Alfredo Alcalde: «pintar Gaza es ser un artista contemporáneo»

Cultura Alfredo Alcalde: «pintar Gaza es ser un artista contemporáneo» Durante 19 años, Alfredo Alcalde, junto a su esposa, la artista Ivette Taboada, ha hecho patria trabajando en una de las instituciones más relevantes del competitivo mundo artístico mexicano: la reconocida Fundación Sebastián…

Cultura

Durante 19 años, Alfredo Alcalde, junto a su esposa, la artista Ivette Taboada, ha hecho patria trabajando en una de las instituciones más relevantes del competitivo mundo artístico mexicano: la reconocida Fundación Sebastián CDMX, del destacado escultor Sebastián. Ahora tenemos la oportunidad de quemarnos los ojos en el éxtasis de su gramática visual, con una temática suprapolítica y geopolítica. La Galería Municipal de Arte Pancho Fierro presenta “El rumor de los ausentes bajo el cielo de los caminantes”. La muestra se inaugura el 10 de octubre y culmina el 8 de noviembre.

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12 segundos ago

25/09/2026

Hans Herrera Núñez

De noviembre de 2025 a enero de 2026, Alfredo Alcalde presentó una muestra de sus pinturas en grandes dimensiones, las cuales tuvieron un rotundo éxito, al pasar de una exposición programada originalmente para un mes y que se extendió por tres meses. Dicha muestra contó a su vez con charlas dirigidas a estudiantes de artes y público en general, esto como una oferta integral de la experiencia artística con la presencia y guía del maestro pintor, el cual es un testimonio invaluable tanto para el público interesado (que ha sido grande tomando en consideración la extraordinaria prolongación de la muestra) como para la promoción del arte made in Perú.

Especialmente relevante fue la presencia de estudiantes de la UNAM y de las instituciones educativas más importantes para artistas, como la San Carlos y la Esmeralda. Fue un momento brillante en la historia de las relaciones Perú-México, lamentablemente truncado apenas unos días después por la torpeza inherente de las políticas de ambos países; sin embargo, esto no quita lo bailado y el hecho de que un solo pintor peruano logró mucho más que la poderosa oficina de turismo de Perú o la nebulosa política del ministerio de cultura del país inca, puesto que dicha exposición de Alcalde en noviembre de 2025 logró reunir entre los presentes el día de la inauguración de dicha muestra al pleno de la Embajada de Perú en México, entre ellos el cónsul, el agregado cultural y demás ministros de la embajada, así como la presencia de la Cámara de Comercio Peruano Mexicana y de representantes del internacionalmente prestigioso Fondo de Cultura Económica de México, así como miembros de la socialité azteca y hasta la presencia del representante de la OEA. Dicha muestra significó un momento estelar para la promoción del Perú más allá de su gastronomía o la arqueología globalmente reconocida, sino sobre todo el mostrar el músculo de sus artes plásticas como algo vivo y vigente, con un lugar bien puesto en el difícil y competitivo ambiente pictórico mexicano, donde el lábaro patrio inca ondea a una altura que solo hemos hallado anteriormente en semejante altura en el caso de la literatura, cuando Perú gozó de un Mario Vargas Llosa, o en la música cuando deslumbraba los escenarios del mundo la voz inquebrantable de Yma Sumac. Pero estos referentes son el pasado, y Alcalde es el presente, uno que expone un rostro nacional brillante y cuyo significado político inmediato es el de poner pica en Flandes para una expansión del arte de Perú como un fenómeno vivo y no como fetiche etnográfico de museo arqueológico. El poder vencer en México como hace Alcalde no se ha visto en la plástica peruana desde el triunfo de Eielson con sus instalaciones en Italia. Ciertamente hemos tenido artistas reconocidos internacionalmente, pero difícilmente sabemos de más casos que estos dos mencionados en que hayan logrado imponerse en el tiempo. No solo se trata de abrir puertas, se trata de orgullo en un país acostumbrado al derrotismo como Perú, el poder concebir una pintura peruana de carácter expansionista y territorial, que puede colonizar otros mercados, conversar con el arte nativo y acercar las miradas mesoamericanas a la plástica andina contemporánea. Esto hace a una pintura viril, el poder crecer y rebalsar las estrechas fronteras nacionales. Este ejemplo vigente hoy vuelve a Perú en forma de una muestra que nos trae desde México algunas de las más relevantes piezas de esa exitosa exposición. Es la oportunidad de que los artistas peruanos puedan presenciar una pintura ganadora y así mismo inspirarse en este afán de expansión, tener la oportunidad de descubrir el brillo de los ojos del lobo y reconocer el hambre propia de fama y gloria.

Dicha histórica muestra del alcalde en CDMX se llamaba «Visiones para meditar», una muestra en grandes formatos de 25 piezas y que exhibe la etapa actual de un artista ya consolidado. Sorprende que en Perú todavía no tuviésemos algo tan fuerte; sin embargo, el Instituto Pancho Fierro está por presentar parte de esta muestra en Lima este próximo 10 de octubre. A pedido de dicha institución que venía proponiendo hacer la muestra, el pintor Alcalde ha respondido afirmativamente, trayendo una decena de estas piezas desde México para su muestra en Perú, a la que se suman otros cuadros inéditos que se verán por primera vez antes que en cualquier otra galería.

Ciertamente, la oportunidad de presenciar el que quizá sea el evento pictórico de la década brinda cubrir a Lima de una condición de gran ciudad de la pintura latinoamericana, a su vez que evidencia la lealtad del artista por su país al apostar por traer por sus propios medios tantas piezas directamente desde México. Tómese en cuenta también que, en comparación con México, Perú tiene un mercado de coleccionistas todavía muy pequeño, por lo que, si bien se puede esperar algún avezado comprador, no se compara ello con los batallones de coleccionistas mexicanos, tanto de la plutocracia como de instituciones. Así que una muestra aquí en Perú tiene más de un espíritu altruista de parte del artista que con solo una muestra pone en el mapa pictórico latinoamericano a Lima, ciudad la cual todavía debe bregar mucho más para salirse de su condición pueblerina de ciudad provinciana en comparación con Río, Buenos Aires, Santiago y, por supuesto, México.

El aporte de Alcalde en esta oportunidad es una muestra que a su vez es una inversión en favor del país, ya que se espera viajen marchantes y galeristas internacionales con motivo de esta muestra; también se espera pueda servir como una forma de allanar el camino a la normalización de las relaciones Perú-México gracias a la diplomacia cultural que eventos como estos en sí mismos promueven, pues qué mejor manera de superar las diferencias que mirando juntos un mismo horizonte pintado en una pared de 2×3. Por ello, lo relevante del momento que favorece el encuentro y que es prueba de que el arte es más que útil, en tanto trasciende conflictos en el marco de una propuesta civilizatoria de diálogo y comprensión.

También es una oportunidad, muy al estilo de Ivette y Alfredo, de acercarse a los estudiantes de artes en Lima para, a través de charlas y visitas guiadas, exponer los planteamientos humanos detrás de la pintura, los cuales solo pueden ser explicados por artistas ante las evidentes limitaciones de los textos curatoriales. Entonces, tener al pintor y su esposa, que son un equipo exitoso de artistas plásticos, tenerlos presentes y que te hablen y respondan tus preguntas, es de por sí un lujo, el cual ya hace mucho el Perú no cuenta, al menos no a este nivel de un discurso pictórico formado por décadas de ejercicio. Porque, como dice Alcalde, la pintura no se puede limitar solo a la técnica; es entonces necesario volcarse a aquello que revuelve las tripas cuando se contempla un paisaje de horror como es su más reciente cuadro, «Gaza», ya que la pintura realmente viva no es un juego técnico, sino una propuesta comprometida de una temática que conversa con la realidad y sus efectos en los pueblos. Una pintura de temática tan abundante en el siglo XIX es casi inexistente en la actualidad en Latinoamérica, siendo Alcalde una de sus excepciones más radicales, donde la temática y la técnica emparejan en una altura semejante a nuestros Andes.

Como siempre, les toca a los artistas hacer un proyecto en su país con muchos detractores porque nuestra gente y nuestra élite, a diferencia de la mexicana, son todavía muy provincianos en sus horizontes. El esfuerzo del alcalde y su esposa, que hacen estos proyectos, que es más una inversión por el país, un sacrificio que muchas veces les genera una salida, muchas veces con un todavía breve retorno, pero con especial amor de poner en nuestras paredes las imágenes de una época destinada a trascendernos. Ese es el valor de una exposición como esta, y la oportunidad para los amantes de la pintura de ver y oír a los pintores hablar de la relevancia de las temáticas que conversan con la realidad en ese gran diálogo que es la pintura, una imagen que habla y en ocasiones te grita.

Sin embargo, surge esta oportunidad de reencuentro de un artista exitoso en el sentido comercial y consolidado como maestro de pintura, con toda seguridad el último maestro de artes plásticas vigente (aún quedan algunos maestros, pero ya muy mayores, y después sigue una larga lista de obituarios que solo aumenta con los años), así que, entre los vivos, podríamos decir de Alcalde que es el último de los mohicanos. Lo suficientemente joven para esperar de él más obras, y lo suficientemente mayor para tener un absoluto dominio del ejercicio de su oficio. Es grato saber que su obra, dentro de lo posible, sea tratada con la deferencia posible. Octubre es un buen mes para su exposición; otra cosa, pura miopía sería colocarlo en enero, cuando todos están de vacaciones y las galerías se vuelven nidos de silencio. Muchas veces, entre los jóvenes pintores y los que están por emerger, el trato en cuanto a la disponibilidad de espacios se asemeja, de parte de algunas galerías, al cariño de una madrastra cruel. Es frecuente el lamentable ejercicio de las postergaciones, del arrinconamiento en los meses muertos, un pagar piso que parece nunca acabarse y que en el fondo mata todo horizonte de esperanza. Por fortuna de Dios, Alcalde es un maestro que goza del mínimo aprecio necesario de las instituciones peruanas, y aun cuando podría ser mejor el trato al último buque insignia de la pintura peruana, el esmero que él mismo y su esposa, la pintora Ivette Taboada, le dan en arriesgarse de su propio peculio el traslado de varias piezas de su exposición desde México a Perú, hace pensar en ellos dos como una pareja de pintores románticos que siguen apostando por su tierra. En una época de desengaño como la nuestra, apuestas como estas resultan valientes y desconcertantes. Y sin embargo, el pez nada contra la corriente.

La obra de Alcalde para esta muestra evidencia la escuela a la que pertenece, a la de una pintura crítica que recoge los estertores de la más amarga realidad. Su cuadro estrella, Gaza, es una muestra de la altura de su gramática visual cocinada en años de trabajo; en una cruz de Viernes Santo cuelgan las ropas de algún anónimo fallecido por el actual holocausto en proceso en Palestina. En un fondo de pesadilla salido de una visión de San Juan en su Apocalipsis, vemos una multitud agonizante en el dolor. Hay una sensación a azogue que se desprende de la imagen, un calor glacial e iracundo que arrasa el paisaje como enfermedad. Recuerda al famoso cuadro de Alcalde sobre la pandemia, en tanto este presenta la guerra asimétrica como enfermedad histórica, el exterminio de todo un pueblo en un holocausto en que la Cruz proclama la dimensión religiosa de Gaza: su sacrificio, su dolor como reflejo del dolor de Cristo. Quizá las ropas del gazatí desaparecido sean del mismo Cristo, y la ausencia del cuerpo de Cristo en la cruz solo nos redirecciona a la multitud sufriente como un Cristo hecho masa. Esto mismo recuerda al poema del peruano Vallejo, Masa. La metáfora entonces resulta perfecta: Dios ha bajado al mundo a ser crucificado por segunda vez en la carne de un pueblo; ha dejado colgando las ropas modernas para evidenciar la condición contemporánea de este dolor. La cruz nos obliga a ver desde la dimensión religiosa el sufrimiento de Gaza como sufrimiento religioso que trasciende los límites de una limitada visión secular. «Si ves el cuadro, notarás que incomoda», nos dice Alcalde, y ciertamente ello ocurre.

La propuesta estética y temática de Alcalde a lo largo de los años se circunscribe en el marco de una pintura comprometida con el dolor humano. Es también en el caso de Gaza una obra que se presenta por primera vez en el mundo, esto dentro de parte de la muestra que incluye inéditos de Alcalde; es esta obra un recordatorio de que la religión no es un juguete político, cosa que viene ocurriendo actualmente en la instrumentalización de la fe de parte de políticos chupacirios de dudosa catolicidad (piénsese en el sionista presidente de Colombia o el archijudaico turbocapitalista de Argentina), un recordatorio de que los misterios de la fe atestiguan, además de realidades trascendentes, la profundidad de la universalidad del sufrimiento humano que nos conmina el también universal deseo de justicia. Una pintura religiosa es en tanto más religiosa cuando en su temática opera la conmoción que nos produce una injusticia. El Cristo flagelado, el Cristo llevando la cruz, los soldados jugando sus ropas, la Virgen llorando el calvario de su hijo; todos estos son hechos que nos revuelven por la propiciación de una víctima inocente. Y ellos precisamente operan en GAZA de Alfredo Alcalde, en donde el cuerpo del Nazareno se transfiere al cuerpo de todo un pueblo. Porque todo sufrimiento es un hecho corporal y, por ende una realidad material que acontece en la Historia.

Una pintura tan crítica que recuerda a un Goya con sus fusilados del 2 de mayo, también por su natural incomodidad se puede prestar al temor de beatas y mojigatas, pregoneros del libre pensamiento que viven empuercadas en los estrechos límites de lo políticamente correcto. Una obra así es un desafío a la pintura limeña dominante, donde la formalidad de la técnica impera sobre la temática y en donde la ñoñez de la dictadura de los curadores, cual comisarios políticos de la corrección, ahoga todo atisbo de vida. Siendo así, un Humareda o un Vinatea o un Sabogal son imposibles en la plástica hegemónica limeña, por lo que la irrupción de Alcalde es una brisa de aire fresco por salirse de la norma de los artistas autocensurados y de los complacientes. Siendo así, cabe recordar que el mismo pintor Alcalde ha puesto como condición para su muestra en Lima que entre las pinturas a exponer esté Gaza, una cuestión de compromiso con lo que precisamente es la razón de la pintura misma: su humanidad.

Cabe también referir que una de sus obras preferidas, como es «Otredad», un cuadro muy comprometido, fue adquirido en México por el hermano de la cantante Verónica Castro. Lo mismo pasó con «Pandemia», adquirida a su vez por el socio de Slim. Por ello, esta es la oportunidad de ver una obra comprometida y a su vez tener la oportunidad de escuchar al mismo artista hablarnos de la relevancia del compromiso de la pintura. Y es que el arte es un hermoso pretexto para llegar a la humanidad y sensibilizar. También es una oportunidad de oro para el público peruano, ya que varias de las piezas (una decena) hasta hace poco expuestas en la Fundación Sebastián de México han sido prestadas para su muestra en Lima este 10 de octubre.

Para esta muestra se contará a su vez con un catálogo de las obras de 48 carillas a color. La muestra es una búsqueda por mantener en el provinciano escenario cultural limeño una pintura que despierte las inquietudes emocionales de un pueblo, y es que es fácil que bajo las actuales circunstancias la tentación por una amnesia cultural se dé. De ahí el rol social de la pintura. Visibilizar la violencia es vivibilizar la injusticia y revolver en las vísceras de nuestras consecuencias aquello que nos hace humanos. Si no, ¿para qué pintar?

Es también una forma de hacer actual algo que es noticia. Es mostrar al alma lo que la tecnología no puede alcanzar. Es una forma de reflejar la conmoción del drama que nos envuelve al mantener en contacto a las personas y los pueblos. Por lo que esta muestra en Perú está orientada a «dar».

El alcalde mismo se reconoce un discípulo de Sabogal y de los grandes maestros de la pintura peruana; «uno los recoge y los recuerda», nos señala con el pincel mojado en aguarrás. También nos dice que «pintar Gaza es ser un artista contemporáneo». La temática te hace contemporáneo, no la técnica. La técnica puede deslumbrar a los ojos, pero no al alma».

En definitiva, Gaza, que se presentará, junto a otras piezas de Alcalde, el 10 de octubre, será un cuadro geopolíticamente incorrecto e incómodo, esto en el preciso momento en que la política exterior peruana da un extraño giro al abstenerse en la reciente votación en la ONU para que Palestina participe en la Asamblea de la organización. Una abstención es una manera cómoda de cancelación, la manera en que los apáticos de espíritu, es decir, los cobardes, se esconden como quien posterga una muestra por temor al escándalo. Porque, como dice San Juan en su Apocalipsis, III 15-16, respecto a los tibios:

Scio opera tua: quia neque frigidus es, neque calidus; utinam frigidus esses aut calidus: sed quia tepidus es, et nec frigidus, nec calidus, incipiam te evomere ex ore meo.

Yo conozco tus obras, que ni eres frío ni caliente. ¡Ojalá fueses frío o caliente! Pero por cuanto eres tibio, y no frío ni caliente, te vomitaré de mi boca».

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Perujazz cierra 40 años de historia y se despide en el Gran Teatro Nacional

Hans Herrera Núñez

HANS HERRERA NÚÑEZ. (Lima, 1985). Vivió parte de infancia en Costa Rica, de regreso a Perú estudio Derecho en la Garcilaso y luego literatura. Se especializa en la obra de Roberto Bolaño y Chesterton. Ha colaborado con Dedo Medio y actualmente escribe en Lima Gris. También co-conductor del programa en radio Lima Gris de "Mirada Critica". Además ha aparecido en el celebrada película de ficción de Gustavo Meza, "Ciudad Ausente" (2015).

Cultura

Perujazz cierra 40 años de historia y se despide en el Gran Teatro Nacional

La emblemática agrupación, pionera en el diálogo entre el jazz, los ritmos afroperuanos y las raíces andinas, pondrá fin a cuatro décadas de trayectoria este 15 de octubre. Sus cinco integrantes continuarán sus carreras en proyectos personales.

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12 horas ago

25/09/2026

Redacción Lima Gris

Durante cuatro décadas, la agrupación convirtió el encuentro entre el jazz y las raíces musicales del Perú en un lenguaje propio, explorando los territorios de la improvisación, la tradición y la creación contemporánea. Ahora, después de 40 años de trayectoria, ha decidido cerrar su ciclo artístico con un concierto especial el próximo 15 de octubre en el Gran Teatro Nacional.

La presentación, denominada “Perujazz – 40 años de fusión viva”, reunirá a Manongo Mujica, Jean Pierre Magnet, Andrés Prado, César “Pudy” Ballumbrosio y Julio Zavala, actuales integrantes de la agrupación, para recorrer parte de un repertorio construido durante cuatro décadas.

El cierre de Perujazz no significa el retiro de sus músicos. Cada uno continuará desarrollando sus propios proyectos y búsquedas artísticas. Lo que concluye es una experiencia colectiva que marcó un capítulo singular de la música peruana y que convirtió la fusión en una posibilidad de creación y diálogo con el mundo.

Un lenguaje que abrió caminos

Fundado en Lima en 1984 por Manongo Mujica, Jean Pierre Magnet, Enrique Luna y Julio “Chocolate” Algendones, Perujazz nació a partir del encuentro de músicos que ya tenían trayectorias y búsquedas personales. Desde sus primeros años, la agrupación apostó por vincular la libertad de la improvisación jazzística con los ritmos y sonidos de la tradición peruana.

En esa búsqueda, la presencia de Julio “Chocolate” Algendones, músico vinculado a Perú Negro y al trabajo de Chabuca Granda, tuvo particular importancia. El cajón y otros elementos de la tradición afroperuana encontraron en el lenguaje de la agrupación un espacio para dialogar con el jazz y con nuevas formas de experimentación sonora.

La propuesta de Perujazz partió de una premisa que con los años se convertiría en una de sus principales señas de identidad: la tradición no tenía que ser entendida como un territorio inmóvil. Los sonidos peruanos podían transformarse, dialogar con otras expresiones musicales y proyectarse hacia nuevos públicos sin perder su vínculo con sus raíces.

En 1986, la agrupación inició su proyección internacional y, un año después, grabó en Italia su primer álbum, “Verde Machu Picchu”, registro de una búsqueda artística que posteriormente la llevaría a escenarios de América y Europa.

Una despedida con la música todavía en movimiento

La despedida ocurre, además, en un momento de plena actividad artística. El más reciente registro de la agrupación, “Perujazz en vivo – Gira Europea 2023”, fue realizado con apoyo de los Estímulos Económicos para la Cultura del Ministerio de Cultura y presentado durante una nueva gira europea respaldada por la Cancillería.

El álbum, editado por el sello español Vampisoul/Munster en formato digital y doble vinilo, recoge la energía de la agrupación en directo y estará disponible para el público el mismo 15 de octubre en el Gran Teatro Nacional.

La reciente gira incluyó una presentación en la Casa de América de Madrid, donde también se proyectó un minidocumental dirigido por Diego Cendra, además de conciertos en Budapest, Estocolmo, Madrid y Barcelona.

Así, el final de Perujazz no llega como una mirada exclusivamente retrospectiva. La agrupación se despide mientras su propuesta continúa circulando y encontrando nuevos espacios para una música construida desde la mezcla, la improvisación y la identidad.

Cuarenta años, una última noche

El concierto en el Gran Teatro Nacional reunirá a los cinco músicos para interpretar composiciones representativas de una trayectoria marcada por la exploración y el diálogo entre distintas tradiciones musicales.

Será también la oportunidad para que el público acompañe el último capítulo de una historia iniciada en 1984 y que contribuyó a ampliar las fronteras de la música peruana.

“Perujazz – 40 años de fusión viva” será, en ese sentido, una celebración y una despedida. Cuatro décadas después de aquella primera búsqueda, la agrupación cerrará su historia compartida dejando una obra que seguirá transitando por nuevos caminos a través de sus músicos y de las generaciones que encontraron en su propuesta una manera distinta de entender la música peruana.

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Cultura

El Silencio (Tystnaden, 1963), de Ingmar Bergman

Lee la columna de Rodolfo Acevedo Palomino

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15 horas ago

24/09/2026

Rodolfo Acevedo

Dos hermanas mantienen una relación cargada de hostilidades, resentimientos. Ester y Anna viajan en tren, de regreso a su país, en compañía del hijo de la segunda, Johan. A Ester la aqueja una rara enfermedad. Ahogos, debilidad, dificultad para hablar, le impiden continuar el viaje, por lo que los tres se ven forzados a hacer una parada en la ciudad de Timoka, un lugar extraño (casi onírico), cercano a un conflicto bélico. Anna no parece sentir compasión por su doliente hermana, y no esconde el gesto despreciativo, ni el fastidio de verse obligada por las circunstancias. Ester, por su parte, intentará recuperarse en el hotel, acercarse a su sobrino –uno de sus últimos actos-, y sobrellevar el menosprecio y los celos que siente por su voluptuosa hermana.

En la ciudad desconocida se habla un idioma incomprensible para las protagonistas. También es un paisaje desconcertante. Calles agitadas, atiborradas de gente yendo de un lado a otro, caballos decrépitos jalando carros, y tanques que aparecen patrullando en las noches. El lugar tiene un aire incómodo, como sitiado, como si estuviese a punto de entrar en crisis. (Y puede que también evoque alguna especie de borde, de lugar transitorio, donde purgar culpas o desatarlas).

En la habitación del hotel, Anna pasa mucho tiempo arreglándose, paseando (desnuda), preocupada por cual vestido usar, y muy fastidiada por el calor. En medio de su andar, se da tiempo para mimar a su hijo y dejar que el niño la admire. Una actitud hedonista gobierna su conducta, y una inquietud permanente, la hacen muy sensible a lo que percibe de los otros extraños. (El movimiento callejero, el clima, la visión de un coito en las penumbras de un teatro de variedades -eso la afecta de sobremanera). Ester no parece ofrecerle mucha resistencia a Anna. Debilitada, fuma, bebe, escucha música y habla sola. Así distrae el dolor. También revisa cosas de su trabajo –es traductora-, para no desplomarse. (Su hermana aborrece todo lo que tiene que ver con su trabajo. No soporta ese aspecto intelectual y racional de la vida. Y lo contrapone con su propia manera de existir: vital, desorganizada, física). Ester se encuentra sola, sino es por el viejo camarero del hotel que la atiende cada vez que está muy grave. Pero en general sus actos se cierran sobre sí misma, y repite una disciplina aprendida que la mantiene a flote, pero también la aísla. (Y justifica en cierto momento esa autosuficiencia, al decir que repudia el sexo con otros, porque huele a “pescado podrido”).

Las hermanas reducen sus relaciones a lo mínimo, al casi silencio. Cuando hablan, siempre surge el reproche y la agresión. Se miran cuando no están peleando -una más pendiente que la otra. Se vigilan -podría decirse-, pero también en esas miradas hay envidia y desprecio. Sus cuerpos se distinguen en el movimiento, en la actividad enérgica de Anna, frente a Ester, limitada en sus desplazamientos y a veces contraída. Pero esos movimientos intensos en una y sosegados hasta la parálisis en la otra, son también muestras de sus relaciones con el exterior y consigo mismas, y en ambas sus conductas las dirigen a la insatisfacción y al vacío. La incapacidad para construir un vínculo significativo que no fuera desesperado o instrumental (como el sexo en Anna), o la negación de la comunicación por falta de interés o simple asco hacia la vida mundana (en Ester).

Por su lado, Johan descubre, explora, pero no entiende mucho lo que observa. Su proceder es inocente, curioso, irresponsable hasta cierto punto. Él ve a los tanques detrás de la ventanilla del vagón, sin saber qué sucede. Y mira a su madre con deseo infantil, siempre que puede. Deambula por los pasillos del hotel, conoce a unos enanos actores, y juega un rato con ellos vestido de niña. También se acerca al viejo camarero, quien le muestra unas fotos (de su familia, suponemos), y entre ellas, una en particular, la de una muerta siendo velada. El niño no sabe lo que el anciano le dice, no lo entiende, pero algo tiene que ver con la condición de sobreviviente del viejo. (El camarero le obsequia las fotos. Al salir al corredor Johan escucha unos pasos, entonces decide esconder las imágenes bajo la alfombra. ¿De quién son esos pasos?). El niño está asombrado del mundo a su alrededor, conociéndolo sin prejuicios, sin intenciones preestablecidas. Pero Johan no está solo, depende de la autoridad materna (el padre, siempre de viaje, es una figura muy lejana, casi fantasmal). Anna limita el alcance de las incursiones de su hijo, así como interviene en su relación con Ester. (La tía le entregará a su sobrino una carta con dos palabras escritas en su interior, dos palabras aprendidas del idioma de Timoka. Un gesto agónico que intentará preservar su relación).

La muerte es una presencia fuerte en la película de Bergman. Está detrás de los tanques que aparecen durante el recorrido en tren o en medio de la calle, como un aviso de lo que podría suceder. Es la muerte la que ronda a Ester en su enfermedad, y lo que la hace tomar conciencia de su final, mientras Anna la abandona, después de su última discusión. Y algo parecido a la muerte, está en la destrucción del frágil vínculo que une a las protagonistas, en su incomunicación, y en el silencio en que transcurre la mayor parte de la película. La muerte, su amenaza, o como metáfora de la crisis de la convivencia humana, es el elemento que asedia unas relaciones vacías de fundamento, o de fe (en un Dios), según lo plantea Bergman. Por todo ello, a pesar de breves gestos vistos en el filme, no parece haber nada que redima a sus criaturas, ni siquiera la inocencia de un niño, finalmente sometido por su madre egoísta.

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Cultura

Desnudoteatro presenta obra experimental «Sentir»

Miguel Blásica presenta unipersonal con una propuesta cruda que cuestiona y resignifica lo sagrado. Dos funciones.

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19 horas ago

24/09/2026

Redacción Lima Gris

Desnudoteatro vuelve a las tablas con SENTIR, obra abstracta y experimental que refleja una cruda realidad humana donde el cuerpo es una herramienta de devoción y destrucción.

En un mundo que se reconfigura en la violencia y la locura, SENTIR propone una inmersión en los símbolos sagrados para cuestionarlos y revalorizarlos como elementos de poder social, cultural y político.

De esta forma, SENTIR se presenta como una búsqueda inconsciente de un asomo de coherencia y de la función del mito más allá de las formas y prácticas con lo que se concibe la religiosidad.

Con la actuación unipersonal y dirección escénica de Miguel Blásica, la obra establece y rompe simbólicamente el diálogo entre tradición y modernidad, mientras pone en cuestión la resignificación de símbolos populares.

La propuesta experimental apela a lo sagrado, no solo como baluarte de un país y sociedad, sino como parte de un alfabeto donde confluyen fe, sufrimiento, éxtasis, dolor, suplicio, soledad, vida, muerte y esperanza.

SENTIR es resultado de un largo proceso de creación, donde lo artístico participa como elemento vital en la concepción de la memoria y la historia de los pueblos.

La obra se enmarca en una propuesta de largo aliento que Desnudoteatro ha trabajado durante más de 30 años por intervenir el cuerpo-símbolo y superar los límites convencionales de la interpretación y reinterpretación.

Con un enfoque que nace desde lo artístico para cuestionarlo, la obra presenta escenas de violencia simbólica que pueden inquietar a algunas audiencias. Por ello, la puesta en escena está dirigida a un público mayor de edad.

SENTIR tendrá dos presentaciones: sábados 24 y 31 de octubre a las 7:30 p.m. en el local del Auditorio SITENTEL – Jr. Mariano Carranza 498, Santa Beatriz, (frente a América Televisión).

Las entradas para la función de SENTIR tienen un costo de 25 Soles preventa (hasta viernes 16), luego el precio será 30 soles. Se pueden adquirir mediante mensaje a las redes de Desnudoteatro (en Instagram), Miguel Blásica – actor (en Facebook), al 991 042 451 (WhatsApp) o al correo: [email protected]

Para entrevistas o mayor información, contactar al 991 042 451 (Miguel Blásica)

Fechas: 24 y 31 de octubre

Hora: 7:30 pm

Duración: 1 hora

Lugar: Auditorio SITENTEL – Jr. Mariano Carranza 498, Santa Beatriz, (frente a América Televisión).

Entrada general: 25 soles

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Cultura

Svetlana Smolina, una de las grandes pianistas rusas, llega a Lima para un único recital

La reconocida intérprete, elogiada por su intensidad, precisión y riqueza sonora, se presentará el 26 de octubre en el Teatro Municipal de Lima, como parte de la Temporada 2026 de TQ Producciones.

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2 días ago

23/09/2026

Redacción Lima Gris

De los grandes escenarios de Europa, Estados Unidos y Asia a Lima. La pianista rusa Svetlana Smolina llegará al Perú para ofrecer un único recital el próximo 26 de octubre en el Teatro Municipal de Lima, en el marco de la Temporada 2026 de TQ Producciones.

La presentación permitirá al público peruano acercarse al trabajo de una intérprete cuya trayectoria internacional la ha llevado a compartir escenario con algunas de las principales orquestas del mundo y a presentarse en reconocidas salas de concierto.

A lo largo de su carrera, Smolina ha actuado junto a la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta del Teatro Mariinsky, la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta Nacional de Francia y la Filarmónica de Róterdam, entre otras agrupaciones. Su recorrido también incluye escenarios como la Royal Opera House de Londres, el Mozarteum de Salzburgo, el Carnegie Hall de Nueva York y el Hollywood Bowl de Los Ángeles.

Durante 2026, la pianista ha mantenido una intensa agenda internacional con presentaciones en Estados Unidos, Sudamérica y Europa, antes de continuar su temporada con su esperado recital en la capital peruana.

Su interpretación ha recibido elogios de diversos medios especializados. The New York Times destacó su capacidad para construir un “piano tempestuoso, que respiraba”, mientras que Los Angeles Times la calificó como una “pianista excepcional, de tono suntuoso”. Por su parte, el Herald Tribune de Londres resaltó los efectos de sus interpretaciones y su capacidad para conducir al público hacia una experiencia de gran intensidad. El medio ruso Zapolyarnaya Pravda llegó a definirla como “un verdadero milagro”.

La trayectoria discográfica de Smolina también forma parte de su reconocimiento internacional. Sus grabaciones han sido publicadas por Universal Music, Warner Music y Pentatone, mientras que su registro de Les Noces, de Ígor Stravinski, bajo la dirección de Valery Gergiev, recibió un International Classical Music Award.

Ganadora del Concurso Internacional de Piano Città di Senigallia, en Italia, y del Concurso Murray Dran de dos pianos, Smolina también desarrolla una importante labor pedagógica. Desde 2011 dirige el Programa de Piano del Philadelphia International Music Festival y forma parte del cuerpo docente de piano del Irvine Valley College, en California. Anteriormente enseñó en el Kaufman Music Center de Nueva York.

A esta trayectoria se suma un nuevo reconocimiento. Este año, la Academia de la Grabación, organización responsable de los premios Grammy, la invitó a incorporarse como miembro votante, en reconocimiento a su trayectoria artística y a sus contribuciones a la comunidad musical internacional.

En Lima, el público tendrá la oportunidad de escuchar a Smolina en un recital que tendrá como protagonistas la técnica, la expresividad y la intensidad interpretativa que han marcado su carrera en los principales escenarios internacionales.

Información para los compradores

Las entradas para el recital de Svetlana Smolina ya se encuentran a la venta a través de Ticketmaster.

Los espectadores que adquirieron entradas para el concierto de Daniil Trifonov, inicialmente programado para el 26 de octubre, podrán utilizar sus boletos para asistir al recital de Smolina y conservarán los mismos asientos. También podrán optar por solicitar la devolución total de su compra.

Para elegir entre ambas alternativas, los compradores deberán registrar su decisión hasta el 6 de octubre de 2026 mediante el formulario habilitado por la organización. Quienes confirmen su asistencia al recital de Smolina conservarán sus entradas y no podrán solicitar posteriormente el reembolso.

En caso de optar por la devolución, esta se realizará a través del mismo medio de pago utilizado para adquirir las entradas. Los plazos correspondientes pueden consultarse en la información oficial de Ticketmaster sobre formas y plazos de devolución.

Si el comprador no completa el formulario hasta el 6 de octubre de 2026, Ticketmaster procederá automáticamente con el reembolso de la compra.

El dato

Recital: Svetlana Smolina
Lugar: Teatro Municipal de Lima (Jr. Ica 377, Centro Histórico de Lima)
Día: 26 de octubre
Hora: 8:00 p. m.

Preventa BBVA: 23 de septiembre

Venta general: 24 de septiembre
Entradas en Ticketmaster

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Cultura

Luis Fernando Aspajo: “La literatura amazónica está en constante evolución”

Luis Fernando Aspajo Pozo, escritor y poeta amazónico, natural de Iquitos y docente de primaria, cuenta cómo nació su vínculo con la escritura, las dificultades que ha enfrentado en su camino literario y su experiencia difundiendo la literatura amazónica en diferentes partes del Perú. Además, nos habla de su primer grupo literario «Sinfonía del Ensueño».

Published

2 días ago

23/09/2026

Redacción Lima Gris

Por Mónica Aguilar Obregón

La literatura también puede nacer en las aulas, crecer en las calles y encontrar en el contacto cotidiano con la gente una fuente permanente de inspiración. Desde Iquitos, Luis Fernando Aspajo Pozo ha construido su camino como escritor y poeta amazónico entre la docencia, la escritura y la difusión cultural, llevando sus libros y la literatura de la selva a distintas ciudades del país.

Natural de Iquitos, Luis Fernando Aspajo Pozo es docente de primaria, escritor y poeta amazónico. Su acercamiento a la literatura comenzó desde los 13 años, cuando estudiaba en el Colegio César Vallejo de la capital loretana y participaba en actividades de lectura y declamación, desde entonces, ha desarrollado una trayectoria vinculada a la escritura y a la difusión de la literatura amazónica en distintos lugares del país.

En esta conversación con Lima Gris, recuerda sus primeros acercamientos a la poesía, a los escritores que marcaron su formación, las dificultades de dedicarse a una actividad que todavía enfrenta prejuicios y lo que significa para él asumirse como un “escritor de la calle”.

Luis Fernando, ¿Cómo nació tu vínculo con la escritura y qué circunstancias lo llevaron a descubrir que quería expresarse a través de las palabras?

Mi vínculo como escritor comenzó a partir de los 13 años, cuando me encontraba estudiando en el Colegio César Vallejo, un colegio particular de la ciudad de Iquitos. Justamente ahí nos inculcaron la lectura de las obras de nuestro vate peruano, así como la declamación. En el aniversario del colegio, siempre participaban estudiantes de diferentes grados, quienes realizaban declamaciones y leían sobre la vida y obra de César Vallejo.

Y además de eso, para mí fue parte como una formación académica y durante todo el proceso que ha ido pasando los años en el colegio, yo participé internamente en mi aula, en Iquitos grado B, donde ahí con un conjunto de compañeros fuimos escogidos y, por un poema que había escrito, inspirado en una amiga, participé en un concurso y gané. Es así que partir de ese momento, nace mi vínculo con la escritura comenzando a ser un poco más formal.

Y durante todo este tiempo me he dedicado a escribir, he viajado llevando la literatura amazónica a diferentes rincones del país y, de esa manera, también difundiendo la parte cultural.

Foto: Diario La Región.

¿Y qué experiencias de tu vida en la calle influyeron en tu manera para escribir y en los temas que abordas?

Lo que influyó mucho fue la realidad que existe en el Perú, una realidad en la que el hombre de la selva es menos visto o, en algunos casos, mal visto. No todos lo consideran así, pero existe la percepción de que es una persona que no tiene un pensamiento progresista ni aspiraciones de alcanzar grandes cosas.

Pero, sin embargo, he viajado por Arequipa, Tacna, Juliaca, Puno, Puerto Maldonado, he estado difundiendo la literatura amazónica por esos sitios y también dando a conocer que la literatura amazónica está en constante evolución y que muchos piensan que no hay escritores, no hay poetas en la selva, totalmente equivocado. Hay escritores, hay poetas, sino lo que pasa es que en la capital todo brilla, pero no dan la oportunidad a otros escritores y poetas referentes en la zona selva.

Es por eso que algunos se atreven a salir de Moyobamba o de Iquitos o de Pucallpa hacia la capital para darse a conocer y es una manera como marquetearse también, vendiendo sus libros por la Plaza o por Miraflores, yendo por restaurantes y de esa manera uno se hace conocido vendiendo sus libros y contando sus experiencias a lo largo de sus vidas.

¿Cuál fue el primer texto, poema o historia que escribiste? ¿Y qué significó dar ese primer paso?

Ese primer paso lo di cuando yo estudiaba la carrera de educación primaria en el pedagógico, es allí que con un grupo de compañeros nos reunimos, formamos un grupo poético llamado “Sinfonía del Ensueño”, con seis integrantes, y solamente tres estudiábamos ahí y el resto eran de otras carreras.

Así nació la idea de formar el grupo “Sinfonía del Ensueño”, donde nosotros escribíamos, declamábamos, compartíamos nuestros pensamientos a través de poemas, y ahí nació este grupo y de ahí nos unimos para trabajar en el proyecto para publicación de nuestros libros. Así fue donde yo participé en ese convenio poético con el libro “Comisión de un Espejismo”.

¿Y quiénes fueron las personas que más influyeron en sus primeros años como escritor?

Me influenciaron, escritores de la zona donde vivo en Iquitos, fueron Arnaldo Panaifo Teixeira, Germán Lequerica, Carlos Reyes, también un escritor muy conocido como Fernando Fonseca, y también un gran amigo mío que ya falleció, Roger Walter, gran escritor, ellos me influenciaron mucho en la parte de la literatura amazónica y ellos conforman también un grupo literario que se llama “Javier Heraud”

¿Y tuvo algunas dificultades que enfrentar cuando decidió dedicarse a escribir y cómo consiguió mantenerse firme en ese camino?

La dificultad es que un escritor, poeta o artista vive a diario en una sociedad que muchas veces considera que estas actividades no forman parte de una actividad económica pujante ni generan un aporte significativo a la economía. Más bien, se las ve como actividades vanas, que no generan ingresos ni son consideradas un trabajo, como puede ser la docencia, una carrera profesional o el comercio, actividades que sí generan ingresos y permiten pagar impuestos.

Pero a un poeta o escritor no lo miran bien, lo miran como si fuera un mendigo, un vagabundo que anda trotando por la calle sin rumbo y sin sentido.

¿La calle ha sido para usted una fuente de inspiración, una escuela de vida o también un espacio de confrontación?

Yo lo tomo como una forma de vivir, de experimentar y de compartir experiencias con otras personas. De esa manera, uno aprende y también permite que la otra persona aprenda.

Pero yo no me incorporo al lado confrontacional, porque uno no busca chocar con otras personas. A veces puedes encontrarte con un grupo de gente que, sin darse cuenta, también está chocando con personas de poder, con gente de la élite, y eso no les gusta ni les conviene. Sobre todo, cuando alguien está haciendo algo en beneficio de la educación y la cultura, más que todo por los niños y las niñas que están estudiando primaria o secundaria.

Uno busca lo que es la innovación, la creatividad y cuando uno va innovando, va creando, uno va mostrando que tiene otra mentalidad, otra visión de ver las cosas y también las formas de hablar, como también se expresa.

¿Y qué realidad de la sociedad considera que la literatura escrita desde la calle puede mostrar que muchas veces permanece invisible?

Al andar por la calle, tú puedes encontrar muchas cosas y también muchas sorpresas. Estar ofreciendo unos libros de esta manera es una forma de relacionarse con otras personas, de compartir con ellas y, desde el lugar de donde yo vengo, contarles un poco sobre mi tierra. También es una forma de invitar a las personas a conocer el lugar de donde provengo, que vayan por Moyobamba, Iquitos o Pucallpa, para que tengan otra perspectiva, otro concepto.

Porque cuando uno viene a la capital, desde allá, desde donde yo vengo, siempre dicen: “No, es miserable, es malo,”. Pero cuando uno viene realmente acá, a Lima, se da cuenta de que sí hay apoyo, hay una hermandad, no es como uno piensa, tenemos un concepto muy equivocado, tanto en la selva como en la costa, porque nuestras realidades son muy diferentes.

Y después de todo lo vivido, ¿qué significa hoy para usted ser un escritor de la calle? ¿Qué mensaje quisiera dejar a quienes recién comienzan a escribir?

Ser un escritor en la calle, justamente, es ser una persona que puede ser incomprendida, marginada, puesta a un costado y no siempre bien vista por la sociedad. A pesar de que algunas personas no lo aceptan, lo rechazan o le dan la espalda, uno mantiene esa convicción, esa impetuosidad y también bastante prudencia en las cosas que está haciendo.

Por eso, uno mantiene la convicción de que lo que está haciendo no es solamente para uno mismo, sino para todos. Es demostrar que se pueden cambiar muchas cosas, siempre que el cambio empiece primero en uno y después en los demás. De esa manera, uno va sembrando y, a lo largo del tiempo, llega la cosecha.

Y si pudiera volver al momento en el que escribió sus primeras líneas, ¿qué le diría a aquella persona que todavía no sabía a dónde podían llevar sus palabras?

Lo que yo diría es que no tenga miedo, porque hay una frase que dice: “El que no arriesga, no gana”.

Uno tiene que pensar que quien arriesga puede conseguir el éxito, porque si no hubiera fracaso, tampoco habría éxito. Una persona tiene que equivocarse, porque al equivocarse también está aprendiendo durante el proceso.

Uno tiene que habituarse a seguir adelante sin miedo. ¿Por qué? Porque puede lograr muchas cosas, aun sabiendo que en su mente y en su corazón existen dudas, temor y miedo por el qué dirán. Hay personas en el camino que te juzgan, otras que no lo hacen y también están aquellas que te dan ánimo. Incluso hay personas hipócritas en el camino.

Entonces, en el camino siempre se encuentra todo tipo de gente: personas que te van a apoyar y otras que no. Pero eso no debe ser motivo para desanimarse; al contrario, es un motivo más que impulsa a seguir caminando día a día.

Cuando una persona desea lograr un objetivo, ya sea publicar un libro o desarrollar algún proyecto, debe hacerlo pensando también en el beneficio de los demás.

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Cultura

La persistencia del oficio: Ecuador y Perú reivindican el arte figurativo

Cinco artistas de Ecuador y Perú se reúnen en Quito para reivindicar el dibujo, la pintura figurativa y el dominio técnico como herramientas vigentes de creación, reflexión y expresión contemporánea. La exposición se inaugura el 16 de octubre en el Centro Cultural Benjamín Carrión La Mariscal.

Published

3 días ago

22/09/2026

Redacción Lima Gris

El dibujo, la pintura figurativa y el dominio de la técnica encuentran un nuevo punto de encuentro entre Ecuador y Perú. Bajo esa premisa, el Centro Cultural Benjamín Carrión La Mariscal, en Quito, acogerá desde el próximo 16 de octubre la exposición La Persistencia del Oficio: exposición de arte figurativo Ecuador–Perú, una muestra que reúne a cinco artistas cuyas obras reivindican el valor del estudio, la observación y la práctica rigurosa en la creación artística.

Paúl Calderón, Armando Requena, Marcelo Castro, Diego Rodríguez (DARO) y Juan Carlos Jurado Reyna participan en esta exposición con propuestas que, aunque transitan por diferentes temas y sensibilidades, tienen como punto de encuentro una sólida formación técnica. El estudio del cuerpo y la anatomía, el manejo de la luz y la sombra, la perspectiva y la construcción del espacio son algunos de los elementos que atraviesan sus obras.

La exposición plantea así una reflexión sobre el oficio artístico entendido no solo como dominio técnico, sino también como disciplina, conocimiento y perseverancia. En tiempos en que las fronteras del arte contemporáneo se amplían constantemente, la muestra propone volver la mirada hacia prácticas que requieren tiempo y aprendizaje, demostrando que la pintura figurativa continúa dialogando con la experimentación y las búsquedas estéticas de la actualidad.

En la obra de Diego Rodríguez (DARO), la tradición del arte sacro se encuentra con una sensibilidad contemporánea. Sus figuras, cargadas de dramatismo y contenida expresividad, exploran asuntos como el dolor, la pérdida y la trascendencia. En sus composiciones, la luz y la sombra dejan de ser únicamente recursos técnicos para adquirir una dimensión simbólica.

Armando Requena encuentra en el retrato un territorio para explorar la dimensión emocional y psicológica de sus personajes. Su aproximación al realismo académico y su minuciosa atención al detalle permiten que los rostros representados trasciendan la reproducción física y planteen una mirada sobre la dignidad, la identidad y la condición humana.

El paisaje ocupa un lugar central en la propuesta de Marcelo Castro. Volcanes, montañas, valles y lagunas de la geografía andina aparecen construidos a partir de la luz y la atmósfera. Sus paisajes adquieren una dimensión contemplativa y buscan conducir al espectador hacia una experiencia que supera la representación de la naturaleza para aproximarse a una idea de lo sublime.

En las pinturas de Paúl Calderón, las escenas parecen continuar más allá del instante capturado por el artista. Los gestos de sus personajes, los ambientes y las composiciones construyen narrativas silenciosas que dejan espacio para la interpretación y llevan al espectador a imaginar qué sucede detrás de las miradas, los cuerpos y los espacios representados.

Juan Carlos Jurado Reyna, por su parte, desarrolla una pintura marcada por el claroscuro y el simbolismo. Sus obras transitan entre zonas de luz y oscuridad para construir atmósferas cargadas de misterio, donde aparecen preguntas relacionadas con la muerte, lo sagrado, el miedo, la fragilidad y la existencia.

Más que una reivindicación nostálgica de la pintura académica, La Persistencia del Oficio propone observar cómo el conocimiento técnico puede convivir con las inquietudes del presente. La muestra establece, de este modo, un diálogo artístico entre Ecuador y Perú y recupera una tradición vinculada con los primeros pintores de la República y con el desarrollo de la enseñanza académica del arte en ambos países.

Cinco artistas, cinco aproximaciones y una misma preocupación atraviesan la exposición: reivindicar el tiempo que demanda aprender a mirar, dibujar y pintar. En esa persistencia se encuentra, precisamente, la vigencia de un oficio que continúa buscando nuevas formas de representar la experiencia humana.

Datos de la exposición

Exposición: La Persistencia del Oficio: exposición de arte figurativo Ecuador–Perú
Inauguración: viernes 16 de octubre de 2026, a las 17:00 horas
Duración: del 16 de octubre al 18 de diciembre de 2026
Lugar: Centro Cultural Benjamín Carrión La Mariscal, Jorge Washington E2-43 y Ulpiano Páez, Quito
Artistas: Paúl Calderón, Armando Requena, Marcelo Castro, Diego Rodríguez (DARO) y Juan Carlos Jurado Reyna
Organizan: La Galería del Diablo y Córax Ediciones

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Cultura

IBP obtiene 10 premios, lidera en primeros puestos y suma 10 años consecutivos de triunfos en “Concurso Nacional Pianistas del Futuro”

Con cinco primeros puestos, tres premios especiales y una década de reconocimientos consecutivos, la Escuela de Música IBP volvió a destacar en el Concurso Nacional “Pianistas del Futuro”. Ocho de sus estudiantes obtuvieron diez premios en las cuatro categorías, confirmando el crecimiento de una nueva generación de jóvenes pianistas formados en sus sedes de Lima, Tarapoto y bajo modalidad virtual.

Published

6 días ago

19/09/2026

Redacción Lima Gris

La Escuela de Música IBP obtuvo 10 premios con ocho estudiantes en las cuatro categorías del XI Concurso Nacional “Pianistas del Futuro”, realizado del 10 al 12 de septiembre en Trujillo, consolidándose como la institución con más primeros puestos de esta edición. Entre los reconocimientos obtenidos destacan cinco primeros puestos, incluyendo premios especiales a la Mejor Obra Peruana, y diez años consecutivos de primeros puestos y máximos reconocimientos en esta competencia.

Los resultados fueron obtenidos por estudiantes de las sedes Tarapoto, Miraflores y San Miguel, además de la modalidad virtual. Asimismo, los 13 integrantes del Club de Campeones IBP que participaron lograron clasificar a la etapa final, como parte de los 45 participantes que llegaron a esta instancia de los 56 pianistas que participaron en el concurso, provenientes de diferentes regiones del Perú.

El certamen contó con un jurado internacional integrado por Manuel Matarrita (Costa Rica), Margarita Troetsch (Panamá) y Christian Restrepo (Colombia), quienes evaluaron el desempeño técnico, interpretativo y artístico de los participantes. La etapa semifinal se realizó el viernes 11 y la final el sábado 12 de septiembre en el Teatrín Virgilio Rodríguez Nache.
“Quiero agradecer grandemente a todo el equipo compuesto por padres, estudiantes, administrativos y formadores de IBP, quienes trabajaron arduamente para lograr este objetivo. Esta vez conseguimos 10 premios con 8 estudiantes en las 4 categorías del concurso. Estos resultados son fruto del trabajo constante de nuestro equipo de formación”, señaló Fidel R. Castro, director y formador de piano de IBP.

El director, quien lidera el Club de Campeones IBP, destacó también el trabajo realizado junto a los formadores Flor Ramírez y Jhocell Mego, quienes este año se sumaron al proceso de preparación y acompañaron a estudiantes que también obtuvieron reconocimientos en el concurso. Entre ellos se encuentran Abril Cedillo, estudiante de Jhocell Mego, y Eizan Santa Cruz y Pía Torres, estudiantes de Flor Ramírez.

Entre las historias que acompañan estos resultados se encuentra la de José Vázquez, de la sede Tarapoto, quien lleva cinco participaciones en este concurso. Después de obtener menciones de honor, terceros y segundos puestos a lo largo de estos años, alcanzó en esta edición el Primer Puesto de la Categoría C.

Valeria Granda, de la sede Miraflores, ya había obtenido el Primer Puesto en la Categoría A. En esta oportunidad volvió a conseguir el Primer Puesto, esta vez en la Categoría B, y recibió además el Premio Especial a la Mejor Obra Peruana.

Por su parte, Cristopher Cano, estudiante de la sede Miraflores, llegó a Lima desde Cusco con el objetivo de formarse como pianista en IBP. En esta edición obtuvo el Tercer Puesto de la Categoría D y el Premio Especial a la Mejor Obra Peruana.

Estos resultados también reflejan el camino de otros estudiantes que han pasado por este concurso y que actualmente continúan desarrollando su carrera musical, varios de ellos estudiando en Estados Unidos con becas integrales.

Con esta edición, la Escuela de Música IBP suma 379 premios nacionales e internacionales y alcanza 10 años consecutivos obteniendo primeros puestos y máximos reconocimientos en el Concurso Nacional “Pianistas del Futuro”.

Detalle de los premios

Categoría A

Valeska Gómez — Primer Puesto — Sede Tarapoto
Eizan Santa Cruz — Tercer Puesto — Sede Tarapoto
Pía Torres — Mención de Honor — Sede Tarapoto

Categoría B

Valeria Granda — Primer Puesto — Sede Miraflores
Valeria Granda — Premio Especial a la Mejor Obra Peruana — Sede Miraflores
Juliette Navarro — Tercer Puesto — Sede Miraflores

Categoría C

José Vázquez — Primer Puesto — Sede Tarapoto
Abril Cedillo — Tercer Puesto — Sede Miraflores

Categoría D

Cristopher Cano — Tercer Puesto — Sede Miraflores
Cristopher Cano — Premio Especial a la Mejor Obra Peruana — Sede Miraflores

Finalistas

Julieta Ruiz — Sede Tarapoto
Kendra Castillo — Sede Tarapoto
Leonardo Flores — Sede Miraflores — procedente de Ayacucho
Ella Espirilla — Modalidad virtual — Cusco
Mateo Loayza — Sede San Miguel

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Cultura

“Póntelo en la Lengua” cumple 30 años y vuelve al vinilo para celebrar su lugar en el rock peruano

El segundo álbum solista de Pedro Suárez-Vértiz, publicado en 1996 y convertido en uno de los discos más populares de la música peruana, tendrá una edición limitada de 500 vinilos y estrenará 14 visualizers oficiales, elegidos por sus propios seguidores.

Published

1 semana ago

17/09/2026

Redacción Lima Gris

Tres décadas después de su lanzamiento, Póntelo en la Lengua vuelve a ocupar un lugar central en la memoria musical de varias generaciones. El segundo álbum solista de Pedro Suárez-Vértiz celebra sus 30 años con una edición especial en vinilo y una nueva propuesta audiovisual que permitirá reencontrarse con las 14 canciones que forman parte de uno de los discos más emblemáticos del rock peruano.

La celebración comienza hoy, 17 de septiembre, con el inicio de la preventa de una edición limitada de 500 unidades en vinilo, la primera publicación en este formato dentro de la carrera solista de Pedro Suárez-Vértiz. La propuesta está concebida como una pieza de colección para los seguidores de una obra que, desde su aparición en 1996, consiguió convertirse en parte de la banda sonora de una generación.

Póntelo en la Lengua llegó en un momento particularmente complejo para la industria musical peruana, marcado por la expansión de la piratería física. Pese a ese escenario, el álbum superó las 40 mil copias vendidas, una cifra que evidenció el impacto alcanzado por Suárez-Vértiz entre el público peruano.

Temas como Los Globos del Cielo, Me Estoy Enamorando, Te Siento de Solo Pensar y Mi Auto Era una Rana se instalaron rápidamente en las radios y contribuyeron a consolidar la carrera del músico como una de las figuras más populares de la escena nacional. El éxito del álbum no solo se midió en ventas, sino también en la permanencia de sus canciones en la memoria colectiva.

El alcance de aquella producción también trascendió las fronteras peruanas. Los Globos del Cielo, una de las canciones más reconocidas del disco, fue incluida por Billboard entre las 25 obras maestras atemporales del rock en español. Tres décadas después, el catálogo de Pedro Suárez-Vértiz mantiene una importante presencia en las plataformas digitales, con más de 130 millones de reproducciones y certificaciones Diamante + Oro, según la información difundida con motivo de este aniversario.

La celebración tendrá además una dimensión audiovisual. Las 14 canciones de Póntelo en la Lengua contarán con visualizers oficiales que serán estrenados progresivamente. En una particular forma de involucrar a quienes mantuvieron vigente el álbum durante estos 30 años, fueron los propios seguidores quienes participaron en la elección del orden de lanzamiento de las piezas audiovisuales.

Los primeros tres visualizers estarán disponibles desde hoy, mientras que los restantes serán publicados progresivamente. La iniciativa busca recuperar las canciones desde una perspectiva contemporánea y acercarlas también a nuevas generaciones que han descubierto la obra de Suárez-Vértiz a través de las plataformas digitales.

La edición en vinilo representa, así, una nueva etapa para un álbum que nació en la década de los noventa y que ha conseguido mantenerse vigente en un escenario musical completamente distinto. El formato físico, esta vez convertido en objeto de colección, permite recuperar la experiencia de escuchar un disco completo y, al mismo tiempo, preservar parte de la historia de la música popular peruana.

Treinta años después, Póntelo en la Lengua no solo regresa en un nuevo formato. También vuelve a ser revisitado desde otras plataformas y por nuevas audiencias. Entre vinilos y visualizers, el aniversario propone reencontrarse con un repertorio que marcó una época y que continúa formando parte de la memoria musical del Perú.

Preventa: los seguidores pueden acceder a la edición especial en vinilo a través de los canales oficiales de Póntelo en la Lengua.

https://www.youtube.com/channel/UC9i0nxmIE9sN62Ra18ZtSkQ

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