son voces que se unen para reclamar sensibilidad, empatía y amor propio.
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Más allá de las pantallas: NOVTEC 2026 explora nuevas formas de vivir el arteDel 13 al 21 de noviembre, la Alianza Francesa de Lima realizará la décima edición del festival de Arte y Cultura Digital NOVTEC 2026, un encuentro que reunirá a artistas peruanos y franceses en torno a la danza, la música, las instalaciones audiovisuales y las experiencias tecnológicas
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2 días agoon
10/11/2026By
Redacción Lima Gris
Por Susan Acuña
¿Qué sucede cuando el arte se encuentra con la tecnología? NOVTEC 2026 busca responder a esa pregunta a través de propuestas que invitan al público a descubrir nuevas maneras de acercarse a la creación artística. Esta edición reunirá a creadores que llevan la danza, la música y las expresiones digitales más allá de sus formatos tradicionales, con experiencias que buscan sorprender al espectador y mostrar hasta dónde pueden llegar el arte y la tecnología cuando trabajan juntos.
Entre las propuestas que encabezan esta edición destaca MYSELVES, de la compañía francesa K.Danse, dirigida por el coreógrafo Jean-Marc Matos. El espectáculo, programado para el 17 y 18 de noviembre, presenta a una bailarina que interactúa con distintas versiones digitales de sí misma, creadas mediante recursos visuales y sensores. La obra propone un diálogo entre el cuerpo humano y su representación virtual, llevando la danza a un escenario donde los movimientos también pueden convertirse en imágenes.
Otra de las presentaciones que marcará el cierre del festival será BABEL, de la compañía francesa ENTER.black, integrada por la artista visual Fanny Fortage y el músico Harry Clunet-Farlow. Para esta edición, el proyecto contará con la participación de la artista peruana Chaska Paucar, con quien desarrollarán una propuesta especial inspirada en el Perú. A través de música en vivo, imágenes y recursos audiovisuales, la obra aborda las dificultades de comunicación entre personas de distintas culturas y plantea al arte como una posibilidad de encuentro. La presentación será el 21 de noviembre.
BABEL: música e imágenes en una experiencia audiovisual inmersiva.
La programación también tendrá un espacio para el cine con películas de realizadores reconocidos internacionalmente. Entre ellas figura 2046, del director hongkonés Wong Kar-wai, quien obtuvo el premio a mejor dirección en el Festival de Cannes de 1997 por Happy Together. Su película, estrenada en 2004 y presentada también en la competencia oficial de Cannes, propone una historia que cruza el amor, los recuerdos y un futuro imaginado.
A esta selección se suma Resurrection, del cineasta chino Bi Gan, cuya película recibió el Premio Especial del Jurado en Cannes 2025. La historia se desarrolla en un mundo donde las personas han perdido la capacidad de soñar y sigue a un ser que permanece atrapado en las imágenes de ese universo. También se proyectará Planètes, de la directora japonesa Momoko Seto, una película de animación y ciencia ficción que amplía la mirada del festival hacia otras formas de contar historias a través de imágenes.
Pero NOVTEC no se limita a las funciones escénicas y cinematográficas. Entre las experiencias que podrán recorrer los visitantes se encuentra Wood Wide Web, una instalación de realidad aumentada creada por la artista francesa Béatrice Lartigue junto al colectivo Lab212. La propuesta toma como referencia las redes subterráneas que conectan a los árboles mediante sus raíces y hongos, y las relaciona con las conexiones digitales que forman parte de nuestra vida cotidiana.
La creación peruana también tendrá un espacio importante con Escuchar a la tierra, instalación y paisaje sonoro de la artista Gianine Tabja, perteneciente al proyecto Hiato en el tiempo. A través de sonidos registrados en el territorio y materiales escultóricos, la propuesta invita a prestar atención a las vibraciones de la Tierra y a reflexionar sobre la relación que mantenemos con la naturaleza.
Gianine Tabja, artista peruana participante de NOVTEC 2026.
A estas actividades se suma el videomapping de la artista peruana Isabel Rojas Colchado, una obra audiovisual preparada especialmente para conmemorar los diez años del festival. La intervención se presentará en el patio de la Alianza Francesa y formará parte de las instalaciones que acompañarán la programación.
El encuentro también abrirá espacios para conversar sobre los cambios que la tecnología está generando en la creación artística. Uno de ellos será Creatividad Artificial, un conversatorio dedicado a la relación entre inteligencia artificial y creación, mientras que los talleres de GlitchLab, a cargo de Manuel Bonilla, y Live Coding, dirigido por Santiago Ramírez, acercarán a adolescentes y jóvenes a la experimentación con imágenes, programación y sonido.
Con esta programación, NOVTEC cumple diez años de recorrido como un espacio de encuentro entre artistas, creadores y público interesado en nuevas expresiones culturales.
En una época en la que las pantallas ocupan buena parte de nuestra vida cotidiana, NOVTEC 2026 plantea una mirada distinta sobre la tecnología: no solo como una herramienta que utilizamos a diario, sino también como un medio para crear, imaginar y expresar nuevas ideas. Sus propuestas abren la posibilidad de encontrarse con el arte desde otros sentidos y descubrir que, detrás de cada imagen, sonido o movimiento digital, también hay una historia por contar. Quizá esa sea una de las razones por las que vale la pena acercarse a esta décima edición: comprobar hasta dónde puede llegar la creatividad cuando el arte y la tecnología se encuentran.
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