Tony Gatlif, Hacia un cine de la celebración

Cine Tony Gatlif, Hacia un cine de la celebración Lee la columna de Rosa Cáceres Published 27 minutos ago on 13/11/2026 By Redacción Lima Gris Share Tweet Por Rosa Cáceres El pasado 2 de septiembre de este año, ha dejado la existencia terrenal, Tony Gatlif el gran cineasta de origen argelino, quien…

Cine

Lee la columna de Rosa Cáceres

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27 minutos ago

13/11/2026

Redacción Lima Gris

Por Rosa Cáceres

El pasado 2 de septiembre de este año, ha dejado la existencia terrenal, Tony Gatlif el gran cineasta de origen argelino, quien deja tras de sí una concepción del cine revolucionaria y difícilmente igualable. Su obra constituye una experiencia estética y política que resulta necesario revisar en estos tiempos de pesadilla digital totalizadora, cuando las imágenes parecen multiplicarse indefinidamente mientras pierden, paradójicamente, su capacidad de establecer un vínculo profundo con la experiencia de lo real.

Gatlif, nacido en Argelia en 1948, no solo vivió y durmió en las calles de París cuando llego de migrante a Francia, sino que tampoco estudió cine de manera formal. Quizás sea precisamente esa formación al margen de las instituciones académicas la que contribuyó a otorgar a sus películas una frescura, una libertad expresiva y una vitalidad difíciles de encontrar en el cine actual. Después de realizar algunos cursos de actuación, a los que pudo acceder gratuitamente, dio rienda suelta a una fuerza creadora imparable que se desplegó a lo largo de una filmografía de más de veinte películas.

Pocos cineastas han registrado y puesto en valor la cultura romaní con la profundidad y la singularidad de Gatlif. Sus películas constituyen un híbrido permanente entre el registro documental y la puesta en escena: una zona de indeterminación en la que la cámara no se limita a observar los acontecimientos, sino que participa de ellos y reconoce el valor irreductible de los cuerpos vivos, en permanente estado de tránsito, desplazamiento y migración.

Seguir a las comunidades en sus desplazamientos, en sus condiciones de precariedad y en su relación conflictiva con los territorios constituye uno de los hilos conductores de buena parte de su filmografía. Gatlif desplaza deliberadamente hacia el centro aquello que las narrativas dominantes suelen relegar a los márgenes: la experiencia histórica del pueblo gitano, sus formas de transmisión cultural, sus prácticas musicales y sus modos de habitar un mundo que constantemente los expulsa.

La conexión con el espacio abierto los paisajes y la naturaleza como el eje central. Hacen del refugio el pasaje mismo, el afuera, es el territorio transitado y por lo tanto “el hogar” .

La música, de lo cotidiano a lo transcendental

En su herencia gitana el elemento iniciático es la música, suponemos que la aprendió de sus ancestros. En su cine esta no aparece como un simple acompañamiento de las imágenes, sino como una dimensión constitutiva de la existencia. Indivisible entre la cotidianeidad y la expresión más trascendental.

En su filmografía sin excepción, la música no representa una actividad separada de la vida cotidiana: es una forma de relacionarse con ella. El instrumento, el ritmo, el movimiento del cuerpo y la celebración conforman un lenguaje que antecede a cualquier explicación racional. La música aparece como una forma de agradecimiento a la existencia, mientras que la danza abre la posibilidad de experimentar el cuerpo más allá de su funcionalidad, como espacio de trance, encuentro y dimensión espiritual.

El teórico francés, Roger Caillois, en su libro “El hombre y lo sagrado”, explora lo sagrado, el juego, la fiesta y el exceso como dimensiones que interrumpen la racionalidad ordinaria. La existencia no se agota en la producción: también necesita momentos de transgresión, celebración y gasto.

Podríamos hablar, entonces, de una manifestación primigenia, una forma de nombrar la persistencia de saberes ancestrales que conservan una extraordinaria complejidad expresiva. Batir las palmas, tocar la flauta o el violín, danzar y reunirse alrededor de la música son gestos que adquieren la dimensión de una oración dirigida a la vida y a la muerte. En ellos sobrevive una relación con el mundo que la racionalidad instrumental moderna parece haber olvidado.

Sus incursiones con el rembetico y su influencia en la música romaní también calo profundo en su cine ya que su carácter melancólico, rebelde y subversivo, hicieron eco de su mano creadora y lo asumió como parte de su repertorio cinematográfico en Djam (2017)

La música deja una huella, modifica nuestra percepción y puede despertar una forma distinta de conciencia. Su materialidad no reside en la permanencia del objeto, sino en la intensidad de la experiencia que produce. Podríamos decir que la música es un arte de tránsito como los desplazados, y quizás eso la hace la más sublime de todas.

Una obra cúspide.

Lacho Drom o largo viaje de 1993, una de las grandes obras de Gatlif, constituye un ejemplo extraordinario de esta operación cinematográfica. El cine funciona aquí como un registro viviente, un dispositivo que intenta asir lo inasible y registrar aquello que, por su propia naturaleza, parece escapar a toda representación: la conformación de una cultura en movimiento. La película no pretende fijar una identidad ni convertirla en un objeto de observación antropológica. Esta construye una experiencia de aproximación en la que la música, la danza, la convivencia y los conflictos cotidianos permiten acceder a una comunidad desde su propia vitalidad.

La película parte desde lo más ancestral, la India como cultura matriz, para desplazarse por el tránsito de los migrantes de siglos hasta hoy, pasando por Turquia, Egipto, Hungria, Francia y España. Buscando agua o un mejor dicho, un lugar donde vivir. El cuerpo del desplazado va transitando como el protagonista, no individualmente si no que de forma colectiva comunitaria.

Rodada en 35 mil, nos presenta una imagen en donde el material cinematográfico también es una plataforma iniciatica poética .

En Gatlif, las categorías fundamentales del cine —el espacio, el tiempo y el movimiento— parecen alterar sus relaciones convencionales. El espacio deja de ser un contenedor donde ocurren los acontecimientos y se transforma en movimiento; el tiempo deja de organizarse exclusivamente según una progresión narrativa y adquiere la intensidad de los ritmos, las repeticiones y los encuentros. El movimiento, por su parte, ya no es únicamente el desplazamiento de los cuerpos dentro del encuadre: se convierte en el principio que articula la experiencia cinematográfica completa.

Aquí el cine encuentra todo su sentido, y casi podríamos hablar de una operación de religación. Las piezas dispersas de la experiencia —la memoria, el territorio, la música, el cuerpo, la historia y la comunidad— se reúnen para componer una suerte de oración cinematográfica: la historia de un pueblo que, incluso en medio de la crisis, permanece en tránsito y encuentra en lo efímero una forma de continuidad.

La comparación con buena parte del cine actual resulta casi inevitable. Asistimos al deterioro de una experiencia cinematográfica que parece cada vez más subordinada a la lógica de la superproducción, y de extras que se eliminan en segundo plano, en donde el hedonismo y el individualismo de los personajes protagónicos es el centro de todo, y por ende, lo colectivo, los que está al margen, son borrados. Asistimos a una homogenización del pensamiento a través de una dictadura visual vertiginosa, y de IA.

A propósito de la criminalización global de los migrantes hacia países más desarrollados y las políticas de persecución del fascismo hacia cualquier identidad foránea y distinta. El cine de Gatlif toma más sentido que nunca. Quizás sea por eso que en sus películas parecen afirmar, sin necesidad de formularlo explícitamente, que una cultura no desaparece mientras sus formas de expresión continúen siendo practicadas y compartidas.

Porque mientras haya un cuerpo que baile, alguien que toque un instrumento y una comunidad dispuesta a reunirse, seguirá existiendo una posibilidad de resistencia. Quizás sea justamente eso lo que el cine de Tony Gatlif nos deja como herencia: la certeza de que la vida, incluso cuando parece condenada al desplazamiento y a la desaparición, siempre encuentra una manera de volver a celebrarse.

Rosa Cáceres Hernández

Crítica de cine y cineasta.

Puedes ver parte de su filmografía en:

Latcho Drom (Largo camino) 1993

Gadjo dilo 1997 (El extranjero loco)

Transylvania 2006 https://ok.ru/video/4502406171294

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The connection, de Shirley Clarke (1961)

Redacción Lima Gris

Cine

The connection, de Shirley Clarke (1961)

Lee la columna de Mario Castro Cobos

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2 horas ago

13/11/2026

Mario Castro Cobos

Pues sí; y cómo no. Por más que quieras no se puede evitar. La vida es un teatro (¿y una obra de teatro qué tanto equivale a la vida? ¿la traiciona o la profundiza?) y he aquí nuestro papel. Lo rompemos o lo interpretamos. O ambas cosas. Si tanto es teatro, ‘si todo es teatro’, cuál será -se puede decir con inteligente inocencia- ‘la verdad’. El supuesto y propuesto como metraje encontrado -en los títulos que abren la película- no lo es. El montador al fin y al cabo, en esta versión, hizo lo que quiso, y quien lee los títulos puede divertirse creyéndolo o no. -Sobre todo no creyéndolo- El magnífico juego de la mentira (de verdades inestables, cambiantes, relativas, complejas) no ha hecho sino empezar.

Estamos llenos a reventar de teatralidad aún en nuestra más sincera naturalidad. Tan estudiada y practicada que no se nota como tal. Personajes, portavoces de perspectivas sobre ellos mismos y los otros. Ocho personajes que funcionan como una maquinaria perfecta; como el bebop o el free jazz que interpretan. El lugar de espera, una especie de casa-cárcel, donde alguien traerá el elixir, la droga que los caballeros, dormidos o aburridos necesitan. El cine en el teatro, o el teatro en el cine, lo digo sin desear marearlos, brilla por su presencia.

Me resulta extraño que alguien piense que semejante coreografía de personajes puede pasar siquiera por un solo momento por (no ya ser) una película perteneciente al género documental. ¡Oh el documental que quiere en sus sueños ser lo más verdadero es puesto aquí como lo más falso que hay! Otros pensarán que no es más que teatro filmado, eso sí, con una gran habilidad.

Cuán bella ironía: el director (al principio tan correcto y tan limitado en su corrección) acaba siendo convencido para drogarse, acaba uniéndose a la galería de seductoras individualidades, porque enmarcar a un drogadicto en solo ser drogadicto es algo con lo que la película juega a burlarse de forma simplemente magistral. ¿Cómo vas a filmar una película sobre drogadictos sin drogarte?

Cómo vas a filmar una película de ficción sin fingir que es un documental. Cómo vas a filmar una obra de teatro sin fingir que te estás arrancando secretos de la vida. Cómo vas a ser espontáneo y creativo si no trabajas teorías y pensamientos hasta el extremo…

Película

https://ok.ru/video/7441050372636

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Cine

Cuando el cine joven busca su voz: UNIFEST abre sus pantallas al país

Más de 250 estudiantes de 20 ciudades del Perú ponen en escena sus historias en una jornada que convierte a Lima en un mapa vivo del cine universitario.

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8 meses ago

19/03/2026

Redacción Lima Gris

Hay momentos en los que el cine deja de ser industria para volver a ser impulso, necesidad casi íntima de contar el mundo. Eso es, en esencia, lo que propone la tercera edición del Festival Nacional de Cine Universitario —UNIFEST—, cuya jornada más esperada tendrá lugar este sábado 21 de marzo, cuando los cortometrajes finalistas se exhiban como un mosaico vibrante de voces jóvenes que, desde distintos rincones del país, buscan abrirse paso en el siempre incierto territorio de la creación audiovisual.

La cita será en la Sala Armando Robles Godoy del Ministerio de Cultura, en San Borja, desde las 9 de la mañana hasta las 6 de la tarde. El ingreso será libre, aunque sujeto al límite del aforo, como si incluso en ese detalle se insinuara la tensión entre la abundancia de historias y los espacios todavía escasos para albergarlas. No es un dato menor: el cine universitario en el Perú, a menudo relegado a circuitos marginales, encuentra aquí una vitrina que lo legitima y lo confronta con el público.

Los trabajos en competencia —aspirantes al premio de Mejor Cortometraje Universitario Nacional— han sido organizados en tres bloques temáticos: Drama, Acción/Aventura y Thriller/Terror. Esta división, que podría parecer convencional, encierra sin embargo una diversidad de miradas que van desde la introspección más silenciosa hasta la exploración de géneros que dialogan con tradiciones globales sin perder anclaje local.

El primer bloque, dedicado al drama, se desplegará entre las 10:00 y las 11:30 de la mañana. Allí, títulos como Yuyariway, Duérmete mi niño o Nadie me espera sugieren relatos donde la memoria, la pérdida y la identidad se entrelazan con la experiencia cotidiana de sus realizadores. Son historias que, más que responder a fórmulas, parecen brotar de una urgencia personal, de esa necesidad de decir lo que a menudo queda fuera del discurso oficial.

A continuación, entre las 11:30 de la mañana y las 2 de la tarde, el bloque de Acción y Aventura introduce un ritmo distinto, acaso más cercano al vértigo narrativo y a la experimentación con códigos del entretenimiento. Títulos como Pichón negro o Perros guardianes revelan una generación que no teme apropiarse de los géneros para reinterpretarlos desde su propia realidad.

Finalmente, el cierre, entre las 2:30 y las 6 de la tarde, estará marcado por el Thriller y el Terror, territorios donde lo inquietante se convierte en lenguaje. Obras como Pisthay, Yonque y sangre o Muñequita linda prometen explorar miedos que no siempre son ficticios, sino que a menudo remiten a tensiones sociales, culturales o históricas que persisten en el país.

Pero la experiencia no termina en la sala. Desde las 4 de la tarde del mismo 21 de marzo, los cortometrajes estarán disponibles en el canal de YouTube de UNIFEST, donde el público podrá votar hasta el 24 de marzo. Este gesto, que traslada la decisión más allá del jurado especializado, introduce un elemento democrático que no deja de ser significativo: el cine, después de todo, también se mide en su capacidad de conmover a quienes lo ven.

En esta edición participan más de 250 estudiantes provenientes de 25 instituciones educativas de 20 ciudades del Perú, una cifra que habla no solo de entusiasmo, sino de una red en expansión. UNIFEST se presenta así como algo más que un festival: es un espacio de articulación donde convergen formación, exhibición y diálogo, y donde el aprendizaje se entrelaza con la práctica.

La ceremonia de premiación, prevista para el 7 de abril en el Teatro Mario Vargas Llosa de la Biblioteca Nacional del Perú, será el epílogo de este proceso. Sin embargo, el verdadero desenlace —si es que puede hablarse de uno— ocurre antes: en cada historia proyectada, en cada mirada que se reconoce o se cuestiona frente a la pantalla.

Porque si algo deja en claro UNIFEST es que el cine universitario peruano no es un simple ejercicio académico. Es, más bien, un territorio en disputa, un espacio donde una nueva generación ensaya, con mayor o menor fortuna, las formas de narrar un país complejo, fragmentado y, sin embargo, profundamente vivo.

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Cine

Donde la imagen respira: conversación con Lina Durán

Una memoria personal sobre el Festival Insólito, el poder inquietante de la ficción y un encuentro que convirtió el cine en conversación y revelación. Aquí la entrevista con Lina Durán, directora del Festival Insólito.

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9 meses ago

25/02/2026

Redacción Lima Gris

Por: José E. Caro Gómez

Luego de asistir al Festival Insólito el año pasado y esperándolo en este 2026—tan abierto y variopinto como el propio crisol de culturas y lugares del Perú—, quedé con esa sensación que siempre me persigue: la de lo intenso, lo perturbador y lo adictivo. Incluso mi pequeño fue al Insólito para Niños, porque no es dable negarles la ficción, sobre todo la de buena calidad, aquella que los saca por momentos de esa cajita boba que es el teléfono.

Siempre he tenido curiosidad: ese es, quizá, mi pecado. Y aunque cada sorpresa deja su marca, esa curiosidad a veces funciona como una brújula. Recuerdo la primera vez que vi a Lina Durán en el bar Café Habana, después de ver 21 minutos, aquel corto cubano censurado en los sesenta, y ahora otro, Fiesta, donde —solo por aparecer en la película— el Estado, actuando como dios, te desaparece. Eso me tocó profundamente. Me recordó los años delicados del Perú, cuando bastaba llevar un libro rojo, incluso si era de matemáticas, para terminar preso.

Ese día, Cuba palidecía ante mí: el mito se hacía añicos. Pero ahí estábamos, entre tantos cubanos, conversando. El ambiente era como en mis ficciones preferidas, algo sacado de alguna página de novela olvidada, una sinfonía de voces. Me acerqué a Lina Durán. Vi una luz en ella. Los psicoanalistas —Lacan, entre otros— dicen que ese brillo es la psique proyectándose en el ambiente, el interior desbordado. Eso no se puede fingir. Lo saben quienes alguna vez se asomaron al abismo y, en lugar de huir, decidieron habitarlo. Porque en el infierno o en el cielo, se sigue caminando. Y quizá por eso puedo ver la hondura de ciertas cosas que para otros pasan inadvertidas. Ahora que ha pasado un poco de tiempo, he podido conversar con ella. Aquí dejo un fragmento de esa charla.

Buenas noches, Lina. ¿Cómo ha sido tu camino como directora de arte?

—Mi camino como directora de arte ha sido largo. Primero estudié Derecho, y luego Dirección de Vestuario. El Derecho me dio una sensibilidad social y humana, además de la oralidad para comunicarme. La Dirección de Vestuario, en cambio, me abrió las puertas al mundo de las imágenes.

Nací en Cali Colombia y ahí me inicié en algunos proyectos audiovisuales; asistiendo la dirección del arte del museo de cine CALIWOOD, en algunas escenas de la pelic Petecuy, y con mis amigos actores haciendo videos de PERFORMANCE y acciones callejeras, éramos una especie de vampiros urbanos. Hace doce años llegué a Lima, y fue aquí donde conocí a mi mentora, Susana Torres, una directora de arte con mucha experiencia. Yo ya seguía su trabajo desde Colombia —ella fue la directora de arte de Madeinusa— y, después de varios años, logré trabajar con ella.

En 2018 fui asistente de arte en la película Las mejores familias, de Javier Fuentes León. De ahí en adelante he trabajado en el departamento de dirección de arte en decoración, utilería e incluso como vestuarista en diferentes proyectos de cine, teatro, publicidad, videoclips, lo único que no he hecho todavía es televisión.

¿La cinefilia y el placer por las imágenes te inspiraron de alguna manera a crear el festival?

—Sí, claro. Lo fantástico y lo terrorífico tienen un enorme potencial visual; permiten construir mundos y personajes originales. Este universo de lo fantástico me parece fascinante porque casi no tiene límites: todo es posible dentro de él.

¿Crees que el festival ya tiene una corporalidad propia?

—Sin duda. INSOLITO ya tiene una identidad clara, muy artística. Eso me lo dicen tanto en América Latina como en Europa, y se refleja en las invitaciones que recibimos desde esos lugares.

¿Desde cuándo te involucras más directamente con el festival?

—Soy fundadora de INSOLITO y siempre lo he dirigido, involucrándome en todas las áreas. Pero fue a partir de la cuarta edición, dónde comencé a tomar más decisiones sobre lo artístico, a realizar pequeñas producciones audiovisuales, explorando con la animación en Stop motion, las películas asiáticas y en esta 8va edición una distopía futurista, con el eslogan: El futuro más INSOLITO lo encontrarás aquí .

El festival se ha vuelto un referente audiovisual ¿no?

—Sí! El principal motivo es la altísima calidad de nuestra programación con películas de terror, ciencia ficción y fantasía internacionales, latinoamericanas, nacionales y regionales, en formato de cortometrajes y largometrajes que a su vez suelen ser reconocidas en otros festivales del mundo.

Y por otro lado también es importante, que cada año trabajamos porque cada edición tenga su propia identidad y evolución, tanto en el ámbito del entretenimiento como en la formación , pues también procuramos dar talleres, conferencias, conversatorios y muestras itinerantes regionales.

Veo que difundes constantemente tu experiencia y motivas a otros a tener un mejor criterio en dirección de arte. ¿Podrías contarnos cómo lo haces y en qué lugares?

Desde que llegué al Perú he estado enseñando cursos de dirección de arte y producción de moda; inicialmente en IPAD, donde enseñé durante cuatro años. Y ahora, con toda esta experiencia acumulada, en algunas universidades e instituciones, dónde también he podido ofrecer talleres de asesoría en desarrollo y realización de cine fantástico.

Realice hace unos meses un taller de dirección de arte en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, en la Facultad de Letras y Ciencias Humanas. Además, di un taller de dirección de arte en Ayacucho, y también fui jurado en el Festival de Ayacucho, para finales del 2025.

¿Existe una continuidad en tus talleres y comunicación con tus exalumnos?

Claro, con muchos de ellos. Algunos empezaron como voluntarios y luego siguieron su propio camino con sus proyectos. Los veo siendo reconocidos en festivales, o formando sus propios Cineclub y espacios cinéfilos, haciendo crítica, haciendo arte y eso me emociona muchísimo. Tengo exalumnos de todo tipo, algunos viven en otros países, en Europa, otros siguen haciendo arte y videos en Latinoamérica, como es el caso de las artistas tradicionales shipibo conibo de Cantagallo, a quienes tuve el honor de enseñarles sobre la real de videos artísticos, con celulares, gracias a un fondo de innovación y transformación social.

¿Por qué quedarse en Perú ?

Yo vine al Perú antes de decidir vivir aquí. Tenía unas amigas que residían en Lima, y cuando llegué lo primero que hice fue ir a Gamarra. Me encantó. Era un lugar muy diferente al de ahora. Hace unos doce años, Gamarra era un gran centro industrial y manufacturero local del vestuario, y podías encontrar prendas típicas de cada zona del país: costa, sierra y selva. Eso me impresionó mucho.

Luego viajé a Puno, durante la fiesta de la Candelaria, y quedé maravillada con el sincretismo. Era algo que ya había visto en las películas de Claudia Llosa, pero vivirlo fue otra cosa. Esa mezcla cultural me motivó a quedarme aquí. Si lo comparo con Centroamérica o Colombia, ninguno de esos lugares tiene el sincretismo que hay en el Perú. Aquí existe toda una cultura dentro de los artesanos, a quienes yo considero verdaderos artistas, aunque muchas veces no se les valore así. Para mí, eso es arte.

Yo nací en un país en guerra. Mis abuelos también nacieron en guerra. No podíamos ir a la selva ni a la sierra porque allí estaban no solo la guerrilla, sino también los paramilitares. Y aunque han pasado los años, Colombia sigue siendo un país donde la paz no es completa. Es cierto que tiene una gran cultura cinematográfica, pero también es un país peligroso, donde cuesta mucho vivir en paz. Los campesinos siguen sin ser dueños ni del arte ni de la producción. Y yo no quería vivir eso de nuevo.

¿En qué proyecto sientes que has dejado más?

En todos se deja una gran energía vital y se da lo mejor. Pero quizá puedo destacar Ultramar la nueva obra de teatro de Cecilia Borasino, porque fue algo distinto a lo que suelo hacer. El año pasado tuvo su cuarta temporada, representó un gran reto para mí, ya que hicimos una reinterpretación abstracta de Eielson, a través de una videografia que acompaña la obra.

Insólito me reta mucho, porque exige una gran creatividad y reinvención; en el cine se da todo, y eso me inspira profundamente, una cosa que quiero resaltar que tuve a cargo mío la dirección de arte y la dirección general de un cortometraje llamado Haquira: la montaña sagrada. Lo concebí como un recorrido inspirado en una marca de joyas, fashion film. Llegué a un punto donde el paisaje cambiaba: había un basural frente a un apu. Ese contraste me marcó.

Me gustaría que mis próximos proyectos sigan esa línea: documentales con componentes fantásticos.

Cuando me despedí de ella se fue rauda me quedé observando mi café en el pukuku de cantuarias, como si de repente pudiera ver en el fondo de mi tasa un fotograma que aún no existe, una criatura agazapada entre la espuma, el reflejo mínimo de ese otro mundo que INSÓLITO nos enseña a reconocer en lo cotidiano. Y pensé que, quizá, todo festival verdadero ocurre después, cuando uno se queda solo frente a lo que ha visto y algo —una imagen, una voz, una luz como la suya— sigue respirando en silencio dentro de la taza

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Cine

Las 10 mejores películas del 2025

Este año que se nos va la industria del cine nos ha regalado obras maestras, pero muy poco difundidas en la cartelera local.

Published

11 meses ago

31/12/2025

Elio León

Como cada año, una lista que no pretende nombras películas por orden de mérito, pues cada una de ellas condensa, a su manera, una forma sublime del sétimo arte que ha tocado una fibra de mis emociones. Difíciles de verlas ya sea porque muchas de ellas estuvieron pocas semanas en cartelera y a horas cercanas a la medianoche, y otras que sencillamente no se exhibieron en la pantalla gigante; y otras que solamente fueron encontradas en las profundidades de la internet.

Pudieron ser más, pero no es mi intención alargar la lista. Estas son:

One battle after another: dirige Paul Thomas Anderson. Narra la historia de Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio), un ex revolucionario que vive aislado criando a su hija Willa, hasta que un viejo y malvado némesis resurge, secuestra a la joven, forzando a Bob a reunir a su antiguo equipo de revolucionarios para rescatarla y enfrentar las consecuencias de su turbulento pasado, en una trama de acción, suspenso y redención que toca temas de racismo e inmigración.

Sinners: dirige Ryan Coogler. Es una película de terror sobrenatural, protagonizada por Michael B. Jordan como gemelos que regresan a su ciudad natal en el Mississippi de los años 30 para un nuevo comienzo, pero se encuentran con un mal sobrenatural ligado al racismo y una leyenda local sobre música que atrae a los vampiros, mezclando drama familiar con horror gótico, blues y crítica social. La trama se centra en la redención, la culpa y el poder del blues para invocar espíritus, enfrentando a los hermanos a una antigua amenaza.

Bugonia: dirige Yorgos Lanthimos. Es comedia negra de ciencia ficción sobre dos amigos conspiranoicos, Teddy y Don, que secuestran a la CEO de una gran farmacéutica (interpretada por Emma Stone) creyendo que es una extraterrestre que planea destruir la Tierra, desatando una caótica batalla psicológica que mezcla paranoia, crítica corporativa y dilemas morales sobre la verdad y la salud mental. La película es una nueva versión de la surcoreana Save the Green Planet!, explora temas como la falta de empatía de las corporaciones y el sufrimiento humano a través del humor absurdo y la tensión.

Weapons: dirige Zach Cregger. Es una película de terror y suspenso, cuya sinopsis central gira en torno a la misteriosa desaparición de todos los niños de una misma clase, excepto uno, que se marchan de sus casas a la misma hora en un pequeño pueblo, desatando una investigación llena de elementos paranormales, drama comunitario y perspectivas entrelazadas de los personajes, incluyendo a la maestra sospechosa, la cual explora la culpa, la ira y lo inexplicable, en un estilo similar a Magnolia.

No other choice: dirige Park Chan – Wook. Se centra en Man – su, un hombre de mediana edad despedido tras 25 años en una empresa papelera, quien lucha desesperadamente por encontrar otro empleo para mantener a su familia, llegando a considerar eliminar a su competencia de manera extrema para conseguir una vacante, explorando la violencia del sistema neoliberal y la transición a lo tecnificad.

Sentimental Value: dirige Joachim Trier. Es un drama sobre las heridas familiares y el arte, donde las hermanas Nora y Agnes se reencuentran con su distanciado padre, el famoso cineasta Gustav, quien les propone un papel en su película de regreso, complicando su difícil relación, especialmente con Nora, una actriz de teatro, mientras una estrella de Hollywood se entromete en sus dinámicas familiares, explorando el perdón, la memoria y la sanación a través del cine.

The Brutalist: dirige Brady Corbet. Cuenta la historia de László Tóth, un arquitecto húngaro judío que sobrevive al Holocausto y emigra a Estados Unidos en 1947 para reconstruir su vida y carrera, buscando el sueño americano, pero su visión y su matrimonio se ven puestos a prueba por un misterioso y rico cliente que le encarga un proyecto monumental, revelando luchas de poder, traumas de guerra y secretos familiares en una lucha por la identidad y la supervivencia.

It was just an accidente: dirige Jafar Panahi. Es thriller iraní-francésque, tras un pequeño choque automovilístico, desata una crisis de identidad y moralidad en Vahid, un mecánico que cree reconocer a su torturador de prisión en el otro conductor, Eghbal, cuya prótesis de pierna chirría de forma idéntica a la de su carcelero. Vahid secuestra a Eghbal y busca la confirmación de otros ex-presos, mientras la película explora temas de venganza, justicia, trauma y resistencia política, combinando comedia negra y drama social en una reflexión profunda sobre el pasado y la memoria.

Father, mother, sister, brother: dirige Jim Jarmush. Es una película que presenta un tríptico de historias sobre familias disfuncionales y relaciones distantes entre padres e hijos adultos, ambientadas en Nueva Jersey, Dublín y París, explorando la melancolía, la comedia y la desconexión humana a través de encuentros y desencuentros familiares, como la visita de hermanos a un padre emocionalmente ausente o el manejo de la pérdida, ofreciendo un canto agridulce sobre los lazos de sangre y la soledad.

Los domingos: dirige Alauda Ruiz de Azúa. Es una película española sobre Ainara, una joven de 17 años que decide abandonar la universidad para ingresar en un convento de clausura, conmocionando a su familia y desatando un conflicto sobre fe, libertad y expectativas familiares, especialmente con su tía Maite, quien intenta disuadirla. La trama explora las disfunciones familiares y la dicotomía entre la vida moderna y la vocación religiosa, mostrando las distintas perspectivas de cada personaje, desde el padre escéptico hasta la hermana superiora, en una historia que mezcla drama, humor y retrato social.

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Cine

Dos estrenos absolutos de Rafael Arévalo

Disponibles hasta el 31 de diciembre

Published

11 meses ago

24/12/2025

Mario Castro Cobos

El 2026 cumpliré 20 años de carrera independiente e ininterrumpida y la mejor forma de celebrarlo es liberando esta última semana del año las 2 películas que realicé este 2025: mi décimo largometraje “Mundo cruel” y mi corto número 45 “Video testamento”, lo que demuestra mi constancia por amor al arte pese a todo tipo de limitaciones y a una escena alternativa local que áun no permite una visibilidad idónea.

Tras obtener un premio de DAFO en 2024, por fin daré el salto a una producción 100% profesional con mi futuro largometraje “Uku Pacha” («Inframundo») ya filmado este año en Ayacucho y que, con fe, espero estrenar en 2027. Aunque esto marcará un antes y un después en mi filmografía, siempre continuaré realizando en paralelo obras mínimas para seguir experimentado con el lenguaje audiovisual.

Mi nuevo largometraje “Mundo cruel” fue desarrollado con un presupuesto casi inexistente como casi toda mi obra a la fecha. Tras varios años sin estrenar un largo (desde “Cinema Infierno” de 2019), en 2024 decidí volver a abordar un falso documental con la única cámara que dispongo: una GoPro. Como este género es el que menos recursos necesita de forma justificada, creé una trama que pude ir filmando de forma espaciada con gente cercana que colaboró por amistad en el lado artístico, mientras yo asumí todos los cargos técnicos para, precisamente, transmitir la sensación de que todo el material fue realizado de manera espontánea por un protagonista-camarógrafo.

Pese a ser grabado en jornadas breves y en espacios seguros y controlables, el rodaje se dilató mucho para ajustarse a la disponibilidad del reparto y extras, pero esto permitió ir replanteando todo sobre la marcha, potenciando las partes sin alterar la idea base.

La idea de esta película nace de mi fascinación por el mito de los portales interdimensionales de la Avenida Canevaro en Lince, donde se dice que uno puede teletransportarse de la nada a otro plano surrealista por unos segundos para volver a la realidad donde transcurrieron horas. Tomando eso como punto de partida creé la historia de un cineasta suicida que registra el andar de un asesino en serie para transmitir una especie de manifiesto nihilista que busca reflexionar sobre un posible “mundo cruel” donde existe una impunidad casi absoluta que saca lo peor de la gente.

De manera personal, tuve que afrontar problemas serios durante el rodaje que inevitablemente aumentaron la carga negativa de la metáfora planeada al inicio. Sin embargo, el desfogar tanto drama existencial en esta película, me permitió superar penas y exorcizar demonios, algo que siempre valoro de la creación artística, por lo que espero que quienes se animen a ver “Mundo cruel” se dejen llevar para sacar sus propias interpretaciones.

Rafael Arévalo

Realizador de “Mundo cruel” (2025)

“Mundo cruel” (Largometraje-Docuficción / 60 minutos). El Topo Producciones, 2025 / Lima, Perú.

Sinopsis: En un mundo deshumanizado, un hombre solitario (obsesionado con el mito urbano de los portales dimensionales que supuestamente existen en una zona de Lima) descubre que morirá pronto y decide grabar sus últimos momentos para dejar una especie de manifiesto. Sin embargo, todo cambiará cuando conozca a un misterioso asesino en serie.

Guión, producción, dirección, fotografía, sonido y edición: Rafael Arévalo.

Música: Lesión.

Reparto: Rafael Arévalo, Joao Orosco, Milagros Campos, Carlos Benvenuto, Julio García Sifuentes, Sthefanie Cabrejos, Tame Jaime Dávila, José Medina, María Isabel Tolmos, Renato Rosado, Alfredo García, Eugenio Vidal, Vera Crispín, Carlos Flores, Camisa, Nathaly Ramos, Terom y Katia Villachica.

Película:

“Video testamento” (Cortometraje-Docuficción / 11 minutos). El Topo Producciones, 2025 / Ayacucho, Perú.

Sinopsis: Para heredar las propiedades de un familiar recién fallecido, un par de sujetos (y una perrita) deben pasar una noche en una casa de campo para demostrar su valía y registrarlo en video. Sin embargo, no será tan fácil como pensaban.

Guión, producción, dirección, fotografía, sonido y edición: Rafael Arévalo.

Reparto: Alexander Arone Martínez, Lola Valer, Isaac Valer, Rafael Arévalo.

Película

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Cine

Por primera vez en la historia los premios Oscar se transmitirán solo por YouTube [VIDEO]

Será de manera gratuita a partir del año 2029.

Published

11 meses ago

18/12/2025

Redacción Lima Gris

Adiós a la pantalla chica. Los Premios Oscar dejarán la televisión tradicional y serán transmitidos exclusivamente por YouTube de manera gratuita a partir de 2029, según anunció la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en una alianza global con la plataforma de Google. Esta decisión marca la primera vez que la ceremonia más emblemática del cine —con más de 90 años de historia— abandona la televisión lineal para ser emitida solo en streaming.

El acuerdo con YouTube contempla derechos exclusivos de transmisión mundial de la ceremonia principal, así como eventos asociados como la alfombra roja, las Governors Awards y anuncios de nominaciones, en un contrato que se extenderá desde la edición número 101 en 2029 hasta 2033. Las emisiones serán gratuitas para audiencias globales a través del canal oficial de YouTube, con soporte de subtítulos y audio multilingüe, e incluirán contenido adicional que tradicionalmente no se transmitía en televisión.

La decisión pone fin a una relación de casi cincuenta años con la cadena estadounidense ABC, que había sido el hogar de la transmisión televisiva desde 1976 y mantendrá los derechos hasta la ceremonia número 100 en 2028, en el marco del centenario de los Oscar.

FUENTE: EXCELSIOR.

El bajo rating fue una de las causas del cambio de plataforma

La Academia explicó que el cambio responde a la transformación en los hábitos de consumo de las audiencias, con una migración sostenida hacia plataformas digitales y una caída significativa de los índices de audiencia televisiva en años recientes. Aunque la transmisión del Oscar 2025 registró una mejora con casi 20 millones de espectadores en Estados Unidos, esos números quedan por debajo de los picos históricos de décadas pasadas, lo que motivó explorar nuevas estrategias para ampliar el alcance global del evento.

Desde YouTube, voceros destacaron que la plataforma permitirá “llevar la celebración del cine a una audiencia más amplia y global”, con un formato diseñado para atraer a las nuevas generaciones de espectadores, quienes consumen contenido en entornos digitales y dispositivos móviles.

El impacto del cambio ha generado reacciones mixtas en la industria. Analistas señalan que mientras la transmisión en YouTube puede ampliar significativamente la visibilidad internacional y romper barreras geográficas, algunos sectores audiovisuales expresan inquietud por la pérdida del evento compartido que representaba la transmisión televisiva tradicional. Además, quedan preguntas sobre el modelo de monetización y cómo se integrarán patrocinios y anuncios dentro de la señal gratuita.

Con esta alianza, YouTube amplía su papel no solo como plataforma de contenidos bajo demanda, sino como anfitrión de una de las emisiones en vivo más importantes del entretenimiento mundial.

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Cine

Estrella de Hollywood Dick Van Dyke cumple 100 años y lo celebra bailando

Con una carrera que abarca más de siete décadas, Dick Van Dyke ha sido distinguido con numerosos premios y reconocimientos, entre ellos Emmy, Grammy y Tony, además de galardones honoríficos por su aporte a la cultura estadounidense, consolidándose como una de las figuras más influyentes del entretenimiento.

Published

11 meses ago

15/12/2025

Redacción Lima Gris

Dick Van Dyke alcanza un hito excepcional en la historia del entretenimiento: este 13 de diciembre cumplió 100 años. El aniversario del actor, figura emblemática del cine musical y la televisión estadounidense, se celebró con el estreno del documental Dick Van Dyke: 100th Celebration (Dick Van Dyke: Celebración de su centenario), cuya proyección se programó para el último fin de semana en diversas salas de cine de Estados Unidos.

El documental recorre la trayectoria y el presente del artista, quien, lejos de retirarse por completo, mantiene una rutina activa. En declaraciones a Fox, el cineasta Steve Boettcher destacó el rol fundamental que cumple Arlene Silver, esposa de Van Dyke, en su vida diaria. Según explicó, ella lo impulsa a mantenerse en constante movimiento mediante actividades como el canto, el baile y ejercicios que forman parte de su día a día.

De acuerdo con el mismo medio, el actor participa regularmente en Vandy Camp, una compañía de espectáculos de estilo carnavalesco que integra junto a Silver en Malibú, California, localidad cercana a su residencia. El grupo presenta funciones que combinan música y coreografías, incluyendo canciones representativas de las películas musicales que Van Dyke protagonizó durante la década de 1960.

Nacido el 13 de diciembre de 1925 en West Plains, Misuri, Dick Van Dyke mostró desde temprana edad una marcada inclinación por las artes escénicas, en particular la comedia y la música. Su carrera comenzó en la radio y el teatro en los años cuarenta, luego de un breve paso por el Ejército durante la Segunda Guerra Mundial.

En la década de 1950 dio el salto a la televisión, medio en el que alcanzó popularidad gracias a su estilo carismático. Paralelamente, consolidó una destacada filmografía en el cine musical, con títulos como Mary Poppins (1964), donde encarnó al recordado Bert, y Chitty Chitty Bang Bang (1968).

Además, fue parte de series como Diagnosis: Murder y realizó múltiples apariciones especiales y proyectos musicales a lo largo de su extensa carrera, que hoy suma un siglo de vida y legado artístico.

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Cine

A los 87 años fallece la diva del cine italiano, Claudia Cardinale

Protagonista de películas de culto como Gatopardo u Ocho y medio, falleció rodeada de sus hijos.

Published

1 año ago

24/09/2025

Redacción Lima Gris

Durante el esplendor del cine italiano apareció una actriz que cautivó desde el primer segundo con sus infartantes curvas. La figura de Claudia Giuseppina Rose Cardinale, su nombre de pila, no podía pasar desapercibida, convirtiéndose en poco tiempo en la musa de directores como Sergio Leone, Luchino Visconti o Federico Fellini, apareciendo en icónicas películas como El Gatopardo, Ocho y medio o Rocco y sus hermanos.

De raíces tunecinas, Claudia Cardinale poseía ese magnetismo en sus ojos y esa sensualidad en sus caderas que hipnotizaba a todos los espectadores varones que acudían a las salas de cine, y por supuesto a las nuevas generaciones que la contemplaban en cada escena, como aquella que protagonizó con el genial Marcelo Mastroianni en Ocho y medio (Otto e mezzo).

Etérea y casi inalcanzable, Claudia Cardinale fue durante muchos años la mujer más bella del planeta. Fotograma de Ocho y medio.

Lamentablemente, la considerada “italiana más bella de Túnez”, falleció a los 87 años ayer «rodeada de sus hijos» en Nemours, cerca de la ciudad de París, en Francia, según lo confirmó su agente al diario italiano Corriere della Sera.

«Nos deja el legado de una mujer libre e inspirada, tanto en su carrera como mujer como artista», declaró su agente Laurent Savry al citado medio.

Llevó su talento a Hollywood actuando en largometrajes como: Érase una vez en el Oeste, La pantera rosa y Las petroleras, actuando al lado de la francesa Brigitte Bardot, quien era su rival mediática en las consideraciones de los críticos por su belleza.

Cardinale también actuó al lado de leyendas del cine como: John Wayne, Sean Connery, William Holden, Henry Fonda, Eli Wallach, Orson Welles, Peter Finch, Anthony Quinn, Jack Palance, David Niven, Laurence Olivier, Burt Lancaster, Jason Robards y muchos otros más.

Cuenta la leyenda que un productor la obligó a firmar un contrato para preservar su despampanante belleza, prohibiéndole “cortase el pelo, casarse o subir de peso”.

El dato:

El reconocido fotógrafo Conrad L. Hall la describió a Cardinale como «el sueño de cualquier camarógrafo, una pieza perfecta de la naturaleza; es fácil fotografiarla».

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