Los Velit en el Callao: dos generaciones que pintan un mismo puerto

Arte Los Velit en el Callao: dos generaciones que pintan un mismo puerto La exposición bipersonal de Miguel Ángel Velit y su hijo Bruno reúne memoria, identidad, humor y cultura popular en el Museo de Arte e Historia del Callao. La propuesta incluye talleres gratuitos de dibujo y cómic para niños…

Arte

La exposición bipersonal de Miguel Ángel Velit y su hijo Bruno reúne memoria, identidad, humor y cultura popular en el Museo de Arte e Historia del Callao. La propuesta incluye talleres gratuitos de dibujo y cómic para niños de la comunidad chalaca.

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11 segundos ago

13/11/2026

Redacción Lima Gris

El Callao tiene muchas formas de contarse, pero pocas tan coloridas como las que proponen Miguel Ángel Velit y su hijo Bruno. “Rompecabezas urbano del Callao: Tributo al cómic urbano” reúne las obras de dos generaciones de artistas que comparten un territorio, aunque lo recorren desde miradas diferentes.

La exposición, inaugurada el viernes 6 de noviembre en el Museo de Arte e Historia del Callao, convierte al primer puerto en escenario de historias, personajes, barrios, paisajes y recuerdos. En las obras de Miguel Ángel Velit aparecen la memoria, la identidad y la vida cotidiana chalaca; mientras que Bruno incorpora la fantasía, el humor y los personajes vinculados con la animación, el cómic y la cultura popular.

El resultado es un particular rompecabezas visual en el que cada pieza representa una manera distinta de entender el Callao. Son dos lenguajes que no compiten, sino que dialogan y construyen un puente afectivo entre padre e hijo.

La propuesta también busca acercar el arte a las nuevas generaciones. Durante los fines de semana, Miguel Ángel Velit y Bruno Velit ofrecerán talleres gratuitos de dibujo y cómic dirigidos a los niños de la comunidad chalaca, con el objetivo de despertar su creatividad y brindarles herramientas para expresarse a través de la imagen.

La muestra tiene, además, un componente especialmente significativo para Velit. Durante los últimos tres meses, el artista trabajó en una pintura dedicada al papa León XIV, obra que acaba de concluir y que forma parte de este momento creativo.

La trayectoria reciente del artista también ha trascendido las fronteras del Perú. En octubre, Miguel Ángel Velit fue invitado a participar en el Pabellón Peruano de la Bienal BIARCO, en Colombia, junto con otros doce destacados pintores peruanos. El colectivo nacional obtuvo el reconocimiento como mejor grupo de artistas de la bienal, consolidando la presencia del arte peruano en este importante encuentro internacional. “Rompecabezas urbano del Callao” es, finalmente, mucho más que una exposición. Es memoria, identidad y fantasía reunidas en un mismo espacio; pero, sobre todo, es la historia de un padre y un hijo que encontraron en el dibujo y la pintura una manera de compartir el territorio que los une y proyectarlo hacia nuevas generaciones.

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El artista Bruno Zeppilli en la Galería Forum

Redacción Lima Gris

Cine

Tony Gatlif, Hacia un cine de la celebración

Lee la columna de Rosa Cáceres

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26 minutos ago

13/11/2026

Redacción Lima Gris

Por Rosa Cáceres

El pasado 2 de septiembre de este año, ha dejado la existencia terrenal, Tony Gatlif el gran cineasta de origen argelino, quien deja tras de sí una concepción del cine revolucionaria y difícilmente igualable. Su obra constituye una experiencia estética y política que resulta necesario revisar en estos tiempos de pesadilla digital totalizadora, cuando las imágenes parecen multiplicarse indefinidamente mientras pierden, paradójicamente, su capacidad de establecer un vínculo profundo con la experiencia de lo real.

Gatlif, nacido en Argelia en 1948, no solo vivió y durmió en las calles de París cuando llego de migrante a Francia, sino que tampoco estudió cine de manera formal. Quizás sea precisamente esa formación al margen de las instituciones académicas la que contribuyó a otorgar a sus películas una frescura, una libertad expresiva y una vitalidad difíciles de encontrar en el cine actual. Después de realizar algunos cursos de actuación, a los que pudo acceder gratuitamente, dio rienda suelta a una fuerza creadora imparable que se desplegó a lo largo de una filmografía de más de veinte películas.

Pocos cineastas han registrado y puesto en valor la cultura romaní con la profundidad y la singularidad de Gatlif. Sus películas constituyen un híbrido permanente entre el registro documental y la puesta en escena: una zona de indeterminación en la que la cámara no se limita a observar los acontecimientos, sino que participa de ellos y reconoce el valor irreductible de los cuerpos vivos, en permanente estado de tránsito, desplazamiento y migración.

Seguir a las comunidades en sus desplazamientos, en sus condiciones de precariedad y en su relación conflictiva con los territorios constituye uno de los hilos conductores de buena parte de su filmografía. Gatlif desplaza deliberadamente hacia el centro aquello que las narrativas dominantes suelen relegar a los márgenes: la experiencia histórica del pueblo gitano, sus formas de transmisión cultural, sus prácticas musicales y sus modos de habitar un mundo que constantemente los expulsa.

La conexión con el espacio abierto los paisajes y la naturaleza como el eje central. Hacen del refugio el pasaje mismo, el afuera, es el territorio transitado y por lo tanto “el hogar” .

La música, de lo cotidiano a lo transcendental

En su herencia gitana el elemento iniciático es la música, suponemos que la aprendió de sus ancestros. En su cine esta no aparece como un simple acompañamiento de las imágenes, sino como una dimensión constitutiva de la existencia. Indivisible entre la cotidianeidad y la expresión más trascendental.

En su filmografía sin excepción, la música no representa una actividad separada de la vida cotidiana: es una forma de relacionarse con ella. El instrumento, el ritmo, el movimiento del cuerpo y la celebración conforman un lenguaje que antecede a cualquier explicación racional. La música aparece como una forma de agradecimiento a la existencia, mientras que la danza abre la posibilidad de experimentar el cuerpo más allá de su funcionalidad, como espacio de trance, encuentro y dimensión espiritual.

El teórico francés, Roger Caillois, en su libro “El hombre y lo sagrado”, explora lo sagrado, el juego, la fiesta y el exceso como dimensiones que interrumpen la racionalidad ordinaria. La existencia no se agota en la producción: también necesita momentos de transgresión, celebración y gasto.

Podríamos hablar, entonces, de una manifestación primigenia, una forma de nombrar la persistencia de saberes ancestrales que conservan una extraordinaria complejidad expresiva. Batir las palmas, tocar la flauta o el violín, danzar y reunirse alrededor de la música son gestos que adquieren la dimensión de una oración dirigida a la vida y a la muerte. En ellos sobrevive una relación con el mundo que la racionalidad instrumental moderna parece haber olvidado.

Sus incursiones con el rembetico y su influencia en la música romaní también calo profundo en su cine ya que su carácter melancólico, rebelde y subversivo, hicieron eco de su mano creadora y lo asumió como parte de su repertorio cinematográfico en Djam (2017)

La música deja una huella, modifica nuestra percepción y puede despertar una forma distinta de conciencia. Su materialidad no reside en la permanencia del objeto, sino en la intensidad de la experiencia que produce. Podríamos decir que la música es un arte de tránsito como los desplazados, y quizás eso la hace la más sublime de todas.

Una obra cúspide.

Lacho Drom o largo viaje de 1993, una de las grandes obras de Gatlif, constituye un ejemplo extraordinario de esta operación cinematográfica. El cine funciona aquí como un registro viviente, un dispositivo que intenta asir lo inasible y registrar aquello que, por su propia naturaleza, parece escapar a toda representación: la conformación de una cultura en movimiento. La película no pretende fijar una identidad ni convertirla en un objeto de observación antropológica. Esta construye una experiencia de aproximación en la que la música, la danza, la convivencia y los conflictos cotidianos permiten acceder a una comunidad desde su propia vitalidad.

La película parte desde lo más ancestral, la India como cultura matriz, para desplazarse por el tránsito de los migrantes de siglos hasta hoy, pasando por Turquia, Egipto, Hungria, Francia y España. Buscando agua o un mejor dicho, un lugar donde vivir. El cuerpo del desplazado va transitando como el protagonista, no individualmente si no que de forma colectiva comunitaria.

Rodada en 35 mil, nos presenta una imagen en donde el material cinematográfico también es una plataforma iniciatica poética .

En Gatlif, las categorías fundamentales del cine —el espacio, el tiempo y el movimiento— parecen alterar sus relaciones convencionales. El espacio deja de ser un contenedor donde ocurren los acontecimientos y se transforma en movimiento; el tiempo deja de organizarse exclusivamente según una progresión narrativa y adquiere la intensidad de los ritmos, las repeticiones y los encuentros. El movimiento, por su parte, ya no es únicamente el desplazamiento de los cuerpos dentro del encuadre: se convierte en el principio que articula la experiencia cinematográfica completa.

Aquí el cine encuentra todo su sentido, y casi podríamos hablar de una operación de religación. Las piezas dispersas de la experiencia —la memoria, el territorio, la música, el cuerpo, la historia y la comunidad— se reúnen para componer una suerte de oración cinematográfica: la historia de un pueblo que, incluso en medio de la crisis, permanece en tránsito y encuentra en lo efímero una forma de continuidad.

La comparación con buena parte del cine actual resulta casi inevitable. Asistimos al deterioro de una experiencia cinematográfica que parece cada vez más subordinada a la lógica de la superproducción, y de extras que se eliminan en segundo plano, en donde el hedonismo y el individualismo de los personajes protagónicos es el centro de todo, y por ende, lo colectivo, los que está al margen, son borrados. Asistimos a una homogenización del pensamiento a través de una dictadura visual vertiginosa, y de IA.

A propósito de la criminalización global de los migrantes hacia países más desarrollados y las políticas de persecución del fascismo hacia cualquier identidad foránea y distinta. El cine de Gatlif toma más sentido que nunca. Quizás sea por eso que en sus películas parecen afirmar, sin necesidad de formularlo explícitamente, que una cultura no desaparece mientras sus formas de expresión continúen siendo practicadas y compartidas.

Porque mientras haya un cuerpo que baile, alguien que toque un instrumento y una comunidad dispuesta a reunirse, seguirá existiendo una posibilidad de resistencia. Quizás sea justamente eso lo que el cine de Tony Gatlif nos deja como herencia: la certeza de que la vida, incluso cuando parece condenada al desplazamiento y a la desaparición, siempre encuentra una manera de volver a celebrarse.

Rosa Cáceres Hernández

Crítica de cine y cineasta.

Puedes ver parte de su filmografía en:

Latcho Drom (Largo camino) 1993

Gadjo dilo 1997 (El extranjero loco)

Transylvania 2006 https://ok.ru/video/4502406171294

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Cine

The connection, de Shirley Clarke (1961)

Lee la columna de Mario Castro Cobos

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2 horas ago

13/11/2026

Mario Castro Cobos

Pues sí; y cómo no. Por más que quieras no se puede evitar. La vida es un teatro (¿y una obra de teatro qué tanto equivale a la vida? ¿la traiciona o la profundiza?) y he aquí nuestro papel. Lo rompemos o lo interpretamos. O ambas cosas. Si tanto es teatro, ‘si todo es teatro’, cuál será -se puede decir con inteligente inocencia- ‘la verdad’. El supuesto y propuesto como metraje encontrado -en los títulos que abren la película- no lo es. El montador al fin y al cabo, en esta versión, hizo lo que quiso, y quien lee los títulos puede divertirse creyéndolo o no. -Sobre todo no creyéndolo- El magnífico juego de la mentira (de verdades inestables, cambiantes, relativas, complejas) no ha hecho sino empezar.

Estamos llenos a reventar de teatralidad aún en nuestra más sincera naturalidad. Tan estudiada y practicada que no se nota como tal. Personajes, portavoces de perspectivas sobre ellos mismos y los otros. Ocho personajes que funcionan como una maquinaria perfecta; como el bebop o el free jazz que interpretan. El lugar de espera, una especie de casa-cárcel, donde alguien traerá el elixir, la droga que los caballeros, dormidos o aburridos necesitan. El cine en el teatro, o el teatro en el cine, lo digo sin desear marearlos, brilla por su presencia.

Me resulta extraño que alguien piense que semejante coreografía de personajes puede pasar siquiera por un solo momento por (no ya ser) una película perteneciente al género documental. ¡Oh el documental que quiere en sus sueños ser lo más verdadero es puesto aquí como lo más falso que hay! Otros pensarán que no es más que teatro filmado, eso sí, con una gran habilidad.

Cuán bella ironía: el director (al principio tan correcto y tan limitado en su corrección) acaba siendo convencido para drogarse, acaba uniéndose a la galería de seductoras individualidades, porque enmarcar a un drogadicto en solo ser drogadicto es algo con lo que la película juega a burlarse de forma simplemente magistral. ¿Cómo vas a filmar una película sobre drogadictos sin drogarte?

Cómo vas a filmar una película de ficción sin fingir que es un documental. Cómo vas a filmar una obra de teatro sin fingir que te estás arrancando secretos de la vida. Cómo vas a ser espontáneo y creativo si no trabajas teorías y pensamientos hasta el extremo…

Película

https://ok.ru/video/7441050372636

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Arte

El artista Bruno Zeppilli en la Galería Forum

Lee la columna de Rafael Romero

Published

23 horas ago

12/11/2026

Redacción Lima Gris

Por Rafael Romero

Desde el pasado miércoles 11 y hasta lo que viene de noviembre, los citadinos tenemos la oportunidad de acercarnos a la obra más reciente de Bruno Zeppilli.

No podía ser mejor recinto cultural en el reencuentro, con este destacado artista, que la Galería Forum, proporcionándonos este bendito espacio cultural una gran satisfacción, como siempre en su más de medio siglo de trayectoria, siendo considerada una de las galerías pioneras y más influyentes en las artes visuales del país.

Asimismo, un artista de la talla de Bruno refleja la madurez de su trazo y de su propuesta, devolviéndonos la esperanza de que la pintura en nuestro país se mantiene vigorosa e innovadora con exponentes como él, tapándole la boca a los desmoralizados que creen que todo está perdido en nuestra sociedad.

Y, acaso, mientras sigan galerías como Forum o artistas como Zeppilli, habrá arte peruano para rato y del bueno. Ahora bien, algunos entendidos señalan que Zeppilli es un pintor figurativo, rodeando a la figura humana con atmósferas densas (paletas de colores sombríos), y a ratos mostrando una suerte de hoyos negros que cobran relieves especiales conforme te acercas o alejas del cuadro.

Pero en todo ello hay seguridad en su trazo, en medio de un estilo simbólico e introspectivo, aspectos cimentados como consecuencia de su buena formación académica (Escuela de Artes Plásticas de la PUCP en la década de los setenta y ochenta) y de su sincera inspiración artística, dando como resultado una visión propia con poderosa carga reflexiva sobre la condición humana, sobre la contemplación y la dialéctica entre el Eros y el Tánatos. No obstante, esa formación fue complementada con sus estancias en Europa y EE.UU.

En suma, con la exposición individual de Bruno Zeppilli en Forum se anima y mueve el cotarro, bajo la perspectiva del continuum de su obra, y por su puesto más allá de las retrospectivas en el ICPNA, de hace un lustro, y de su comentada individual en el MALI, de hace dos años. Por tanto, en noviembre del 2026, vale visitar y repasar esta muestra de Bruno sobre el silencio y la contemplación. La cita es en la Galería Forum de Miraflores, en ese histórico 1150 de la avenida Larco. Nos vemos.

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Música

Manuel Turizo regresa a Lima: el artista multiplatino presentará su nuevo álbum “Apambichao, Vol. 2” en el Estadio Nacional

La estrella colombiana encabeza el cartel del festival Happy Music Live este 4 de diciembre, donde interpretará por primera vez en vivo los temas de su reciente producción discográfica, la cual incluye colaboraciones con J Balvin, Grupo Firme y Kapo.

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2 días ago

11/11/2026

Redacción Lima Gris

Manuel Turizo, una de las figuras más influyentes y versátiles de la música latina contemporánea, llegará a Lima este 4 de diciembre para formar parte del Happy Music Live en el Estadio Nacional. En este esperado evento, el artista multiplatino y nominado al Latin GRAMMY® interpretará sus grandes éxitos y presentará en vivo los temas de su recién estrenado álbum, “Apambichao, Vol. 2”, consolidando una etapa de constante evolución y exploración sonora.

A lo largo de 10 canciones bajo el sello de La Industria Inc., el disco se mueve con naturalidad entre diferentes culturas musicales, manteniendo como hilo conductor una esencia tropical y festiva. Géneros como el merengue, afro, salsa, merenguetón, reggaetón y la música regional mexicana conviven en un proyecto que refleja su madurez vocal y su capacidad de experimentar sin perder identidad.

Colaboraciones estelares y diversidad de ritmos

El álbum destaca por uniones inéditas que cruzan fronteras y generaciones:

J Balvin: Se une por primera vez a Turizo en “Como Fuera”, el tema que abre el proyecto y reúne a dos de las voces colombianas de mayor alcance internacional.
Kapo: Participa en “Cogiendo Pareja”.
Oscar Maydon: Colabora en “Pa’ Besarte”.
Zaider y Hamilton: Aportan su talento en “Yo Yo”.
Grupo Firme: Cierra el recorrido en “Las Bailábamos Juntos”, donde Turizo incursiona de lleno en el universo de la música regional mexicana.

“Es un álbum hecho para bailar, celebrar y dejarse llevar”, ha declarado el propio artista sobre esta propuesta concebida para la energía de los escenarios.

Tracklist oficial de “Apambichao, Vol. 2”:

“Como Fuera” ft. J Balvin
“Infieles”
“I Love TT”
“Cogiendo Pareja” ft. Kapo
“Que Loco”
“Pa’ Besarte” ft. Oscar Maydon
“Son Señales / Algo Así”
“Más Yo”
“Yo Yo” ft. Zaider & Hamilton
“Las Bailábamos Juntos” ft. Grupo Firme

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Música

El esperado regreso de C. Tangana: adiós al silencio discográfico con “Milko Freestyle” y la reunión de Agorazein

Tras alejarse temporalmente de los micrófonos para triunfar en el cine y ganar dos premios Goya, el artista madrileño vuelve a sus raíces del rap con un tema confesional, en medio de la gran expectación por su reencuentro con el histórico colectivo Agorazein.

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4 días ago

09/11/2026

Redacción Lima Gris

Han pasado seis años desde que El Madrileño consagrara a C. Tangana como uno de los máximos referentes del nuevo pop en español. Tras un largo periodo alejado de la música —tiempo en el que se puso detrás de las cámaras para dirigir el aclamado documental sobre el guitarrista flamenco Yeray Cortés y alzarse con dos premios Goya—, el artista regresa a la escena musical con el estreno de “Milko Freestyle”, un sencillo que marca su reencuentro con el rap más puro.

Este nuevo lanzamiento, que a muchos seguidores les recordará a su icónico “Spanish Jigga Freestyle” de 2018, coincide con el anuncio de la ansiada reunión de Agorazein, el colectivo con el que se dio a conocer. De este modo, Tangana convierte “Milko Freestyle” en un confesionario personal donde reflexiona en primera persona sobre los cambios drásticos que ha experimentado su vida en los últimos años.

Experiencias tan dispares como el abrumador éxito de su anterior etapa, su paternidad o el trágico fallecimiento de su amigo mexicano Milkman le sirven de inspiración para meditar sobre el paso del tiempo, la muerte, la amistad y el peso de su propio legado.

El videoclip, que cuenta con la inconfundible firma visual de Roge y Little Spain, cede en esta ocasión todo el protagonismo al artista y a su entorno íntimo. Así, abre una ventana imaginaria hacia su nueva cotidianidad y explora esa aparente dicotomía entre la vida de una estrella de la música urbana y la de un padre de familia.

Este movimiento inevitablemente abre el debate entre los fanáticos: ¿existe alguna casualidad entre este estreno y los cuatro esperados conciertos programados para los días 15, 16, 17 y 18 de noviembre en el Movistar Arena de Madrid junto a Agorazein? ¿Estamos asistiendo al cierre definitivo de una etapa o al preludio de un nuevo capítulo en su carrera? Por ahora, solo el tiempo y el propio C. Tangana tienen la respuesta.

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Pintura

“Enfrentar el blanco”, una muestra que celebra la creación

Exposición colectiva que reúne a alumnos y docentes del taller Spazio en una muestra que propone detenerse, observar y descubrir nuevas formas de crear.

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1 semana ago

06/11/2026

Redacción Lima Gris

En tiempos de scroll infinito, pantallas e imágenes que desaparecen en segundos, “Enfrentar el blanco” propone algo diferente: detenerse y mirar. La exposición colectiva reúne una selección de obras realizadas por alumnos de Spazio, entorno de creación y formación artística ubicado en Miraflores, y llega a la Galería Juan Parra del Riego, en Barranco, desde el 30 de octubre.

La muestra reúne a artistas que se encuentran en distintos momentos de su proceso creativo: desde quienes recién comenzaron su recorrido este año hasta aquellos que llevan más tiempo desarrollando una búsqueda personal. A través del dibujo, la pintura, la acuarela y las técnicas mixtas, las obras muestran distintas maneras de aproximarse al arte y, sobre todo, de perder el miedo a empezar.

Frente al estímulo efímero de los dispositivos móviles, los alumnos y expositores de Spazio sostienen la mirada frente a la incertidumbre del lienzo en blanco. «Enfrentar el blanco» es una celebración de la paciencia y la observación de quienes apuestan por transformar una idea en realidad, perdiendo el miedo al aprendizaje.

«Elegir crear es un acto de presencia. Frente al estímulo efímero que desaparece en segundos, aquí hay una decisión activa: detener el tiempo y transformar esa pausa en algo tangible», señala Camila Figallo, artista visual, directora de Spazio y responsable de la propuesta curatorial.

La exposición se presentará en la Galería Juan Parra del Riego hasta el 11 de noviembre. El horario de visita es de lunes a sábado, de 10:00 a. m. a 8:00 p. m., y domingos, de 10:00 a. m. a 6:00 p. m. El ingreso es libre.

Spazio: aprender haciendo

Más que una escuela tradicional, Spazio se plantea como un espacio de acompañamiento para quienes buscan descubrir y potenciar su talento visual. Su metodología personalizada se adapta al nivel, intereses y objetivos de cada alumno, acompañándolo desde el aprendizaje y la ejecución de una obra hasta aspectos como sus acabados, valorización y acercamiento al mercado del arte.

En esta muestra participan Andrea Rodríguez Paredes, Andrés García, Camila Céliz, Daniela Rodríguez Torres, Emilia Figari, Eva Cafferata, Fer, Fernanda Freyre, Frida Marticorena, Jimena Rosales, Joaquín Rodríguez Torres, Kori, Laura Vílchez Yasuda, Magaly Escobedo, Margaret Burns, María Estela Marín, María Fernanda Pejovés, Marie, Mauricio Orejuela, Melissa Puma, Melissa Saavedra, Mirelle Chuquicusma, Miriam Taquire, Pitu Beris, Raí Calle Lope, Raquel Rodríguez, Sofía Meza, Thiago Tenorio, Valeria Cabrera y Vania Torres B.

La exposición permitirá también mostrar el trabajo de los artistas y docentes de Spazio: Camila Figallo, John Chauca, Abril Urrutia y Bruno Cafferata, quienes participan con obras propias y establecen un diálogo entre su experiencia como creadores y su labor como formadores.

Más que una muestra

Durante las dos semanas de exhibición se desarrollarán además actividades vinculadas al arte, demostraciones en vivo, talleres, juegos de mesa artísticos, catas de vino con pintura y poesía, entre otras propuestas que serán anunciadas próximamente.

“Enfrentar el blanco” invita así a mirar las obras, pero también aquello que hay detrás de ellas: el tiempo, la práctica, las dudas y el entusiasmo de quienes decidieron comenzar. Porque antes de que exista una obra, siempre hay un espacio en blanco dispuesto a convertirse en algo nuevo.

Datos de la exposición

Exposición: “Enfrentar el blanco”
Lugar: Galería Juan Parra del Riego, Barranco
Inauguración: Viernes 30 de octubre de 2026
Hasta: 11 de noviembre de 2026
Organiza: Spazio
Sitio web: spaziostudio.pe
YouTube: youtube.com/@spaziostalleres
Redes sociales: spaziostudio.pe

Programa de actividades

Enfrentar el blanco | Noviembre de 2026

En el marco de la exposición Enfrentar el blanco, se presenta un programa de tres actividades abiertas al público que vinculan la reflexión sobre el arte, la experimentación artística y el diálogo directo con las obras.

1. Conversatorio

Fecha y hora: Viernes 6 de noviembre a las 3:00 p. m.
Título: Más allá del lienzo: Del pensamiento renacentista a las estrategias digitales de hoy
Descripción: Un espacio de conversación sobre la relación entre arte, pensamiento, circulación cultural y estrategias de comunicación, desde referentes históricos hasta el contexto contemporáneo.
Participantes: Daniel G. Alfonso (curador de arte); Camila Figallo (artista visual); Esteban Núñez (comercial y marketing); Verónica Penagos (artista visual).
Ingreso: Libre, con inscripción previa.

2. Pintando con café + degustación

Fecha y hora: Domingo 8 de noviembre a las 11:00 a. m.
Descripción: Experiencia práctica de pintura con café, acompañada de una degustación de café de especialidad. La actividad invita a explorar el café tanto como material pictórico como desde sus características sensoriales.
Dirección artística: Bruno Cafferata, artista visual y docente de Spazio.
Degustación: A cargo de Varietal, desarrolladores de café de especialidad.
Costo: S/ 30 por persona (incluye materiales).
Participación: Con inscripción previa y cupos limitados.

3. Visita guiada a la exposición

Fecha y hora: Martes 10 de noviembre de 3:00 p. m. a 5:00 p. m.
Descripción: Recorrido guiado por Enfrentar el blanco para conocer las obras expuestas, los procesos de creación y el desarrollo curatorial y de montaje de la muestra. Se prevé también la participación de visitantes de universidades.

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Arte

Martha Vargas y Joselito Sabogal abren las puertas a “El umbral de los sueños” en la Galería Índigo

Cerca de 14 obras exploran la memoria, la imaginación y los personajes fantásticos en “El umbral de los sueños”, una exposición bipersonal que convierte recuerdos y universos imaginarios en experiencias pictóricas. La muestra estará abierta al público hasta el 12 de noviembre.

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2 semanas ago

28/10/2026

Redacción Lima Gris

¿Qué ocurre cuando los recuerdos se mezclan con la fantasía y la pintura transforma lo cotidiano en un territorio misterioso? Esa es la invitación de El umbral de los sueños, la exposición bipersonal de Martha Vargas y Joselito Sabogal que se presenta en la Galería Índigo hasta el 12 de noviembre. A través de cerca de 14 obras, ambos artistas construyen universos donde la memoria, los personajes imaginarios y la ensoñación dialogan desde lenguajes pictóricos distintos.

El título de la muestra alude a ese espacio fronterizo entre la realidad y los sueños, donde las experiencias del pasado adquieren nuevas formas y la imaginación abre caminos inesperados. Para Vargas, ese territorio está estrechamente vinculado con los recuerdos de la infancia, las personas, los lugares y las escenas que permanecen en la memoria, aunque el tiempo termine por transformarlos.

“No pinto lo que recuerdo, sino la huella que ese recuerdo dejó en mí”, explica la artista. Sus siete obras, realizadas en distintos formatos, no buscan reproducir fielmente el pasado, sino recuperar las sensaciones que persisten en él. Las imágenes oscilan entre lo reconocible y lo fantástico, invitando al espectador a establecer conexiones con sus propias vivencias y emociones.

En el universo de Joselito Sabogal, la imaginación adquiere protagonismo a través de personajes que parecen surgir de otros tiempos y dimensiones. Sus seis pinturas al óleo sobre tela presentan seres antropomorfos y figuras híbridas que habitan escenarios enigmáticos, suspendidos entre la vigilia y el sueño.

“Cada personaje tiene personalidad”, señala Sabogal. Mediante el color, la composición y la construcción de atmósferas, el artista dota a sus criaturas de una identidad propia y sugiere historias que no necesitan una explicación definitiva. Cada figura parece guardar un secreto y deja al visitante la libertad de interpretarlo.

Aunque sus propuestas parten de experiencias diferentes, ambos artistas comparten el interés por explorar aquello que escapa a la percepción cotidiana. En Vargas, la memoria constituye el punto de partida para reconstruir imágenes cargadas de sensibilidad; en Sabogal, los personajes imaginarios abren la puerta a escenarios donde lo insólito convive con lo poético.

“Nuestros lenguajes son diferentes, pero existe una sensibilidad que los aproxima”, afirma Vargas. Sabogal coincide en reconocer esa afinidad con lo onírico, la magia y las figuras que parecen pertenecer a mundos paralelos.

El umbral de los sueños propone, así, un encuentro entre dos universos pictóricos que invitan a mirar más allá de lo evidente. Sus obras no ofrecen respuestas cerradas ni imponen una interpretación única: dejan que cada visitante atraviese ese territorio entre la memoria y la fantasía y encuentre, en las imágenes, sus propios sueños, inquietudes y recuerdos.

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Arte

Muestra de arte sobre el imaginario gótico en Casa Pausa de Miraflores

La exposición colectiva “Cartografía de las sombras” reúne a 25 artistas que exploran temas como el miedo, la muerte, el deseo, la memoria y la soledad desde distintas miradas. Hasta el 31 de octubre en Casa Pausa de Miraflores.

Published

2 semanas ago

28/10/2026

Redacción Lima Gris

Hay libros que terminan cuando se cierra la última página, pero otros permanecen en la memoria y con el tiempo se transforman en imágenes, preguntas y nuevas interpretaciones. De esa idea nace “Cartografía de las sombras”, una exposición colectiva que reúne a 25 artistas para explorar la presencia de la literatura gótica en el arte contemporáneo.

Bajo la curaduría de Pilar Martell, la muestra establece un diálogo entre la palabra y la imagen a partir de algunos de los grandes temas del imaginario gótico: el miedo, la muerte, el deseo, la memoria, la soledad y aquello que permanece sin explicación.

Las obras no buscan ilustrar directamente los relatos de autores como Edgar Allan Poe, Mary Shelley y las hermanas Brontë, sino establecer conexiones con sus universos. Desde diferentes lenguajes y perspectivas, los artistas trasladan esas inquietudes al presente y exploran las formas que pueden adquirir hoy las sombras, los monstruos, los fantasmas y las ruinas.

La exposición también propone observar las preocupaciones de nuestro tiempo. La ansiedad, la fragilidad de la memoria, la sensación de extrañeza frente al mundo y la percepción de una realidad cada vez más inestable encuentran un eco en la tradición gótica. Así, “Cartografía de las sombras” plantea la oscuridad no solo como ausencia de luz, sino como un espacio desde el cual también es posible observar, cuestionar e imaginar.

Participan Fiorella Zapata, Jorge L. Enriquez, Erik Llanos, Daniela Limay, Adrián Zelada, Roxana Ypanaqué Oliveros, Barum Balam, Daniela Nairn Alayza, Miguel Mejía, Gabriel Rodríguez, Juan Carlos Julca, Tricia Cáceda, Rossi Ros, Alberto CB, Sofía Visurraga, Jose B. Altamirano, Jose Carlos Linares, Diego Zevallos, Edgardo Zarate, Rodrigo Galli, Andrea Blas, Leonardo Zapata, Cynthia Núñez, Raul Pazos y Daniel Barreto.

La muestra se presenta en la Galería Casa Pausa, ubicada en Av. General Suárez 955, Miraflores. Podrá visitarse hasta el 31 de octubre, de lunes a sábado, de 11:00 a. m. a 8:00 p. m.

Como actividad de cierre, el mismo 31 de octubre se realizará una visita guiada junto a los artistas participantes, que permitirá conocer las obras y las distintas aproximaciones al imaginario gótico presentes en la exposición.

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