Ministro Beingolea y el silencio sobre Nazca: “No te voy a decir qué vamos a hacer” [VIDEO]

Cultura Ministro Beingolea y el silencio sobre Nazca: “No te voy a decir qué vamos a hacer” [VIDEO] Mientras Nazca enfrenta una situación que exige atención y decisiones concretas, el ministro de Cultura, Alberto Beingolea, opta por el silencio: “No te voy a decir qué vamos a hacer”, le respondió a…

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Mientras Nazca enfrenta una situación que exige atención y decisiones concretas, el ministro de Cultura, Alberto Beingolea, opta por el silencio: “No te voy a decir qué vamos a hacer”, le respondió a nuestro reportero de Lima Gris. Una respuesta que, lejos de despejar dudas, deja una pregunta aún más incómoda: ¿qué está haciendo realmente Beingolea en estos dos meses para proteger nuestro patrimonio?

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27 segundos ago

30/09/2026

Redacción Lima Gris

Por Mónica Aguilar

Alberto Beingolea no fue consultado sobre un asunto menor. Se le preguntó por Nazca, un patrimonio de extraordinario valor cultural reconocido internacionalmente. Y, ante una pregunta que exigía claridad, el ministro decidió cerrar la puerta: “No te voy a decir qué vamos a hacer”.

Su negativa, la expresó en los pasillos del Congreso de la República, minutos antes de presentar su exposición sobre en el Ministerio de Cultura en la Comisión de Presupuesto que se viene debatiendo en el parlamento.

Cuando al ministro de Cultura, Alberto Beingolea, se le pregunta qué hará su sector frente a la situación que atraviesa este patrimonio mundial, la respuesta no es un anuncio, una explicación ni siquiera una orientación sobre las medidas que se vienen evaluando. Es un tajante: “No te voy a decir qué vamos a hacer”.

¿Desde cuándo proteger el patrimonio cultural significa esconderle a la ciudadanía qué está haciendo el Estado?

Beingolea dirige una cartera cuya responsabilidad no es menor. Su despacho tiene bajo su ámbito la protección del patrimonio cultural del país. Por eso, cuando existe una preocupación pública respecto de Nazca, la ciudadanía y los medios de comunicación tienen derecho a exigir explicaciones.

No se está pidiendo revelar información que legítimamente pudiera ser reservada. Se está pidiendo algo mucho más elemental: transparencia sobre la gestión pública.

¿Qué medidas se están adoptando? ¿Qué acciones están en marcha? ¿Qué instituciones participan? ¿Qué compromisos asumirá el Ministerio de Cultura? ¿Cómo se garantizará la protección de Nazca?

La respuesta del ministro no resuelve ninguna de esas interrogantes. Y ese es precisamente el problema.

Nazca no necesita funcionarios que hablen en clave. Necesita autoridades que asuman responsabilidades. Un patrimonio reconocido mundialmente no puede depender de respuestas evasivas ni quedar atrapado en el silencio de quienes tienen la obligación de protegerlo. La gestión pública no puede reducirse a pedir confianza mientras se evita explicar qué se está haciendo.

Beingolea puede reservarse determinados detalles si existe una razón legítima para ello. Pero no puede pretender que la reserva sustituya a la rendición de cuentas.

Porque Nazca no pertenece al ministro de turno. Nazca pertenece a la historia del Perú y forma parte de un patrimonio que el Estado tiene el deber de preservar.

Por eso, la frase “no te voy a decir qué vamos a hacer” no debería cerrar la discusión. Debería abrirla. Porque cuando un patrimonio de esta dimensión está en juego, el país no necesita secretos: necesita respuestas.

Ya han pasado dos meses desde que Beingolea fue designado ministro de Cultura. Pero tras 60 días, el comentarista deportivo sigue demostrando que el cargo le quedó grande.

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Nasca: excavaciones ilegales, geoglifos destruidos, una sanción y el convenio con Agrolatina

Redacción Lima Gris

Cultura

Nasca: excavaciones ilegales, geoglifos destruidos, una sanción y el convenio con Agrolatina

La historia comienza con 100 hectáreas removidas por maquinaria pesada dentro de la Reserva Arqueológica de las Líneas y Geoglifos de Nasca y Palpa. Continúa con geoglifos alterados, un procedimiento administrativo que inicialmente terminó archivado, una investigación penal que fue reabierta, una multa finalmente consentida y un compromiso de restauración. Pero el episodio adquiere una dimensión mayor cuando aparece un documento: mientras el Estado procesaba y sancionaba a Corporación Agrolatina S.A.C., el Ministerio de Cultura suscribía con la empresa un convenio de promoción cultural por cuatro años.

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33 minutos ago

30/09/2026

Edwin Cavello Limas

Las pampas de Nasca son un territorio árido, donde el viento y el silencio han protegido durante siglos enormes figuras trazadas sobre la superficie terrestre, una civilización dejó señales cuya dimensión todavía sorprende al mundo. Es precisamente allí, en ese espacio reconocido como Patrimonio Mundial de la Humanidad, donde la maquinaria pesada ingresó para transformar el paisaje.

Los documentos que forman parte de este caso describen intervenciones realizadas en la denominada Parcela 3, ubicada en el sector Tierra Blanca-Mancha Verde, dentro de la Reserva Arqueológica de las Líneas y Geoglifos de Nasca y Palpa. Las inspecciones del Sistema de Gestión del Territorio de Nasca y Palpa determinaron una intervención aproximada de 100 hectáreas, equivalentes a 999 839 metros cuadrados. No se trató, por tanto, de una afectación menor ni de un incidente aislado.

En ese perímetro fueron identificados cinco geoglifos trapezoidales y cinco líneas prehispánicas, denominadas LG1, LG2, LG3, LG4 y LG5. El informe señala que uno de ellos, el denominado Geoglifo 4, resultó afectado en su totalidad por el arado del terreno destinado al cultivo industrial de palto. Otros fueron cortados durante la habilitación de trochas y por el tránsito de tractores.

Fuente: Ministerio de Cultura.

Corporación Agrolatina

A la alteración del patrimonio se sumó la instalación de infraestructura vinculada a la actividad agrícola. Los documentos mencionan un reservorio de agua construido con geomembrana, ambientes de ladrillo y cemento, estructuras metálicas y una antena de telecomunicaciones colocada sobre un área de 4 180 metros cuadrados. El terreno, además, fue delimitado mediante bordos de tierra y un portón metálico blanco con columnas de concreto en el que aparece el nombre de Corporación Agrolatina.

La empresa que aparece en el centro de esta historia es Corporación Agrolatina S.A.C., constituida en 2002 y registrada con RUC N.° 20176770474. Según la información consignada en el expediente, su representante legal es Marleny Elizabeth García Salas. La compañía desarrolla actividades agroexportadoras y opera más de 2 000 hectáreas de producción en Ica y Nasca, con cultivos como uva de mesa, palta, granada, cebolla blanca y paprika. Parte de su expansión agrícola en el valle de Nasca comprendió la adquisición de terrenos rústicos en sectores como Pajonal Bajo, Mancha Verde y Tierras Blancas.

El problema es que el patrimonio arqueológico no puede ser tratado como una extensión disponible para la expansión agrícola. La documentación señala que las intervenciones se realizaron sin autorización arqueológica previa y que las actuaciones descritas contravenían el marco de protección establecido por el artículo 21 de la Constitución, la Ley General del Patrimonio Cultural de la Nación y el Reglamento de Intervenciones Arqueológicas.

Pero la historia no empezó con la Parcela 3. Existe un antecedente que se remonta a junio de 2011. En el valle de Las Trancas se suscribió un acta de compromiso para rehabilitar el acueducto prehispánico San Juan “El Totoral”, cuya estructura había sufrido alteraciones y daños. El documento establecía un plazo de tres meses para iniciar el proceso administrativo y técnico de rehabilitación. Entre los firmantes figuró Marleny Elizabeth García Salas, en representación de Corporación Agrolatina S.A.C., junto con autoridades locales y Alberto Urbano Jacinto, representante del Ministerio de Cultura.

El plazo pasó. Los años también. El compromiso de rehabilitación no se ejecutó en los términos previstos, según la documentación revisada. El acueducto quedó así convertido en otro capítulo de una historia marcada por compromisos que, al menos de acuerdo con los documentos, no encontraron una respuesta efectiva durante años.

La denuncia del arqueólogo Abdul Yalli Alarcón

Luego llegó la vía administrativa. En abril de 2021, el arqueólogo Abdul Yalli Alarcón presentó una denuncia que dio lugar a un Procedimiento Administrativo Sancionador. Sin embargo, en abril de 2022 la Dirección General de Defensa del Patrimonio Cultural dispuso el archivo definitivo argumentando que no se había podido individualizar o identificar fehacientemente al presunto responsable. El dato resulta relevante porque la documentación también registraba la existencia del portón con el nombre de Corporación Agrolatina y la titularidad del predio.

El expediente, sin embargo, no terminó allí. En la vía penal, la Fiscalía Provincial de Nasca intentó archivar la investigación contenida en la Carpeta Fiscal 633-2022 bajo el principio de Ne Bis in Idem, que significa: «no dos veces por una misma cosa», detalle legal importante que prohíbe que una persona sea juzgada, investigada o sancionada dos veces por el mismo hecho. La Procuraduría del Ministerio de Cultura apeló. La Fiscalía Superior Mixta de Nasca anuló el archivo y ordenó formalizar investigación preparatoria contra Marleny Elizabeth García Salas por el delito de atentados contra monumentos arqueológicos, previsto en el artículo 226 del Código Penal.

El siguiente capítulo fue la terminación anticipada. En diciembre de 2023 se efectuó un depósito judicial de 136 000 soles por concepto de reparación civil a favor del Estado. También se realizaron trabajos de mitigación y borrado de huellas de maquinaria en la zona.

Y en 2025 llegó la sanción administrativa definitiva. El Ministerio de Cultura reabrió el caso y, mediante la Resolución Directoral N.° 000016-2025-DGDP-VMPCIC/MC, del 23 de enero de 2025, sancionó a Corporación Agrolatina S.A.C. con una multa de 2,25 UIT por la alteración no autorizada de cinco geoglifos y cinco líneas. Además, ordenó como medida correctiva la reposición y restauración obligatoria del Geoglifo 5. La sanción quedó firme en febrero de 2025 luego del pago de la multa por parte de la empresa.

Hasta aquí, el relato podría parecer el de un procedimiento administrativo que finalmente encontró una salida. Pero existe un documento que modifica completamente la lectura del caso.

El 28 de noviembre de 2024, cuando el Ministerio de Cultura todavía tramitaba el procedimiento sancionador que terminaría con la multa de 2025, esa misma entidad suscribió con Corporación Agrolatina S.A.C. el Convenio Específico N.° 087-2024/MC. Por el Ministerio de Cultura firmó el director de la Dirección Desconcentrada de Cultura de Ica, Alberto Martorell Carreño. Por la empresa lo hizo Marleny Elizabeth García Salas.

Fuente: Ministerio de Cultura.

El convenio tenía una vigencia de cuatro años

El acuerdo contemplaba incorporar códigos QR en los empaques de uva, palta y granada de Agrolatina destinados al mercado nacional e internacional. Esos códigos conducirían a contenidos multimedia sobre diez bienes del patrimonio cultural de Ica, incluidas las propias Líneas de Nasca. Además, el acuerdo contemplaba un reconocimiento público asociado a la denominada “Responsabilidad Cultural Corporativa” y autorizaba el uso del logotipo institucional del Ministerio de Cultura en los empaques y campañas de la agroexportadora.

Aquí aparece la pregunta que atraviesa todo este expediente. ¿Cómo se explica que la institución encargada de proteger el patrimonio cultural del país suscribiera un convenio de promoción y reconocimiento institucional con una empresa que, al mismo tiempo, enfrentaba un procedimiento sancionador por la alteración de geoglifos en la Reserva de Nasca?

La secuencia documental es difícil de ignorar: primero aparecen las excavaciones y la remoción de tierra; después, los geoglifos afectados; luego, el archivo administrativo inicial; más tarde, la reapertura de la investigación penal; posteriormente, el pago de una reparación civil; después, una sanción administrativa firme y una obligación de restauración. Y entre esos dos últimos momentos aparece un convenio institucional que proyectaba públicamente una imagen de responsabilidad cultural de la empresa.

No corresponde confundir un convenio de colaboración con una absolución ni una sanción administrativa con una condena penal. Son ámbitos jurídicos distintos. Pero precisamente por eso la cronología importa. Porque los documentos permiten formular una pregunta que el Ministerio de Cultura debería responder con precisión: ¿qué evaluación institucional permitió suscribir el Convenio N.° 087-2024/MC mientras el caso de las afectaciones arqueológicas todavía estaba siendo tramitado?

Nasca no es un paisaje cualquiera. Bajo sus pampas permanece una parte irremplazable de la memoria del Perú. Allí, cada línea destruida no es solamente una marca que desaparece de la tierra: es información arqueológica que difícilmente puede recuperarse.

Alberto Martorell, ahora ocupa el cargo de Secretario Técnico de la Comisión Nacional Qhapaq Ñan.

El expediente de Corporación Agrolatina deja, por eso, algo más que una sanción y una multa. Deja una cadena de decisiones, compromisos, archivos, reaperturas y acuerdos institucionales. Y deja también una interrogante que permanece abierta: si el Estado tiene la obligación de proteger el patrimonio, ¿cómo terminó promocionando, mediante un convenio oficial, a una empresa a la que su propia administración terminó sancionando por afectar ese patrimonio?

Y mientras toda esta historia permanece documentada en expedientes, resoluciones y convenios, el silencio del Ministerio de Cultura resulta cada vez más difícil de pasar por alto. El ministro Alberto Beingolea conoce este caso desde hace tiempo y, pese a llevar ya dos meses al frente del sector, hasta ahora no se conocen acciones concretas de su despacho para esclarecer lo ocurrido, determinar responsabilidades o exigir el cumplimiento de las medidas pendientes.

Dos meses después de asumir el cargo, Beingolea todavía tiene pendiente demostrar que conoce la complejidad del sector que dirige y, sobre todo, que está dispuesto a ejercer las atribuciones que le corresponden como ministro de Cultura. Pero hay otra pregunta que tampoco puede quedar en el aire: Alberto Martorell Carreño, quien suscribió el Convenio N.° 087-2024/MC en representación del Ministerio de Cultura, debe explicar por qué decidió firmarlo en esas circunstancias y, fundamentalmente, si la decisión fue suya o recibió alguna instrucción superior.

En Nasca, donde cada metro de terreno puede contener una parte irremplazable de la historia del Perú, esas respuestas no son un asunto burocrático: forman parte de la obligación de explicar cómo se tomó una decisión que hoy vuelve a poner bajo escrutinio la defensa del patrimonio cultural.

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Cultura

Arequipa abre sus puertas a la literatura: todo listo para el «Hay Festival 2026»

Arequipa vuelve a convertirse en un punto de encuentro para las grandes historias. Del 5 al 8 de noviembre, la Ciudad Blanca será escenario de cuatro días dedicados a la literatura, el periodismo, la ciencia, el arte y la música, con actividades para público de todas las edades. Una nueva edición del festival que invita a encontrarse con distintas voces, historias y miradas provenientes del Perú y del mundo.

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4 días ago

26/09/2026

Redacción Lima Gris

Por Susan Acuña

Arequipa ya tiene fecha para volver a ser escenario de uno de los encuentros culturales más esperados del país. Del 5 al 8 de noviembre, el «Hay Festival» reunirá en la ciudad a más de 156 invitados de 20 países, entre escritores, periodistas, científicos, artistas y especialistas de distintas áreas.

Uno de los nombres que marca esta edición es el del escritor sudafricano J. M. Coetzee, ganador del Premio Nobel de Literatura en 2003. Su llegada tendrá además un vínculo directo con Arequipa: el autor participará en dos actividades dedicadas a Mariano Melgar, uno de los poetas más representativos de la ciudad.

Coetzee estará junto a la editora y traductora Valerie Miles para conversar sobre Mariano Melgar: poesía de amor y rebelión, una edición bilingüe, en español e inglés, que reúne algunos de los poemas del reconocido autor arequipeño. El encuentro será el sábado 7 de noviembre, a las 8 de la noche, en el Teatro Municipal, y tendrá un costo de S/20.

La propuesta tendrá un segundo momento al día siguiente. El domingo 8 de noviembre, Coetzee y Miles serán parte del cierre del festival con una lectura de poemas de Melgar acompañada por música tradicional y composiciones contemporáneas de yaraví. La cita será a las 6 de la tarde, también en el Teatro Municipal, con entradas a S/20.

J. M. Coetzee.

Pero el Nobel no será la única figura internacional que llegará a Arequipa. La programación también incluye al escritor y poeta rumano Mircea Cărtărescu, autor de Solenoide y de la trilogía Cegador. Su literatura, marcada por la imaginación y los mundos oníricos, será parte de las conversaciones que el festival propone este año.

También estará André Aciman, conocido por la novela Llámame por tu nombre, además de autores como Patricio Pron, Irenosen Okojie, Edmundo Paz Soldán, Alma Delia Murillo, Liliana Blum, Mayra Santos-Febres y otros escritores de América Latina y Europa.

La agenda no se queda únicamente en los libros. El festival también abordará temas relacionados con la ciencia, la tecnología, el medio ambiente, la política y la actualidad, además de nuevas formas de contar historias. Habrá espacios para conocer trabajos de divulgación científica y conversar sobre algunos de los temas que forman parte de la vida cotidiana y del mundo actual.

Mircea Cărtărescu.

En el área de ciencia y divulgación participarán especialistas como Aldo Bartra y Philip Chu-Joy. Mientras tanto, la programación dedicada al pensamiento y la actualidad reunirá a invitados como Farid Kahhat, Alberto Vergara, Renata Salecl, Gerald Bronner y Branko Soban (periodista esloveno), quienes participarán en distintas conversaciones a lo largo del festival.

La música también tendrá un espacio desde el comienzo. La inauguración estará a cargo del Ensemble KNM Berlín, agrupación alemana especializada en música contemporánea, que se presentará el jueves 5 de noviembre en el Teatro Municipal. El ingreso para este concierto tendrá un costo de S/40.

Entre las conversaciones que abordarán estos temas estará la que sostendrán el periodista esloveno Branko Soban y Camila Osorio, periodista de El País. El encuentro será el sábado 7 de noviembre, a las 12 del mediodía, en el Colegio de Arquitectos, y permitirá conversar sobre la desinformación, la democracia y las dificultades que enfrenta la prensa en la actualidad, en una actividad que lleva por nombre Periodismo y democracia bajo presión.

Periodista Camila Osorio.

Otra de las actividades reunirá al sociólogo francés Gerald Bronner y al analista internacional Farid Kahhat, quienes hablarán sobre la verdad, la propaganda y la democracia en la era digital. También se conversará sobre cómo las redes sociales, los algoritmos y las noticias falsas están cambiando la forma en que las personas reciben y entienden la información. La actividad será el viernes 6 de noviembre, a las 6 de la tarde, en Casa Gibson de la Universidad Católica Santa María.

La programación tendrá además un espacio para hablar sobre el papel de los medios frente a la desinformación. Serge Barbet y Carlos Rivadeneyra conversarán con Omar Zevallos sobre el uso del pódcast para aprender a escuchar, revisar las fuentes y acercarse a la información de una manera más cuidadosa. La actividad será el sábado 7 de noviembre, al mediodía, en el Teatro Arequepay.

Durante los cuatro días, las actividades se repartirán en distintos puntos de la ciudad, entre ellos el Teatro Municipal, Teatro Arequepay, Casa Tristán del Pozo, Casa del Moral, la Biblioteca Personal de Mario Vargas Llosa, el Colegio de Arquitectos, el Centro Cultural Peruano Norteamericano, la Alianza Francesa y la Plaza San Francisco.

Y aquí hay algo importante para quienes quieran participar: no todas las actividades tienen costo. El programa general cuenta con entradas desde S/15 y de S/20 para los eventos del Teatro Municipal, mientras que el concierto inaugural y la obra escénica de Javier Peña tienen un precio de S/40. En paralelo, las grabaciones del pódcast «Hay Festival» en español son de ingreso libre y el festival mantiene un programa comunitario gratuito.

Para los estudiantes universitarios y adultos mayores también existe la posibilidad de solicitar entradas de cortesía, sujetas a disponibilidad. Además, el «Hay Festival» Comunitario ofrece actividades gratuitas dirigidas especialmente a niños y a las comunidades locales.

Con esta programación, el «Hay Festival Arequipa 2026″ propone cuatro días en los que las historias, las ideas y la cultura ocuparán distintos espacios de la ciudad. Una oportunidad para acercarse a escritores de distintas partes del mundo, escuchar nuevas voces y descubrir que una conversación también puede ser el punto de partida para mirar la realidad desde otro lugar.

Durante cuatro días, Arequipa será un punto de encuentro para quienes disfrutan de las historias, los libros y las nuevas ideas. Escritores y especialistas de distintas partes del mundo llegarán a la ciudad para compartir sus experiencias, conversar con el público y mostrar otras formas de ver el mundo. Una propuesta pensada para públicos de todas las edades, que invita a descubrir nuevas voces, acercarse a los libros y disfrutar de uno de los encuentros culturales más esperados del año.

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Cultura

Karry Carrión: “El humor es mi filosofía de vida”

Con casi cinco décadas dedicadas al humor gráfico, la caricatura y la historieta, más de 200 reconocimientos internacionales y una vida dedicada al dibujo, Julio Carrión, conocido como “Karry”, sigue encontrando nuevas formas de comunicar. Hoy, además de dibujar, busca acercar la lectura y el arte a los niños y rescatar la memoria de la historieta peruana.

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4 días ago

26/09/2026

Redacción Lima Gris

Por Susan Acuña Cruz

Detrás de cada dibujo existe una manera de entender el oficio, una defensa del trazo hecho a mano y, sobre todo, la convicción de que una caricatura debe tener algo que decir. Hoy, mientras una exposición en el Callao reúne parte de su trayectoria, Carrión mira hacia atrás para recordar sus inicios, hablar de la transformación del humor gráfico, rescatar la memoria de los historietistas peruanos y explicar por qué, después de más de 50 años, sigue dibujando, investigando y enseñando. Porque para él, como lo resume durante esta conversación, la mente no se jubila jamás.

Julio, ¿cómo nació KarryCaturas?

KarryCaturas nació en Lima, en el diario Ojo. Era una columna, un espacio que tenía en las páginas de divertimentos, por el año 1995. Entonces se me ocurrió jugar con las palabras de caricaturas. Y quité el “cari” y le puse “Karry”. Y salió KarryCaturas.

Y esa pequeña sección terminó llevándolo mucho más lejos de lo que probablemente imaginabas.

Claro, cuando llegó el Internet, empecé a mandar trabajos. Yo buscaba los concursos internacionales, dónde estaban las plataformas, qué pagaban. Había euros, yenes, dólares. Entonces empecé a participar y en el año 2005 gané mi primer premio en España. Fue de mil euros y era la primera vez que participaba en certámenes internacionales.

¿Y cuántos reconocimientos ha conseguido a lo largo de todos estos años?

Son alrededor de 200 premios que se han ido acumulando. Y gracias a esos premios también pude construir mi casa, porque quizás con el sueldo que ganaba de los periódicos no me alcanzaba. Pero bueno, gracias a esos premios me fui ubicando más.

Ahora justamente está presentando una muestra en el Callao. ¿Qué significa para usted esta exposición?

Esta muestra toma el nombre en homenaje a esa sección chiquitita que, sin pensar, iba a dar la vuelta al mundo. Ha llegado bien lejos. KarryCaturas nació en un espacio pequeño del periódico y después fue creciendo. Para mí es también una manera de mostrar que ese trabajo que comenzó hace tantos años todavía tiene algo que decir

En esa etapa de KarryCaturas hubo personajes que quedaron en la memoria de muchas personas, como La Combi Asesina y Simeón. ¿Qué significaron para usted?

Prácticamente los pilares de KarryCaturas fueron Simeón y La Combi Asesina, porque nacieron antes. La Combi Asesina era con textos, criticaba a la sociedad limeña, a la cultura combi. Y Simeón era más muda, solamente era un niño travieso, peor que Daniel el Travieso.

¿Qué siente al saber que personas de nuevas generaciones todavía las recuerdan?

Me alegra mucho que las nuevas generaciones todavía se acuerden de La Combi Asesina y Simeón. Porque eso quiere decir que no araste en un desierto. Es algo que deja siempre una huellita en la mente. Al final, eso significa la vida de un artista: dejar la huella.

Usted continúa dibujando de manera tradicional, aunque hoy la tecnología permite trabajar directamente en una tableta. ¿Por qué decidió mantener ese proceso?

Yo todavía sigo dibujando con mis trazos prehistóricos. Dibujo con pluma, tinta china. No hay tabletas, no hay digital. Luego los pinto en Photoshop. Mucha gente se equivoca porque me dice: “Oye, pero tú estás usando Illustrator”. No, pareciera que soy Illustrator, pero no.

Yo manejo nada más el pulso, después el escaneo. Mi bocetito a lápiz, el plumón y luego el escaneo. Y en la computadora le doy sus retoques con Photoshop.

¿Qué cree que se pierde cuando dejamos completamente de lado ese dibujo hecho a mano?

Ya no hay originales, lo que hacen es imprimir nada más. Pero eso no es lo original. No van a tocar tus dedos, no van a tocar la huellita de cómo corrió el pincel, cómo corrió el plumón. Ahí todavía está el espíritu del artista.

Eso no quiero perderlo. Yo no estoy en contra de quienes utilizan tabletas. Está bien que cada uno utilice una herramienta más. Quizás ellos la han dominado mejor que yo, pero yo no quiero perder ese espíritu todavía.

Usted siempre habla de que el dibujo tiene que comunicar. ¿Qué es lo más importante para usted en una caricatura?

Para mí, el contenido tiene que ser vital, más que la imagen. Tú puedes ser un Leonardo Da Vinci, puedes dibujar bien, pero no dices nada. El comunicador tiene que aprender a comunicar con el dibujo.

Yo me baso más en elementos simples para poder crear una imagen y poder comunicar. Y estamos en los tiempos ahora donde el humor sin palabras ha crecido más y es más potente que el humor con palabras, porque la gente ya no quiere ni leer.

¿Y cómo ve a las nuevas generaciones que hoy tienen redes sociales, memes y otras plataformas para expresarse?

Ahora ustedes, las nuevas generaciones, lo tienen más fácil. Tienen otras plataformas, otros formatos y tienen más llegada. Antes nosotros teníamos que tocar una puerta a un periódico. Ahora pueden publicar y tienen más ventajas que nosotros.

A mí me gusta la idea de que las generaciones continúen con esas ganas de protestar, de indignarse, de hacer los memes. El peruano por naturaleza es humorista, es gustoso, es ocurrente, tiene muchas cosas que decir siempre.

También ha dedicado parte de estos últimos años a investigar la historia de la historieta peruana. ¿Por qué decidió hacerlo?

Porque le debo tanto a la historieta peruana. En realidad, soy solo la suma de todas las antiguas generaciones. Después de los 60 años dije: “Me voy a dedicar a investigar”. Tenemos muchos artistas que no los visibilizan, no los rescatan. Los olvidan. Y algunos se han muerto. Sin embargo, han hecho historia en su región. Hay periódicos regionales y han hecho estructuras cómicas, historietas. He tenido que conectarme con ellos y que me cuenten.

Usted incluso ha reunido documentos y materiales durante décadas. ¿Qué quiere lograr con todo ese archivo?

He ido recopilando papeles, documentos históricos. Tengo un archivo de los años sesenta, setenta, ochenta, noventa. Es como una especie de hemeroteca. He logrado eso y ahora me están dando el placer de poder publicar y dárselos al compilador. Hay cosas que no vas a encontrar en la Biblioteca Nacional. Entonces les estamos dando ya el viaje más corto a los investigadores y estudiantes de comunicación que quieran conocer la historia de la historieta peruana.

Y usted considera que todavía nos falta conocer mejor nuestra propia historia de la historieta.

Sí. Creo que deberíamos juntar a los viejos con las nuevas generaciones, que ellos aprendan que sí existe una escuela de la historia peruana aquí. Tenemos una herencia, tenemos una tradición. El tema es que ellos no investigan de dónde nacemos, desde dónde empezamos. Entonces empiezan a copiar influencias de afuera y no las de adentro. Por eso yo creo que ahí se pierde la identidad peruana.

Después de tantos años, ahora también está llevando su experiencia a las bibliotecas y trabajando con niños. ¿Cómo nació esa iniciativa?

Yo empecé con las bibliotecas porque me da pena que las bibliotecas estén desapareciendo. Y dije: “Voy a crear un contenido para las bibliotecas”. No me paguen. Es mi misión. Yo ya llegué a una etapa donde ya recibí, ahora tengo que dar. Ese es mi futuro ahorita. Yo me veo viejo, como Sócrates o como Platón, rodeado de jóvenes que quieren aprender.

¿Y qué busca transmitirles a los niños?

Primero los hago leer y después a volar la imaginación. Les digo: “¿Ya vieron lo que estoy viendo yo?”. Y empiezan a imaginar. Que dibujen esa flor, ese animalito que vieron ellos, así tal cual como les salga. Yo empiezo por los niños porque el futuro de la humanidad son los niños. Esa es mi misión ahorita.

¿Cree que la lectura puede ayudar también a despertar la creatividad?

Claro, yo siempre les decía: si yo no leo, no me sale nada. Empecé a leer literatura infantil, luego literatura juvenil, luego las literaturas actuales. Pero nunca dejé de leer. Y por eso mismo brotan las ideas. Si no tienes nada en la cabeza, ¿qué vas a hacer? No va a salir nada.

Después de más de 50 años creando, ¿qué sigue teniendo Karry por contar?

El humor siempre va a continuar, no se va a morir. Te hablo del humor gráfico, y los creativos nunca se detienen, porque la mente no se jubila jamás. Yo sigo haciendo humor como un niño, como si nunca pasara el tiempo. Sigo con el mismo hambre de crear, con esa misma necesidad de que la gente me lea, con esas ganas.

Y para terminar, si tuviera que definir el significado de hacer humor, ¿qué diría?

Hacer humor es mi filosofía de vida. Es toda una filosofía. Y desde niño he vivido así, feliz, sin fastidiar a nadie, siempre con una sonrisa en los labios y siempre abierto a todo. Mi felicidad es la paz espiritual, emocional y ser abierto, escuchar a los demás. Hacer humor es parte de mi trabajo y mi trabajo me hace feliz.

Una huella que permanece

Después de conversar con Julio Carrión queda la sensación de que su historia no se resume en los premios ni en los años que lleva dibujando. Está también en esos personajes que todavía recuerdan quienes los conocieron de niños, en los archivos que conserva y en los niños a quienes hoy busca acercar a la lectura y al dibujo.

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Cultura

Alfredo Alcalde: «pintar Gaza es ser un artista contemporáneo»

Durante 19 años, Alfredo Alcalde, junto a su esposa, la artista Ivette Taboada, ha hecho patria trabajando en una de las instituciones más relevantes del competitivo mundo artístico mexicano: la reconocida Fundación Sebastián CDMX, del destacado escultor Sebastián. Ahora tenemos la oportunidad de quemarnos los ojos en el éxtasis de su gramática visual, con una temática suprapolítica y geopolítica. La Galería Municipal de Arte Pancho Fierro presenta “El rumor de los ausentes bajo el cielo de los caminantes”. La muestra se inaugura el 10 de octubre y culmina el 8 de noviembre.

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5 días ago

25/09/2026

Hans Herrera Núñez

De noviembre de 2025 a enero de 2026, Alfredo Alcalde presentó una muestra de sus pinturas en grandes dimensiones, las cuales tuvieron un rotundo éxito, al pasar de una exposición programada originalmente para un mes y que se extendió por tres meses. Dicha muestra contó a su vez con charlas dirigidas a estudiantes de artes y público en general, esto como una oferta integral de la experiencia artística con la presencia y guía del maestro pintor, el cual es un testimonio invaluable tanto para el público interesado (que ha sido grande tomando en consideración la extraordinaria prolongación de la muestra) como para la promoción del arte made in Perú.

Especialmente relevante fue la presencia de estudiantes de la UNAM y de las instituciones educativas más importantes para artistas, como la San Carlos y la Esmeralda. Fue un momento brillante en la historia de las relaciones Perú-México, lamentablemente truncado apenas unos días después por la torpeza inherente de las políticas de ambos países; sin embargo, esto no quita lo bailado y el hecho de que un solo pintor peruano logró mucho más que la poderosa oficina de turismo de Perú o la nebulosa política del ministerio de cultura del país inca, puesto que dicha exposición de Alcalde en noviembre de 2025 logró reunir entre los presentes el día de la inauguración de dicha muestra al pleno de la Embajada de Perú en México, entre ellos el cónsul, el agregado cultural y demás ministros de la embajada, así como la presencia de la Cámara de Comercio Peruano Mexicana y de representantes del internacionalmente prestigioso Fondo de Cultura Económica de México, así como miembros de la socialité azteca y hasta la presencia del representante de la OEA. Dicha muestra significó un momento estelar para la promoción del Perú más allá de su gastronomía o la arqueología globalmente reconocida, sino sobre todo el mostrar el músculo de sus artes plásticas como algo vivo y vigente, con un lugar bien puesto en el difícil y competitivo ambiente pictórico mexicano, donde el lábaro patrio inca ondea a una altura que solo hemos hallado anteriormente en semejante altura en el caso de la literatura, cuando Perú gozó de un Mario Vargas Llosa, o en la música cuando deslumbraba los escenarios del mundo la voz inquebrantable de Yma Sumac. Pero estos referentes son el pasado, y Alcalde es el presente, uno que expone un rostro nacional brillante y cuyo significado político inmediato es el de poner pica en Flandes para una expansión del arte de Perú como un fenómeno vivo y no como fetiche etnográfico de museo arqueológico. El poder vencer en México como hace Alcalde no se ha visto en la plástica peruana desde el triunfo de Eielson con sus instalaciones en Italia. Ciertamente hemos tenido artistas reconocidos internacionalmente, pero difícilmente sabemos de más casos que estos dos mencionados en que hayan logrado imponerse en el tiempo. No solo se trata de abrir puertas, se trata de orgullo en un país acostumbrado al derrotismo como Perú, el poder concebir una pintura peruana de carácter expansionista y territorial, que puede colonizar otros mercados, conversar con el arte nativo y acercar las miradas mesoamericanas a la plástica andina contemporánea. Esto hace a una pintura viril, el poder crecer y rebalsar las estrechas fronteras nacionales. Este ejemplo vigente hoy vuelve a Perú en forma de una muestra que nos trae desde México algunas de las más relevantes piezas de esa exitosa exposición. Es la oportunidad de que los artistas peruanos puedan presenciar una pintura ganadora y así mismo inspirarse en este afán de expansión, tener la oportunidad de descubrir el brillo de los ojos del lobo y reconocer el hambre propia de fama y gloria.

Dicha histórica muestra del alcalde en CDMX se llamaba «Visiones para meditar», una muestra en grandes formatos de 25 piezas y que exhibe la etapa actual de un artista ya consolidado. Sorprende que en Perú todavía no tuviésemos algo tan fuerte; sin embargo, el Instituto Pancho Fierro está por presentar parte de esta muestra en Lima este próximo 10 de octubre. A pedido de dicha institución que venía proponiendo hacer la muestra, el pintor Alcalde ha respondido afirmativamente, trayendo una decena de estas piezas desde México para su muestra en Perú, a la que se suman otros cuadros inéditos que se verán por primera vez antes que en cualquier otra galería.

Ciertamente, la oportunidad de presenciar el que quizá sea el evento pictórico de la década brinda cubrir a Lima de una condición de gran ciudad de la pintura latinoamericana, a su vez que evidencia la lealtad del artista por su país al apostar por traer por sus propios medios tantas piezas directamente desde México. Tómese en cuenta también que, en comparación con México, Perú tiene un mercado de coleccionistas todavía muy pequeño, por lo que, si bien se puede esperar algún avezado comprador, no se compara ello con los batallones de coleccionistas mexicanos, tanto de la plutocracia como de instituciones. Así que una muestra aquí en Perú tiene más de un espíritu altruista de parte del artista que con solo una muestra pone en el mapa pictórico latinoamericano a Lima, ciudad la cual todavía debe bregar mucho más para salirse de su condición pueblerina de ciudad provinciana en comparación con Río, Buenos Aires, Santiago y, por supuesto, México.

El aporte de Alcalde en esta oportunidad es una muestra que a su vez es una inversión en favor del país, ya que se espera viajen marchantes y galeristas internacionales con motivo de esta muestra; también se espera pueda servir como una forma de allanar el camino a la normalización de las relaciones Perú-México gracias a la diplomacia cultural que eventos como estos en sí mismos promueven, pues qué mejor manera de superar las diferencias que mirando juntos un mismo horizonte pintado en una pared de 2×3. Por ello, lo relevante del momento que favorece el encuentro y que es prueba de que el arte es más que útil, en tanto trasciende conflictos en el marco de una propuesta civilizatoria de diálogo y comprensión.

También es una oportunidad, muy al estilo de Ivette y Alfredo, de acercarse a los estudiantes de artes en Lima para, a través de charlas y visitas guiadas, exponer los planteamientos humanos detrás de la pintura, los cuales solo pueden ser explicados por artistas ante las evidentes limitaciones de los textos curatoriales. Entonces, tener al pintor y su esposa, que son un equipo exitoso de artistas plásticos, tenerlos presentes y que te hablen y respondan tus preguntas, es de por sí un lujo, el cual ya hace mucho el Perú no cuenta, al menos no a este nivel de un discurso pictórico formado por décadas de ejercicio. Porque, como dice Alcalde, la pintura no se puede limitar solo a la técnica; es entonces necesario volcarse a aquello que revuelve las tripas cuando se contempla un paisaje de horror como es su más reciente cuadro, «Gaza», ya que la pintura realmente viva no es un juego técnico, sino una propuesta comprometida de una temática que conversa con la realidad y sus efectos en los pueblos. Una pintura de temática tan abundante en el siglo XIX es casi inexistente en la actualidad en Latinoamérica, siendo Alcalde una de sus excepciones más radicales, donde la temática y la técnica emparejan en una altura semejante a nuestros Andes.

Como siempre, les toca a los artistas hacer un proyecto en su país con muchos detractores porque nuestra gente y nuestra élite, a diferencia de la mexicana, son todavía muy provincianos en sus horizontes. El esfuerzo del alcalde y su esposa, que hacen estos proyectos, que es más una inversión por el país, un sacrificio que muchas veces les genera una salida, muchas veces con un todavía breve retorno, pero con especial amor de poner en nuestras paredes las imágenes de una época destinada a trascendernos. Ese es el valor de una exposición como esta, y la oportunidad para los amantes de la pintura de ver y oír a los pintores hablar de la relevancia de las temáticas que conversan con la realidad en ese gran diálogo que es la pintura, una imagen que habla y en ocasiones te grita.

Sin embargo, surge esta oportunidad de reencuentro de un artista exitoso en el sentido comercial y consolidado como maestro de pintura, con toda seguridad el último maestro de artes plásticas vigente (aún quedan algunos maestros, pero ya muy mayores, y después sigue una larga lista de obituarios que solo aumenta con los años), así que, entre los vivos, podríamos decir de Alcalde que es el último de los mohicanos. Lo suficientemente joven para esperar de él más obras, y lo suficientemente mayor para tener un absoluto dominio del ejercicio de su oficio. Es grato saber que su obra, dentro de lo posible, sea tratada con la deferencia posible. Octubre es un buen mes para su exposición; otra cosa, pura miopía sería colocarlo en enero, cuando todos están de vacaciones y las galerías se vuelven nidos de silencio. Muchas veces, entre los jóvenes pintores y los que están por emerger, el trato en cuanto a la disponibilidad de espacios se asemeja, de parte de algunas galerías, al cariño de una madrastra cruel. Es frecuente el lamentable ejercicio de las postergaciones, del arrinconamiento en los meses muertos, un pagar piso que parece nunca acabarse y que en el fondo mata todo horizonte de esperanza. Por fortuna de Dios, Alcalde es un maestro que goza del mínimo aprecio necesario de las instituciones peruanas, y aun cuando podría ser mejor el trato al último buque insignia de la pintura peruana, el esmero que él mismo y su esposa, la pintora Ivette Taboada, le dan en arriesgarse de su propio peculio el traslado de varias piezas de su exposición desde México a Perú, hace pensar en ellos dos como una pareja de pintores románticos que siguen apostando por su tierra. En una época de desengaño como la nuestra, apuestas como estas resultan valientes y desconcertantes. Y sin embargo, el pez nada contra la corriente.

La obra de Alcalde para esta muestra evidencia la escuela a la que pertenece, a la de una pintura crítica que recoge los estertores de la más amarga realidad. Su cuadro estrella, Gaza, es una muestra de la altura de su gramática visual cocinada en años de trabajo; en una cruz de Viernes Santo cuelgan las ropas de algún anónimo fallecido por el actual holocausto en proceso en Palestina. En un fondo de pesadilla salido de una visión de San Juan en su Apocalipsis, vemos una multitud agonizante en el dolor. Hay una sensación a azogue que se desprende de la imagen, un calor glacial e iracundo que arrasa el paisaje como enfermedad. Recuerda al famoso cuadro de Alcalde sobre la pandemia, en tanto este presenta la guerra asimétrica como enfermedad histórica, el exterminio de todo un pueblo en un holocausto en que la Cruz proclama la dimensión religiosa de Gaza: su sacrificio, su dolor como reflejo del dolor de Cristo. Quizá las ropas del gazatí desaparecido sean del mismo Cristo, y la ausencia del cuerpo de Cristo en la cruz solo nos redirecciona a la multitud sufriente como un Cristo hecho masa. Esto mismo recuerda al poema del peruano Vallejo, Masa. La metáfora entonces resulta perfecta: Dios ha bajado al mundo a ser crucificado por segunda vez en la carne de un pueblo; ha dejado colgando las ropas modernas para evidenciar la condición contemporánea de este dolor. La cruz nos obliga a ver desde la dimensión religiosa el sufrimiento de Gaza como sufrimiento religioso que trasciende los límites de una limitada visión secular. «Si ves el cuadro, notarás que incomoda», nos dice Alcalde, y ciertamente ello ocurre.

La propuesta estética y temática de Alcalde a lo largo de los años se circunscribe en el marco de una pintura comprometida con el dolor humano. Es también en el caso de Gaza una obra que se presenta por primera vez en el mundo, esto dentro de parte de la muestra que incluye inéditos de Alcalde; es esta obra un recordatorio de que la religión no es un juguete político, cosa que viene ocurriendo actualmente en la instrumentalización de la fe de parte de políticos chupacirios de dudosa catolicidad (piénsese en el sionista presidente de Colombia o el archijudaico turbocapitalista de Argentina), un recordatorio de que los misterios de la fe atestiguan, además de realidades trascendentes, la profundidad de la universalidad del sufrimiento humano que nos conmina el también universal deseo de justicia. Una pintura religiosa es en tanto más religiosa cuando en su temática opera la conmoción que nos produce una injusticia. El Cristo flagelado, el Cristo llevando la cruz, los soldados jugando sus ropas, la Virgen llorando el calvario de su hijo; todos estos son hechos que nos revuelven por la propiciación de una víctima inocente. Y ellos precisamente operan en GAZA de Alfredo Alcalde, en donde el cuerpo del Nazareno se transfiere al cuerpo de todo un pueblo. Porque todo sufrimiento es un hecho corporal y, por ende una realidad material que acontece en la Historia.

Una pintura tan crítica que recuerda a un Goya con sus fusilados del 2 de mayo, también por su natural incomodidad se puede prestar al temor de beatas y mojigatas, pregoneros del libre pensamiento que viven empuercadas en los estrechos límites de lo políticamente correcto. Una obra así es un desafío a la pintura limeña dominante, donde la formalidad de la técnica impera sobre la temática y en donde la ñoñez de la dictadura de los curadores, cual comisarios políticos de la corrección, ahoga todo atisbo de vida. Siendo así, un Humareda o un Vinatea o un Sabogal son imposibles en la plástica hegemónica limeña, por lo que la irrupción de Alcalde es una brisa de aire fresco por salirse de la norma de los artistas autocensurados y de los complacientes. Siendo así, cabe recordar que el mismo pintor Alcalde ha puesto como condición para su muestra en Lima que entre las pinturas a exponer esté Gaza, una cuestión de compromiso con lo que precisamente es la razón de la pintura misma: su humanidad.

Cabe también referir que una de sus obras preferidas, como es «Otredad», un cuadro muy comprometido, fue adquirido en México por el hermano de la cantante Verónica Castro. Lo mismo pasó con «Pandemia», adquirida a su vez por el socio de Slim. Por ello, esta es la oportunidad de ver una obra comprometida y a su vez tener la oportunidad de escuchar al mismo artista hablarnos de la relevancia del compromiso de la pintura. Y es que el arte es un hermoso pretexto para llegar a la humanidad y sensibilizar. También es una oportunidad de oro para el público peruano, ya que varias de las piezas (una decena) hasta hace poco expuestas en la Fundación Sebastián de México han sido prestadas para su muestra en Lima este 10 de octubre.

Para esta muestra se contará a su vez con un catálogo de las obras de 48 carillas a color. La muestra es una búsqueda por mantener en el provinciano escenario cultural limeño una pintura que despierte las inquietudes emocionales de un pueblo, y es que es fácil que bajo las actuales circunstancias la tentación por una amnesia cultural se dé. De ahí el rol social de la pintura. Visibilizar la violencia es vivibilizar la injusticia y revolver en las vísceras de nuestras consecuencias aquello que nos hace humanos. Si no, ¿para qué pintar?

Es también una forma de hacer actual algo que es noticia. Es mostrar al alma lo que la tecnología no puede alcanzar. Es una forma de reflejar la conmoción del drama que nos envuelve al mantener en contacto a las personas y los pueblos. Por lo que esta muestra en Perú está orientada a «dar».

Alcalde mismo se reconoce un discípulo de Sabogal y de los grandes maestros de la pintura peruana; «uno los recoge y los recuerda», nos señala con el pincel mojado en aguarrás. También nos dice que «pintar Gaza es ser un artista contemporáneo». La temática te hace contemporáneo, no la técnica. La técnica puede deslumbrar a los ojos, pero no al alma».

En definitiva, Gaza, que se presentará, junto a otras piezas de Alcalde, el 10 de octubre, será un cuadro geopolíticamente incorrecto e incómodo, esto en el preciso momento en que la política exterior peruana da un extraño giro al abstenerse en la reciente votación en la ONU para que Palestina participe en la Asamblea de la organización. Una abstención es una manera cómoda de cancelación, la manera en que los apáticos de espíritu, es decir, los cobardes, se esconden como quien posterga una muestra por temor al escándalo. Porque, como dice San Juan en su Apocalipsis, III 15-16, respecto a los tibios:

Scio opera tua: quia neque frigidus es, neque calidus; utinam frigidus esses aut calidus: sed quia tepidus es, et nec frigidus, nec calidus, incipiam te evomere ex ore meo.

Yo conozco tus obras, que ni eres frío ni caliente. ¡Ojalá fueses frío o caliente! Pero por cuanto eres tibio, y no frío ni caliente, te vomitaré de mi boca».

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Cultura

Perujazz cierra 40 años de historia y se despide en el Gran Teatro Nacional

La emblemática agrupación, pionera en el diálogo entre el jazz, los ritmos afroperuanos y las raíces andinas, pondrá fin a cuatro décadas de trayectoria este 15 de octubre. Sus cinco integrantes continuarán sus carreras en proyectos personales.

Published

5 días ago

25/09/2026

Redacción Lima Gris

Durante cuatro décadas, la agrupación convirtió el encuentro entre el jazz y las raíces musicales del Perú en un lenguaje propio, explorando los territorios de la improvisación, la tradición y la creación contemporánea. Ahora, después de 40 años de trayectoria, ha decidido cerrar su ciclo artístico con un concierto especial el próximo 15 de octubre en el Gran Teatro Nacional.

La presentación, denominada “Perujazz – 40 años de fusión viva”, reunirá a Manongo Mujica, Jean Pierre Magnet, Andrés Prado, César “Pudy” Ballumbrosio y Julio Zavala, actuales integrantes de la agrupación, para recorrer parte de un repertorio construido durante cuatro décadas.

El cierre de Perujazz no significa el retiro de sus músicos. Cada uno continuará desarrollando sus propios proyectos y búsquedas artísticas. Lo que concluye es una experiencia colectiva que marcó un capítulo singular de la música peruana y que convirtió la fusión en una posibilidad de creación y diálogo con el mundo.

Un lenguaje que abrió caminos

Fundado en Lima en 1984 por Manongo Mujica, Jean Pierre Magnet, Enrique Luna y Julio “Chocolate” Algendones, Perujazz nació a partir del encuentro de músicos que ya tenían trayectorias y búsquedas personales. Desde sus primeros años, la agrupación apostó por vincular la libertad de la improvisación jazzística con los ritmos y sonidos de la tradición peruana.

En esa búsqueda, la presencia de Julio “Chocolate” Algendones, músico vinculado a Perú Negro y al trabajo de Chabuca Granda, tuvo particular importancia. El cajón y otros elementos de la tradición afroperuana encontraron en el lenguaje de la agrupación un espacio para dialogar con el jazz y con nuevas formas de experimentación sonora.

La propuesta de Perujazz partió de una premisa que con los años se convertiría en una de sus principales señas de identidad: la tradición no tenía que ser entendida como un territorio inmóvil. Los sonidos peruanos podían transformarse, dialogar con otras expresiones musicales y proyectarse hacia nuevos públicos sin perder su vínculo con sus raíces.

En 1986, la agrupación inició su proyección internacional y, un año después, grabó en Italia su primer álbum, “Verde Machu Picchu”, registro de una búsqueda artística que posteriormente la llevaría a escenarios de América y Europa.

Una despedida con la música todavía en movimiento

La despedida ocurre, además, en un momento de plena actividad artística. El más reciente registro de la agrupación, “Perujazz en vivo – Gira Europea 2023”, fue realizado con apoyo de los Estímulos Económicos para la Cultura del Ministerio de Cultura y presentado durante una nueva gira europea respaldada por la Cancillería.

El álbum, editado por el sello español Vampisoul/Munster en formato digital y doble vinilo, recoge la energía de la agrupación en directo y estará disponible para el público el mismo 15 de octubre en el Gran Teatro Nacional.

La reciente gira incluyó una presentación en la Casa de América de Madrid, donde también se proyectó un minidocumental dirigido por Diego Cendra, además de conciertos en Budapest, Estocolmo, Madrid y Barcelona.

Así, el final de Perujazz no llega como una mirada exclusivamente retrospectiva. La agrupación se despide mientras su propuesta continúa circulando y encontrando nuevos espacios para una música construida desde la mezcla, la improvisación y la identidad.

Cuarenta años, una última noche

El concierto en el Gran Teatro Nacional reunirá a los cinco músicos para interpretar composiciones representativas de una trayectoria marcada por la exploración y el diálogo entre distintas tradiciones musicales.

Será también la oportunidad para que el público acompañe el último capítulo de una historia iniciada en 1984 y que contribuyó a ampliar las fronteras de la música peruana.

“Perujazz – 40 años de fusión viva” será, en ese sentido, una celebración y una despedida. Cuatro décadas después de aquella primera búsqueda, la agrupación cerrará su historia compartida dejando una obra que seguirá transitando por nuevos caminos a través de sus músicos y de las generaciones que encontraron en su propuesta una manera distinta de entender la música peruana.

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Cultura

El Silencio (Tystnaden, 1963), de Ingmar Bergman

Lee la columna de Rodolfo Acevedo Palomino

Published

5 días ago

24/09/2026

Rodolfo Acevedo

Dos hermanas mantienen una relación cargada de hostilidades, resentimientos. Ester y Anna viajan en tren, de regreso a su país, en compañía del hijo de la segunda, Johan. A Ester la aqueja una rara enfermedad. Ahogos, debilidad, dificultad para hablar, le impiden continuar el viaje, por lo que los tres se ven forzados a hacer una parada en la ciudad de Timoka, un lugar extraño (casi onírico), cercano a un conflicto bélico. Anna no parece sentir compasión por su doliente hermana, y no esconde el gesto despreciativo, ni el fastidio de verse obligada por las circunstancias. Ester, por su parte, intentará recuperarse en el hotel, acercarse a su sobrino –uno de sus últimos actos-, y sobrellevar el menosprecio y los celos que siente por su voluptuosa hermana.

En la ciudad desconocida se habla un idioma incomprensible para las protagonistas. También es un paisaje desconcertante. Calles agitadas, atiborradas de gente yendo de un lado a otro, caballos decrépitos jalando carros, y tanques que aparecen patrullando en las noches. El lugar tiene un aire incómodo, como sitiado, como si estuviese a punto de entrar en crisis. (Y puede que también evoque alguna especie de borde, de lugar transitorio, donde purgar culpas o desatarlas).

En la habitación del hotel, Anna pasa mucho tiempo arreglándose, paseando (desnuda), preocupada por cual vestido usar, y muy fastidiada por el calor. En medio de su andar, se da tiempo para mimar a su hijo y dejar que el niño la admire. Una actitud hedonista gobierna su conducta, y una inquietud permanente, la hacen muy sensible a lo que percibe de los otros extraños. (El movimiento callejero, el clima, la visión de un coito en las penumbras de un teatro de variedades -eso la afecta de sobremanera). Ester no parece ofrecerle mucha resistencia a Anna. Debilitada, fuma, bebe, escucha música y habla sola. Así distrae el dolor. También revisa cosas de su trabajo –es traductora-, para no desplomarse. (Su hermana aborrece todo lo que tiene que ver con su trabajo. No soporta ese aspecto intelectual y racional de la vida. Y lo contrapone con su propia manera de existir: vital, desorganizada, física). Ester se encuentra sola, sino es por el viejo camarero del hotel que la atiende cada vez que está muy grave. Pero en general sus actos se cierran sobre sí misma, y repite una disciplina aprendida que la mantiene a flote, pero también la aísla. (Y justifica en cierto momento esa autosuficiencia, al decir que repudia el sexo con otros, porque huele a “pescado podrido”).

Las hermanas reducen sus relaciones a lo mínimo, al casi silencio. Cuando hablan, siempre surge el reproche y la agresión. Se miran cuando no están peleando -una más pendiente que la otra. Se vigilan -podría decirse-, pero también en esas miradas hay envidia y desprecio. Sus cuerpos se distinguen en el movimiento, en la actividad enérgica de Anna, frente a Ester, limitada en sus desplazamientos y a veces contraída. Pero esos movimientos intensos en una y sosegados hasta la parálisis en la otra, son también muestras de sus relaciones con el exterior y consigo mismas, y en ambas sus conductas las dirigen a la insatisfacción y al vacío. La incapacidad para construir un vínculo significativo que no fuera desesperado o instrumental (como el sexo en Anna), o la negación de la comunicación por falta de interés o simple asco hacia la vida mundana (en Ester).

Por su lado, Johan descubre, explora, pero no entiende mucho lo que observa. Su proceder es inocente, curioso, irresponsable hasta cierto punto. Él ve a los tanques detrás de la ventanilla del vagón, sin saber qué sucede. Y mira a su madre con deseo infantil, siempre que puede. Deambula por los pasillos del hotel, conoce a unos enanos actores, y juega un rato con ellos vestido de niña. También se acerca al viejo camarero, quien le muestra unas fotos (de su familia, suponemos), y entre ellas, una en particular, la de una muerta siendo velada. El niño no sabe lo que el anciano le dice, no lo entiende, pero algo tiene que ver con la condición de sobreviviente del viejo. (El camarero le obsequia las fotos. Al salir al corredor Johan escucha unos pasos, entonces decide esconder las imágenes bajo la alfombra. ¿De quién son esos pasos?). El niño está asombrado del mundo a su alrededor, conociéndolo sin prejuicios, sin intenciones preestablecidas. Pero Johan no está solo, depende de la autoridad materna (el padre, siempre de viaje, es una figura muy lejana, casi fantasmal). Anna limita el alcance de las incursiones de su hijo, así como interviene en su relación con Ester. (La tía le entregará a su sobrino una carta con dos palabras escritas en su interior, dos palabras aprendidas del idioma de Timoka. Un gesto agónico que intentará preservar su relación).

La muerte es una presencia fuerte en la película de Bergman. Está detrás de los tanques que aparecen durante el recorrido en tren o en medio de la calle, como un aviso de lo que podría suceder. Es la muerte la que ronda a Ester en su enfermedad, y lo que la hace tomar conciencia de su final, mientras Anna la abandona, después de su última discusión. Y algo parecido a la muerte, está en la destrucción del frágil vínculo que une a las protagonistas, en su incomunicación, y en el silencio en que transcurre la mayor parte de la película. La muerte, su amenaza, o como metáfora de la crisis de la convivencia humana, es el elemento que asedia unas relaciones vacías de fundamento, o de fe (en un Dios), según lo plantea Bergman. Por todo ello, a pesar de breves gestos vistos en el filme, no parece haber nada que redima a sus criaturas, ni siquiera la inocencia de un niño, finalmente sometido por su madre egoísta.

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Cultura

Desnudoteatro presenta obra experimental «Sentir»

Miguel Blásica presenta unipersonal con una propuesta cruda que cuestiona y resignifica lo sagrado. Dos funciones.

Published

5 días ago

24/09/2026

Redacción Lima Gris

Desnudoteatro vuelve a las tablas con SENTIR, obra abstracta y experimental que refleja una cruda realidad humana donde el cuerpo es una herramienta de devoción y destrucción.

En un mundo que se reconfigura en la violencia y la locura, SENTIR propone una inmersión en los símbolos sagrados para cuestionarlos y revalorizarlos como elementos de poder social, cultural y político.

De esta forma, SENTIR se presenta como una búsqueda inconsciente de un asomo de coherencia y de la función del mito más allá de las formas y prácticas con lo que se concibe la religiosidad.

Con la actuación unipersonal y dirección escénica de Miguel Blásica, la obra establece y rompe simbólicamente el diálogo entre tradición y modernidad, mientras pone en cuestión la resignificación de símbolos populares.

La propuesta experimental apela a lo sagrado, no solo como baluarte de un país y sociedad, sino como parte de un alfabeto donde confluyen fe, sufrimiento, éxtasis, dolor, suplicio, soledad, vida, muerte y esperanza.

SENTIR es resultado de un largo proceso de creación, donde lo artístico participa como elemento vital en la concepción de la memoria y la historia de los pueblos.

La obra se enmarca en una propuesta de largo aliento que Desnudoteatro ha trabajado durante más de 30 años por intervenir el cuerpo-símbolo y superar los límites convencionales de la interpretación y reinterpretación.

Con un enfoque que nace desde lo artístico para cuestionarlo, la obra presenta escenas de violencia simbólica que pueden inquietar a algunas audiencias. Por ello, la puesta en escena está dirigida a un público mayor de edad.

SENTIR tendrá dos presentaciones: sábados 24 y 31 de octubre a las 7:30 p.m. en el local del Auditorio SITENTEL – Jr. Mariano Carranza 498, Santa Beatriz, (frente a América Televisión).

Las entradas para la función de SENTIR tienen un costo de 25 Soles preventa (hasta viernes 16), luego el precio será 30 soles. Se pueden adquirir mediante mensaje a las redes de Desnudoteatro (en Instagram), Miguel Blásica – actor (en Facebook), al 991 042 451 (WhatsApp) o al correo: [email protected]

Para entrevistas o mayor información, contactar al 991 042 451 (Miguel Blásica)

Fechas: 24 y 31 de octubre

Hora: 7:30 pm

Duración: 1 hora

Lugar: Auditorio SITENTEL – Jr. Mariano Carranza 498, Santa Beatriz, (frente a América Televisión).

Entrada general: 25 soles

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Cultura

Svetlana Smolina, una de las grandes pianistas rusas, llega a Lima para un único recital

La reconocida intérprete, elogiada por su intensidad, precisión y riqueza sonora, se presentará el 26 de octubre en el Teatro Municipal de Lima, como parte de la Temporada 2026 de TQ Producciones.

Published

6 días ago

23/09/2026

Redacción Lima Gris

De los grandes escenarios de Europa, Estados Unidos y Asia a Lima. La pianista rusa Svetlana Smolina llegará al Perú para ofrecer un único recital el próximo 26 de octubre en el Teatro Municipal de Lima, en el marco de la Temporada 2026 de TQ Producciones.

La presentación permitirá al público peruano acercarse al trabajo de una intérprete cuya trayectoria internacional la ha llevado a compartir escenario con algunas de las principales orquestas del mundo y a presentarse en reconocidas salas de concierto.

A lo largo de su carrera, Smolina ha actuado junto a la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta del Teatro Mariinsky, la Filarmónica de San Petersburgo, la Orquesta Nacional de Francia y la Filarmónica de Róterdam, entre otras agrupaciones. Su recorrido también incluye escenarios como la Royal Opera House de Londres, el Mozarteum de Salzburgo, el Carnegie Hall de Nueva York y el Hollywood Bowl de Los Ángeles.

Durante 2026, la pianista ha mantenido una intensa agenda internacional con presentaciones en Estados Unidos, Sudamérica y Europa, antes de continuar su temporada con su esperado recital en la capital peruana.

Su interpretación ha recibido elogios de diversos medios especializados. The New York Times destacó su capacidad para construir un “piano tempestuoso, que respiraba”, mientras que Los Angeles Times la calificó como una “pianista excepcional, de tono suntuoso”. Por su parte, el Herald Tribune de Londres resaltó los efectos de sus interpretaciones y su capacidad para conducir al público hacia una experiencia de gran intensidad. El medio ruso Zapolyarnaya Pravda llegó a definirla como “un verdadero milagro”.

La trayectoria discográfica de Smolina también forma parte de su reconocimiento internacional. Sus grabaciones han sido publicadas por Universal Music, Warner Music y Pentatone, mientras que su registro de Les Noces, de Ígor Stravinski, bajo la dirección de Valery Gergiev, recibió un International Classical Music Award.

Ganadora del Concurso Internacional de Piano Città di Senigallia, en Italia, y del Concurso Murray Dran de dos pianos, Smolina también desarrolla una importante labor pedagógica. Desde 2011 dirige el Programa de Piano del Philadelphia International Music Festival y forma parte del cuerpo docente de piano del Irvine Valley College, en California. Anteriormente enseñó en el Kaufman Music Center de Nueva York.

A esta trayectoria se suma un nuevo reconocimiento. Este año, la Academia de la Grabación, organización responsable de los premios Grammy, la invitó a incorporarse como miembro votante, en reconocimiento a su trayectoria artística y a sus contribuciones a la comunidad musical internacional.

En Lima, el público tendrá la oportunidad de escuchar a Smolina en un recital que tendrá como protagonistas la técnica, la expresividad y la intensidad interpretativa que han marcado su carrera en los principales escenarios internacionales.

Información para los compradores

Las entradas para el recital de Svetlana Smolina ya se encuentran a la venta a través de Ticketmaster.

Los espectadores que adquirieron entradas para el concierto de Daniil Trifonov, inicialmente programado para el 26 de octubre, podrán utilizar sus boletos para asistir al recital de Smolina y conservarán los mismos asientos. También podrán optar por solicitar la devolución total de su compra.

Para elegir entre ambas alternativas, los compradores deberán registrar su decisión hasta el 6 de octubre de 2026 mediante el formulario habilitado por la organización. Quienes confirmen su asistencia al recital de Smolina conservarán sus entradas y no podrán solicitar posteriormente el reembolso.

En caso de optar por la devolución, esta se realizará a través del mismo medio de pago utilizado para adquirir las entradas. Los plazos correspondientes pueden consultarse en la información oficial de Ticketmaster sobre formas y plazos de devolución.

Si el comprador no completa el formulario hasta el 6 de octubre de 2026, Ticketmaster procederá automáticamente con el reembolso de la compra.

El dato

Recital: Svetlana Smolina
Lugar: Teatro Municipal de Lima (Jr. Ica 377, Centro Histórico de Lima)
Día: 26 de octubre
Hora: 8:00 p. m.

Preventa BBVA: 23 de septiembre

Venta general: 24 de septiembre
Entradas en Ticketmaster

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